2018卓越教学陈平素描静物从结构到大关系 解构经典基础3正版 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 素描
• 静物
• 教学
• 美术
• 绘画
• 陈平
• 基础
• 结构
• 经典
• 艺术

店铺： 君远图书专营店

出版社： 黑龙江美术出版社

ISBN：9787559326825

商品编码：28287435915

书名：陈平素描静物从结构到大关系 

主编：陈平

出版社：黑龙江美术出版社

页码：95页

开本：8K

定价：88元

ISBN：9787559326713

出版社日期：2018年4月第1版

重量：0.9KG

《精微画室：油画静物创作实录》 序言 艺术的创作，如同生命的旅程，既有对自然的细致观察，也有对内心世界的深度挖掘。而静物画，作为绘画中最具挑战性也最富魅力的门类之一，它不仅仅是对眼前物象的忠实再现，更是艺术家对光影、色彩、质感、空间乃至生命哲学的深刻理解和表达。本书《精微画室：油画静物创作实录》，便是一部凝聚了我多年来在油画静物创作道路上探索、实践与感悟的心血之作。 我深知，每一件成功的静物作品，都源于艺术家对描绘对象最本源的理解。这种理解，不是流于表面的形似，而是穿透物象的肌理，洞察其内在的结构与精神。从坚硬的陶罐到柔软的布料，从晶莹的玻璃器皿到饱满的水果，它们各自拥有独特的物质属性和生命气息，这些都将通过画家的笔触，在画布上焕发新生。 本书并非枯燥的理论说教，而是以我工作室的实际创作过程为载体，将理论与实践紧密结合。我将带领读者一步步走进我的创作空间，分享我从构思、选材、布局，到深入刻画、调整氛围的完整历程。在这里，你将看到一幅幅静物作品如何在画家的手中，从最初的素描稿，逐渐演变成色彩斑斓、光影交错的油画。 我们将在画中一起探讨光线的语言：它如何塑造形体，如何描绘材质的特殊光泽，又如何营造画面的空间感与情绪。我们将解构色彩的奥秘：如何调和出逼真的色彩，如何运用对比色与邻近色来丰富画面，以及色彩如何承载情感和象征意义。我们还将审视质感的表现：从金属的冰冷光滑，到陶瓷的温润细腻，再到水果的饱满多汁，如何在画布上赋予它们逼真的触感。 同时，本书也将着重强调“大关系”的构建。在绘画创作中，局部细节的精彩固然重要，但如果失去了整体的和谐与统一，作品便会显得零散而缺乏生命力。“大关系”包括了物体的体积感、空间关系的准确性、画面整体的黑白灰分布、以及色彩的整体冷暖倾向。我将在书中详细阐述如何把握这些宏观的要素，让画面在细节丰富的同时，又不失整体的沉稳与大气。 我深信，绘画的魅力在于它能够连接物质世界与精神世界。一件优秀的静物画，不仅仅是对客观物体的描摹，更是艺术家对生活的热爱、对美的追求以及对生命的思考。希望通过本书，能够与各位热爱绘画的朋友们，一同踏上这段精微的艺术探索之旅。愿本书能成为你手中可靠的画笔，指引你在油画静物的创作道路上，不断前行，发现更多属于自己的艺术语言。 第一章：物象的呼吸——从素描到结构洞察 绘画的起点，是观察，是理解。在油画静物创作中，素描是构建一切的基础，是赋予对象生命力的第一步。我们所描绘的不仅仅是静止的物体，更是它们在特定空间、特定光线下所呈现出的独特“呼吸”感。 1.1 洞察结构：物体的骨骼与灵魂 在我们拿起画笔之前，最首要的任务是理解物体的内在结构。以一个朴实的陶罐为例，它的形态并非随意生成，而是由基本的几何体——圆柱、球体、圆锥——巧妙组合而成。它的颈部如何与腹部相连？它的底部又是如何支撑起整个形体？这些都是我们需要在素描阶段深入探究的。 基础几何体的分解与重组： 任何复杂的形体都可以分解为基本的几何单元。一个苹果，可以看作是球体的变体；一本书，是长方体的组合。通过对这些基础几何体的精准把握，我们可以快速建立起物体的三维空间感。 