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出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787558605925

商品编码：28362460900

包装：平装-胶订

开本：16

出版时间：2018-01-01

商品参数

路米斯经典美术课：头手素描
	定价	65.00
	出版社	上海人民美术出版社
	版次	1
	出版时间	2018年01月
	开本	16开
	作者	[美]安德鲁·路米斯 著
	装帧	平装-胶订
	页数
	字数
	ISBN编码	9787558605925
	重量	657

内容介绍
    笔下的面孔总是五官不协调？ 人物的表情木讷无神、没有生机？ 画了几百张脸，全都没有特征、千人一面？ …… 路米斯wan全理解你的这些困扰与需求—— 肖像素描的关键是构建准确的头型，新手总是先勾勒出脸的外轮廓，接着画上眼耳口鼻。这种画法只包含了高和宽两个维度，我们必须进入第三个维度，创造出纵深感。 在本书中，他将清晰易懂地引导你学会头手素描的诀窍： 根据男女老少各类型人群的头颅形状，构建不同头像的基本造型框架； 根据骨骼的形状，描绘特征各异的五官； 根据肌肉的细微变化，刻画喜怒哀乐等面部表情； 以及te别篇，手的多种形态动作的画法。 快跟上大师的课程，练出透视准确、栩栩如生的人物肖像！

目录

致读者 11

 

第壹章：男性头像 19

图1. 基本造型为两侧略扁的球形 21

图2. 重要的十字交叉 22

图3. 眉心十字和面部中线确定了头的姿势 25

图4. 确定面部中线 26

图5. 简化的头骨结构 27

图6. 表面构型中的骨骼部分 28

图7. 基于脖颈的头部运动 29

图8. 头部构型的块状拼接法 30

 

头部的立体面 31

图9. 头部的基本平面和次级平面 33

图10. 头的旋转 34

图11. 头像的透视效果 35

图12. 调整空间划分，塑造人物类型 36

图13. 始终以面部中线为基准 37

图14. 随心所欲塑造人物 38

图15. 丰富的类型效果，从调整球形头部和脸平面开始 39

图16. 刻画人物性格 40

 

节奏 41

图17. 头部的节奏线 42

 

头部的标准比例 43

图18. 男性头部的比例结构 43

图19. 依照比例单位，描绘头像 44

 

头部和脸部肌肉 45

图20. 头部的解剖学结构 46

图21. 肌肉的工作原理 47

图22. 从各个角度观察头部肌肉 48

为什么头像素描需要解剖学知识 49

图23. 嘴的运动原理 50

图24. 眼睛的工作原理 53

图25. 嘴唇的动态效果 54

图26. 鼻和耳的构造 55

图27. 表情—大笑 56

图28. 各类表情举例 57

图29. 通过表情塑造人物 58

图30. 面部纹理解析 59

图31. 描绘各个年龄段的人脸 60

 

色调 61

图32. 塑造立体面 63

图33. 解剖学结构、框架构型和立体面的综合运用 64

图34. 在立体面上建立色调 65

图35. 每个头像都是一个单独课题 66

图36. 个性特征 67

图37. 微笑的男人 68

图38. 年长的男人 69

图39. 人物刻画 70

 

第2章：女性头像 75

图40. 女性头像的构型 77

图41. 构建各式头像的造型框架 78

图42. 较之男性，女性头部的骨骼和肌肉更不明显 79

图43. 基础式素描的魅力 80

图44. “块状立体感”也可用于女性头像的描绘 81

图45. 年轻女性头像（1） 82

图46. 年轻女性头像（2） 83

图47. 草图（1） 84

图48. 草图（2） 85

图49. 祖母们 86

图50. 变老的过程 87

 

第三章：婴幼儿头像 91

图51. 婴儿头部比例——1周岁 92

图52. 幼儿头部比例——2到3周岁 93

图53. 婴幼儿头部构型 94

图54. 婴幼儿素描草图 95

图55. 婴幼儿头部研究（1） 96

图56. 婴幼儿头部研究（2） 97

图57. 婴幼儿头部研究（3） 98

图58. 婴幼儿面部的四分法——3到4周岁 99

 

第四章：青少年头像 103

一、学龄前儿童 103

图59. 小男孩的头部比例 104

图60. 小女孩的头部比例 105

图61. 小男孩的头部构型106

图62. 小女孩的头部构型 107

图63. 小男孩的头部研究（1） 108

图64. 小女孩的头部研究（1） 109

图65. 小男孩的头部研究（2） 110

图66. 小女孩的头部研究（2） 111

 

二、学龄期儿童 115

图67. 学龄期男孩的头部比例 116

图68. 学龄期女孩的头部比例 117

图69. 四分法——学龄期男孩 118

图70. 四分法——学龄期女孩 119

图71. 学龄期男孩素描草图 120

图72. 学龄期女孩素描草图 121

 

三、青春期的孩子 125

图73. 青春期男孩的头部比例 126

图74. 青春期女孩的头部比例 127

图75. 青春期男孩 128

图76. 青春期女孩 129

 