形体的转折与变化： 观察物体表面的变化，线条如何从平直变为弯曲，从光滑变为凹凸。一个瓶子的肩部，弧度的变化决定了它的体量感；一块布料的褶皱，蕴含着丰富的体积和方向。 内部结构的暗示： 有时，我们并不直接看到物体的内部，但通过外部形态，我们可以推测其内在结构。例如，一个水果的饱满程度，暗示着其内部的果肉和果核。在素描中，我们通过明暗关系和轮廓线的细微处理，来暗示这种内在的结构。 1.2 光影的叙事：塑造体积与空间 光是绘画的灵魂。没有光，就没有形体，就没有空间。理解光线如何与物体互动，是素描的关键。 光源的指向性： 首先要明确光源的方向、强度和性质（是硬光还是软光）。光源决定了亮部、暗部、反光和投影的分布。 明暗五大调： 我们可以将物体表面的明暗变化归纳为亮部、浅灰、灰部、深灰（暗部）和反光。这五大调是塑造物体体积感的基础。 投影的真实感： 投影是物体在平面上投下的影子，它不仅证实了物体的位置，也增强了画面的空间深度。投影的形状、清晰度与光源的性质和物体表面的距离密切相关。 反光的意义： 反光是暗部区域接收到的来自周围环境的散射光。它能够微妙地提亮暗部，使物体不至于显得过于死板，并能帮助我们判断物体与背景的材质和距离。 1.3 材质的语言：素描中的触感预演 即使是在素描阶段，我们也应该开始思考物体的材质。不同的材质对光线的反射和吸收方式不同，这会在素描中体现为线条的粗细、明暗过渡的细腻程度以及笔触的倾向。 光滑表面： 如玻璃，光线反射强烈，明暗对比可能非常强烈，亮部细节丰富，暗部可能较为沉寂。 粗糙表面： 如粗陶，光线被漫反射，明暗过渡相对柔和，缺乏锐利的亮部。 柔软表面： 如布料，褶皱处的变化丰富，光影的过渡富有节奏感。 通过素描，我们为油画创作打下坚实的结构基础和空间意识。每一个线条，每一次明暗的划分，都是在为最终的色彩表现铺路。这不仅仅是“画出形”，更是“理解形”，是让物象在我们的笔下“活起来”的开端。 第二章：色彩的交响——从色调到氛围营造 当结构与空间在素描中得到确立，色彩便成为赋予静物生命与情感的魔法。油画的魅力，很大程度上体现在其丰富而细腻的色彩表现力上。我们并非简单地复制现实的色彩，而是要通过色彩来传达我们对物体的感受，以及我们所想要营造的画面氛围。 2.1 色调的基石：建立整体的色彩框架 在开始色彩的绘制之前，确立画面的整体色调至关重要。色调决定了画面的冷暖倾向、明度关系以及色彩的饱和度，它如同音乐的旋律，为整幅画定下了基调。 冷暖对比与和谐： 画面中是否存在主导性的冷色调或暖色调？它们如何相互对比、又如何相互呼应？冷暖的对比能够增强画面的空间感和视觉冲击力，而和谐的冷暖搭配则能带来宁静与统一的美感。 明度的和谐： 画面整体的亮度和暗度分布如何？过亮或过暗都可能破坏画面的平衡。我们需要通过调整不同色彩的明度，来确立画面清晰的层次和视觉焦点。 饱和度的控制： 鲜艳的色彩具有强烈的视觉吸引力，但过多使用饱和度高的色彩容易显得刺眼。学会运用中性色、灰度较高的色彩来“收”住画面，让鲜艳的色彩在对比中更显珍贵。 2.2 色彩的魔法：表现材质与光影的细腻变化 色彩不仅仅是表面的“颜色”，更是理解光影和材质的直接体现。 不同光线下色彩的变化： 同一种物体，在阳光直射下、阴影中、或者灯光照射下，其色彩都会发生显著的变化。例如，白色的陶罐在暖色光源下，其亮部会泛黄，暗部则会带有光源的互补色倾向。 材质的色彩语言： 金属： 通常表现为高光部分亮度极高，反射出周围环境的色彩，而暗部则显得沉稳，可能带有青灰色或棕色调。 玻璃： 透明感是关键。玻璃器皿的色彩不仅包括其本身的颜色，更重要的是它如何折射和反射周围的物体和光线。透明的玻璃器皿，其轮廓和内部空间的色彩变化会非常丰富。 水果： 饱满的水果，其表皮的色彩可能在不同光线下呈现出丰富的过渡，如苹果的红晕、葡萄的晶莹剔透。 布料： 柔软的布料，其褶皱处的色彩会随着光影的变化而呈现出微妙的冷暖和明暗过渡。丝绸的光泽感，需要通过细腻的色彩变化来捕捉。 环境色的影响： 物体并非孤立存在，它们会受到周围环境的色彩影响。一个红色的苹果放在黄色的桌布上，苹果的亮部可能会反射出一点黄色，而桌布的红色也会在苹果的暗部有所体现。这是色彩微妙而真实的关键。 2.3 笔触的韵律：构建画面的肌理与生命力 油画的笔触，是艺术家情感和思考的直接载体。不同的笔触运用，能够为画面带来不同的质感和生命力。 厚涂与薄染： 厚重的油画颜料堆叠，能够制造出强烈的立体感和肌理感，适用于表现坚实的物体或粗犷的质感。而薄薄的罩染，则能营造出通透、细腻的色彩层次，适用于表现光滑的表面或柔和的光影。 笔触的方向与节奏： 笔触的方向可以跟随物体的形体转折，增强体积感。例如，顺着瓶子的弧度绘制，能够更好地表现其圆润的形态。笔触的节奏变化，可以引导观者的视线，增强画面的动感。 色彩的混合方式： 在画布上直接混合色彩（湿画法）与在调色板上混合好再上色（干画法），会产生不同的效果。直接在画布上混合，色彩会更加鲜活，而预先混合则能获得更纯净的色彩。 通过对色彩的深入理解和巧妙运用，我们可以赋予静物作品超越物象本身的生命力和情感。色彩不再仅仅是“看”，更是“感受”，是艺术家与观者之间无声的沟通。 第三章：形与色的交融——结构关系与色彩关系的统一 绘画的最高境界，是形与色的和谐统一，是结构关系与色彩关系的相互呼应。一个出色的静物作品，绝非将素描的轮廓与色彩的“填色”简单叠加，而是形与色在创作过程中彼此渗透、互相塑造、最终融为一体的艺术结晶。 3.1 解构经典：从大师作品中学习“大关系” 回顾那些传世的静物画杰作，我们会发现它们往往拥有一个共同的特点：强大的“大关系”。这种“大关系”并非是细节的堆砌，而是整体的秩序感、节奏感和生命力。 构图与空间： 大师们的构图往往简洁而有力，他们懂得如何运用“留白”来突出主体，如何通过物体的摆放来营造画面的深度和层次。一个巧妙的透视关系，就能让画面中的物体“站”起来。 明暗的整体布局： 画面整体的明暗分布，构成了一个重要的骨架。例如，光线从一侧照射过来，形成强烈的明暗对比，将观众的视线引向主体。反之，柔和的散光则能营造出宁静、和谐的氛围。 色彩的整体倾向： 无论画面中色彩多么丰富，总会有一种主要的色彩倾向，如偏暖或偏冷。这种整体的色彩倾向，统一了画面，使得各种色彩的对比与和谐都服务于整体。 体积感的统一塑造： 大师们的作品，即使物体众多，它们的体积感也不会互相干扰，而是协同工作，共同构建出坚实的画面空间。 3.2 结构关系与色彩关系的相互印证 在我的创作过程中，结构关系与色彩关系是同步进行的，它们互相印证，互相完善。 结构决定色彩的可能： 物体的体积、材质和所处的光线环境，决定了其可能的色彩表现。例如，一个球体的亮部与暗部，其色彩的明度和饱和度必然存在差异。球体的材质（如金属或陶瓷）也会影响其亮部高光的色彩倾向。 色彩强化结构： 反过来，准确的色彩关系也能极大地强化物体的结构感。暗部色彩的冷暖变化，能够微妙地勾勒出物体的体积轮廓。反光色彩的运用，则能让暗部不再死板，从而增强物体的真实感和立体感。 空间感的色彩表达： 远处的物体色彩会相对偏冷、偏灰，而近处的物体色彩则会相对纯净、温暖。这种色彩上的“空气透视”原理，是营造画面空间深度的重要手段。 质感的色彩暗示： 光滑如玻璃的材质，其色彩高光会非常明亮，可能呈现出周围环境的真实色彩；而粗糙的陶土，其色彩则会显得更加含蓄，明暗过渡更加柔和。 3.3 细节的升华：让局部服务于整体 当“大关系”确立后，我们就可以开始深入描绘细节。但这里的细节，不是孤立的，而是紧密服务于整体的。 高光的处理： 高光是物体最亮的部分，它不仅表现了物体的光泽，也往往是物体最能反射周围环境色彩的地方。