第五章：手的素描 133

图77. 手的解剖学结构 135

图78. 手的块状造型 136

图79. 手的比例 137

图80. 手的构型 138

图81. 手掌凹窝 139

图82. 手的素描中的透视效果 140

图83. 手的运动 141

图84. 指关节 142

图85. 画一画自己的手 143

图86. 女性的手 144

图87. 十指尖尖 145

图88. 手的素描须多加练习 146

图89. 婴幼儿的手 147

图90. 关于婴幼儿的手的研究 148

图91. 儿童的手 149

图92. 比例关系始终不变 150

图93. 手的老化 151

 

后记 153

《光影炼金术：从人体奥秘到画面灵魂》 翻开这本书，你将踏上一段探索视觉艺术无限可能的神奇旅程。它不是一本简单堆砌技法的速成手册，而是一扇通往理解与创造的大门，旨在唤醒你内心深处对美的感知，并赋予你将之付诸笔端的强大能力。我们相信，真正的艺术不仅仅是模仿，更是对生命本质的深刻洞察，是对情感世界的细腻捕捉。 本书的起点，我们将一同潜入人体这一宇宙中最迷人的造物。人体，是自然界最完美的比例与结构，是力量与柔美的和谐统一。我们将从最基础的骨骼结构入手，理解每一块骨骼的形态、连接方式及其对外部形态的影响。你将学会如何用简洁的线条勾勒出躯干的动态与体积感，如何准确把握四肢的比例与关节的转折。这不仅仅是关于“画出一个人”，更是关于“理解一个人”的立体存在。我们将探讨肌肉的起伏与走向，它们如何随着动作而变化，如何在皮肤表面投下微妙的光影，如何赋予身体以生命力。从站立的庄严，到奔跑的迅捷，再到沉思的静谧，每一个姿态都蕴含着丰富的故事，而你将学会用画笔将其娓娓道来。 接着，我们将目光聚焦在人体最富表现力的部分——头部的素描。头部的刻画，是人物素描的灵魂所在。我们将从解剖学的角度出发，深入研究头骨的结构，了解额骨、顶骨、枕骨、颞骨、蝶骨、筛骨等如何构成坚实的颅腔，以及它们如何影响面部的整体轮廓。随后，我们将精细地分析脸部各个器官的比例与位置关系：眼睛是心灵的窗户，我们将学习如何捕捉它们的光泽、深邃与微妙的情感；鼻子是面部的焦点，我们将理解鼻梁、鼻翼、鼻尖的立体变化；嘴唇是表达情感的唇语，我们将探究它们丰富的形态与动态；耳朵，常常被忽视，却也是面部美感的点睛之笔，我们将学习其精巧的结构。你将掌握如何在二维的纸面上，通过光影的叠加，塑造出逼真立体的面部轮廓，赋予人物鲜活的生命感。我们将学习如何处理头发的体积与质感，如何捕捉毛发的蓬松、垂坠或飞扬，以及它们如何在光线下呈现出不同的光泽与层次。 光影，是赋予物体生命与体积的魔术师。本书将带领你走进光影的世界，学习如何观察和分析光源的方向、强度以及它在物体表面产生的明暗变化。我们将从最简单的几何体开始，理解不同受光面、背光面、投影和反光的原理。随后，我们将把这些原理应用到人体和头部素描中，学习如何用细腻的笔触，通过明暗的过渡，塑造出皮肤的细腻质感，骨骼的坚实感，以及肌肉的弹性。你会惊叹于光影如何在无形中勾勒出人物的轮廓，强化其体积感，并最终赋予画面以深度和立体感。我们将探讨不同光源（如顶光、侧光、逆光）对人物造型的影响，以及如何运用这些变化来营造特定的氛围和情绪。 除了对人体结构的深入剖析，本书更注重培养你的观察力和表现力。我们将引导你走出照本宣科的泥沼，学会用自己的眼睛去“看”，去感受。从静态的写生到动态的速写，你将学习如何在短暂的时间内捕捉事物的本质特征和瞬间的韵律。速写，是画家思考和记录的翅膀，它不仅仅是为了“画得快”，更是为了“看得准”和“抓得住”。我们将分享一系列行之有效的速写方法和技巧，帮助你提高观察的速度和精准度，让你在面对复杂对象时，能够迅速抓住其关键结构和动势，并用富有生命力的线条将其记录下来。从人群的流动到动物的奔跑，从风景的瞬息万变到静物的微妙变化，你都将找到属于自己的捕捉之道。 本书将带你领略素描的无限可能。它不仅仅是黑白灰的交响曲，更是情感和思想的载体。我们将深入探讨如何通过线条的粗细、虚实、疏密，以及明暗的对比、过渡，来表达不同的情绪和意境。一个坚毅的眼神，可以通过锐利的线条和强烈的明暗对比来表现；一个忧伤的表情，则可能需要柔和的线条和含蓄的光影来传达。你将学会用素描这门古老而充满活力的语言，与你的画作对话，与观者交流。 此外，本书还将为你打开另一扇艺术之门——对人体绘画的经典传承与创新。我们将为你梳理艺术史上那些伟大的绘画大师们在人体素描和绘画方面的经典之作，学习他们的构图方式、造型技巧以及他们如何将解剖学知识巧妙地融入到艺术创作中。通过对这些经典作品的深入剖析，你不仅能汲取前人的智慧，更能激发你自身的创作灵感。我们将鼓励你在掌握基本功的同时，不断尝试和探索属于你自己的艺术风格，将经典的精神与现代的审美相结合，创造出独具时代特色的艺术作品。 本书的设计，也力求为你的学习之路提供最大的便利。丰富的图例、清晰的步骤分解，以及循序渐进的讲解，都将帮助你更轻松地掌握复杂的绘画知识。我们希望这本书不仅仅是一本工具书，更是一位循循善诱的良师益友，在你绘画的道路上，给予你持续的启发和鼓励。 无论你是初次拿起画笔的艺术爱好者，还是希望精进技艺的进阶画家，亦或是对人体结构与美学充满好奇的探索者，本书都将是你不容错过的宝藏。它将帮助你打破技术上的瓶颈，升华艺术的认知，最终让你拥有用画笔描绘出内心世界的非凡能力。让我们一起，在光影的炼金术中，点燃你对艺术永不熄灭的热情，创造出属于你的视觉传奇。