处理好高光，能够让物体瞬间“亮”起来。 暗部的层次： 暗部并非一片死黑，而是充满着微妙的色彩变化。反光、环境色、甚至暗部本身的色彩倾向，都会影响暗部的表现。一个富有层次的暗部，能够极大地提升画面的深度和真实感。 边缘线的微妙变化： 边缘线并非总是清晰可见。在强光下，边缘线可能非常锐利；在模糊的光线或转折处，边缘线则会变得柔和。观察并处理好边缘线的虚实变化，是让画面更显生动的重要环节。 笔触的精炼运用： 在细节描绘中，笔触的选择需要更加精炼。厚涂的笔触能够表现粗犷的质感，而细腻的笔触则能刻画光滑的表面。笔触的运用，最终要服务于整体的色彩和形体表达。 通过对结构关系与色彩关系的深度理解与统一运用，我们能够创造出既有扎实造型基础，又充满生命力和情感的油画静物作品。这是一种从“看”到“感受”，再到“表达”的完整艺术过程。 第四章：物我对话——情感的注入与意境的营造 绘画不仅仅是技艺的展示，更是艺术家与创作对象之间的一场深刻对话。在《精微画室》的创作实践中，我始终坚信，一幅真正动人的静物画，必然蕴含着艺术家真挚的情感，并能够营造出独特的艺术意境，引发观者的共鸣。 4.1 选材的哲学：为何选择它们？ 在我选择描绘的静物对象时，往往并非随机。我倾向于选择那些具有故事性、或者能够唤起我某种情感联想的物品。 物体的“性格”： 每一个物体都有其独特的“性格”。古朴的陶罐，可能承载着岁月的痕迹，传递着沉静与厚重；晶莹的玻璃杯，可能映射着生活中的点滴光彩，带来轻盈与精致；成熟的水果，则象征着丰盈与生命力。 物体的组合： 当我们将不同的物体组合在一起时，它们之间会产生新的关系和意义。它们是偶然相遇，还是精心布置？它们之间是和谐共存，还是存在某种张力？这种组合的“叙事性”，是构成画面意境的重要因素。 情感的链接： 有时，一个物件可能勾起我一段美好的回忆，或是一种淡淡的忧伤。在创作过程中，我会将这种情感 subtly 地融入到对物体的描绘中，让观者也能感受到这份情感的传递。 4.2 光影的情感语言：情绪的调色板 光影不仅是塑造形体和空间的工具，更是表达情感的有力媒介。 温暖的光线： 温暖的光线，如午后的阳光，往往能带来舒适、宁静、怀旧的情感。在这种光线下，物体会显得更加柔和，色彩也会偏向暖色调。 冷峻的光线： 阴天或室内柔和的光线，可能显得更加冷静、内敛。这种光线下，物体的色彩可能会偏向冷色调，明暗对比也会相对柔和。 戏剧性的光线： 强烈的、戏剧性的光线，如舞台灯光，能够营造出强烈的对比和张力，赋予画面一种神秘或紧张的情绪。 光影的虚实： 光影的模糊与清晰，也能够影响画面的情绪。虚化的背景或柔和的阴影，能够增强画面的意境感；而清晰锐利的轮廓和阴影，则能带来更强的写实感。 4.3 色彩的情感共鸣：心灵的触动 色彩是直接触动人心的语言。艺术家通过对色彩的巧妙运用，能够引发观者内心深处的情感共鸣。 色彩的象征意义： 红色常常与热情、活力、爱联系在一起；蓝色则可能代表着忧郁、宁静或广阔；绿色象征着生命、希望。这些象征意义，虽然不是绘画的全部，但可以在不经意间影响观者的感受。 色彩的对比与和谐： 强烈的色彩对比，如红与绿，黄与紫，能够产生视觉上的冲击力，激起观者的活力；而邻近色或同类色的和谐搭配，则能带来平静、舒适的感受。 色彩的饱和度与明度： 高饱和度的色彩能够带来强烈的情感冲击，而低饱和度的色彩则显得更为内敛和含蓄。高明度的色彩带来明快、愉悦的感觉，低明度的色彩则可能显得深沉、神秘。 整体色彩倾向的情感烘托： 画面整体的冷暖色调，能够直接影响观者感知到的情绪。温暖的色调营造出温馨、亲切的氛围，而冷峻的色调则可能带来一种疏离或庄重的感觉。 4.4 意境的升华：从“像”到“意” 当技法与情感交织，一幅画便不再仅仅是物体的肖像，而是艺术家内心世界的投射，是一种独特的“意境”。 留白与想象的空间： 并非所有的细节都需要画得面面俱到。适当的留白，能够给观者留下想象的空间，让他们参与到画面的“创作”中来。 氛围的营造： 通过光影、色彩、笔触的综合运用，我们可以营造出一种独特的画面氛围，例如宁静的午后、神秘的黄昏、或是热闹的集市。 哲思的传递： 好的静物画，往往能够引发观者对生命、时间、美的思考。它可能让我们反思物体的短暂，或是感叹生命的美好。 《精微画室：油画静物创作实录》所呈现的，不仅仅是绘画的技巧，更是我多年来在艺术道路上对生活的热爱、对美的感悟以及对内心世界的探索。我希望通过这本书，能够与各位热爱绘画的朋友们，共同体会那份从物象到心象，从形体到精神的升华过程。愿这份精微的记录，能点燃你心中对艺术创作的热情，指引你在属于自己的艺术画布上，挥洒出属于你的独特光彩。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余绘画爱好者，一直以来都对素描静物情有独钟，但总感觉自己的作品缺少灵魂，缺乏生动感。在朋友的推荐下，我入手了这本书，没想到给我带来了巨大的惊喜。我一直认为素描就是把东西画得像，但这本书让我明白，素描的更高境界是表现物体的生命力和精神气质。作者对“结构”的讲解非常到位，让我明白了原来一个简单的苹果、一个水杯，其内部的生长逻辑和外在形态是如此的紧密相连。而“大关系”的阐述，更是让我茅塞顿开，原来画面中物体之间的虚实、轻重、疏密关系，才是决定画面是否具有吸引力的关键。书中的案例分析非常详尽，图片清晰，步骤讲解也非常细致，让我能够跟随着作者的思路一步步去理解和实践。我尝试着按照书中的方法去练习，发现自己的画不仅在形体上更加准确，在光影的层次和空间的表现上也有了显著的提升。这本书让我看到了素描艺术的深度和魅力，也激发了我继续探索和学习的动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容给我一种耳目一新的感觉，特别是它将“陈平素描”的精髓融入到基础教学中，这是一种非常创新的尝试。我过去也接触过一些素描教材，但往往流于表面，缺乏对绘画内在逻辑的深入挖掘。这本书从“结构”这一核心要素出发，层层递进，引导读者去理解物体的构成原理，这对于打下坚实的造型基础至关重要。而“从结构到大关系”的这个过渡，也恰恰是许多学习者容易忽视的关键环节。书中的“解构经典”部分，更是将理论知识与实践案例相结合，通过对大师作品的精妙解读，让读者能够直观地感受到“大关系”在画面中所起到的决定性作用。这种教学方式，不仅能够让读者掌握绘画技巧，更能培养他们对艺术的鉴赏能力。这本书的语言表达也非常清晰易懂，即使是初学者也能轻松理解。总而言之，这本书为我提供了一个全新的学习视角，也让我对素描艺术有了更深刻的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的是我学习素描过程中的一盏明灯！我一直在寻找一本能够真正从基础入手，系统讲解素描静物结构的书，市面上很多教程要么过于浅显，要么过于晦涩，让人望而却步。然而，这本书完全颠覆了我的认知。它不仅仅是教你画出物体的外形，更是深入浅出地剖析了物体内部的结构，从最基本的几何形体入手，逐步讲解如何观察、理解和表现物体的体积感、空间感和质感。作者对经典的理解非常透彻，能够将那些看似复杂的经典作品分解成易于理解的步骤，让我不再对大师的画作感到遥不可及。书中的讲解非常详细，每一个笔触，每一个明暗关系的处理都娓娓道来，让我感觉像是跟一位经验丰富的老师面对面交流。我尤其喜欢它关于“大关系”的讲解，这部分内容真的让我醍醐灌顶，让我明白了素描不仅仅是局部细节的描绘，更重要的是整体的把握和协调。读完这本书，我感觉自己对素描的理解上升到了一个新的高度，画画也变得更加自信和有条理了。

评分☆☆☆☆☆

作为一名多年从事美术教育的老师，我一直致力于为我的学生寻找优质的教学资源。这本书的出现，无疑为我提供了一个极佳的辅助教学工具。我最看重的是它能够引导学生建立正确的观察方法和造型意识。书中的“解构经典”部分，通过对不同时期、不同风格的经典静物作品进行深入剖析，让学生能够学习到大师们的造型语言和表现技巧，同时也能培养他们独立思考和分析的能力。这不仅仅是简单的模仿，而是通过理解和消化，将经典融入自己的绘画体系。书中对“从结构到大关系”的循序渐进的讲解，也符合了学生从具象到抽象、从局部到整体的学习规律。我尤其欣赏的是，作者在讲解过程中，并没有回避绘画中可能遇到的难点，而是用一种鼓励和启发的方式，引导学生去克服。这种教学理念非常宝贵，能够帮助学生建立起学习的信心和克服困难的勇气。这本书的出版，对于提高学生的素描基础和审美能力，具有非常重要的意义。

评分☆☆☆☆☆

自从我接触到这本书，我的绘画思路仿佛被打开了新的维度。我一直觉得素描就是对物体进行刻板的复制，但这本书却告诉我，素描的本质在于对物体内在逻辑的理解和表达。书中对“结构”的讲解，不是简单的几何形体的堆砌，而是对物体生成规律的深入剖析，让我开始真正思考物体为什么会呈现出这样的形态。而“大关系”的理论，更是让我明白了画面整体的协调性和节奏感的重要性。我印象最深刻的是，作者在讲解过程中，反复强调要用“结构”去理解“形”，用“大关系”去统领“细节”。这种由内而外的绘画逻辑，让我受益匪浅。书中的许多案例都极具启发性，让我能够清晰地看到作者是如何将复杂的物体拆解、分析，并最终重构成一幅具有生命力的画面。这本书不仅仅是一本绘画教程，更是一本关于如何观察世界、如何理解艺术的哲学读物。我强烈推荐给所有对素描感兴趣的朋友们。