评分☆☆☆☆☆

作为一个热爱绘画多年的业余爱好者，我一直对人体结构有着浓厚的兴趣。市面上关于人体绘画的书籍不在少数，但真正能让我感到醍醐灌顶、茅塞顿开的却寥寥无几。最近我淘到了一本关于人体绘画的书籍，虽然它的标题听起来似乎很全面，但我对其中的内容还是抱有一些期待。 这本书的开篇并没有直接切入人体解剖的复杂性，而是从一个更宏观的角度，探讨了绘画的基础。它强调了观察的重要性，以及如何通过对光影、体积和形态的理解来构建画面。我特别喜欢其中关于“建立空间感”的章节，作者用了一些非常生动的例子，讲解了如何通过透视、形体的大小关系以及背景的虚实处理来营造出画面的纵深感。这对我之前绘画中常常出现的“画面扁平”的问题，有了很大的启发。 接着，这本书并没有急于讲解具体的肌肉和骨骼结构，而是花了相当大的篇幅来讲解如何捕捉人物的动态。作者认为，人体绘画的灵魂在于其生命力，而生命力很大程度上体现在人物的姿态和动作上。他详细介绍了如何通过“势”来概括身体的重心和主要的运动方向，并提供了大量的不同姿态的人物速写范例。这些范例，虽然只是寥寥几笔，却精准地抓住了人物的动态特点，让人感受到一股勃勃生机。 在对动态有了初步的理解之后，作者才开始逐步深入到人体比例和基本骨骼结构的讲解。他并没有一味地罗列复杂的解剖名词，而是用非常易懂的方式，将人体简化为几个基本的几何形体，并讲解了它们之间的比例关系。例如，关于头部和身体的比例，他提供了一个简单易记的“模块”概念，让我一下子就理解了不同体型的人物构成。 最后，这本书的讲解进入到了更细致的肌肉和骨骼的刻画。作者特别强调，我们不应该死记硬背每一块肌肉的名称和形状，而是要理解它们是如何连接、如何影响体表形态的。他通过大量的结构图和写实照片对比，展示了肌肉的起伏变化如何塑造出人体的轮廓和体积感。这让我明白了，解剖学知识是为了更好地服务于绘画表现，而不是成为绘画的束缚。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在美术高考路上摸索多年的学生，我深知基础功的重要性。无数次在临摹和写生中感到力不从心，总觉得哪里不对劲，却又说不出来。最近，我接触到了一本看起来非常“硬核”的美术书籍，它似乎承诺能够解决我一直以来面临的瓶颈。 这本书的开篇并没有直接进入人体骨骼肌肉的讲解，而是花了大量篇幅来探讨“观察力”的培养。作者认为，很多时候我们画不好，不是因为手不够巧，而是因为眼睛没有真正“看到”。他提供了一系列非常有针对性的练习，比如让我在短时间内快速捕捉物体的轮廓、形体特征，以及光影的变化。这些练习让我开始学会用一种全新的视角去看待世界，不再是模糊的印象，而是清晰的结构和关系。 随后，这本书将重点放在了“形体语言”的塑造上。它并没有直接教授复杂的解剖学，而是通过将人体分解为最基础的几何体，如球体、立方体、圆柱体等，来讲解如何构建人体的基本形态。我发现，通过这种方式，我可以更轻松地理解人体的体积感和空间关系，即使是复杂的姿势，也能够通过这些基本形体的组合来推演出大概的轮廓。 更让我感到受益匪浅的是，书中关于“动态表现”的讲解。作者认为，人体绘画的灵魂在于其动态。他通过大量的速写范例，展示了如何用简洁有力的线条，捕捉人物的瞬间动作和身体的重心转移。我学会了如何通过“画势”来概括身体的整体运动趋势，而不是拘泥于局部的细节。这让我的人体速写突然间变得生动起来。 当我对基本形体和动态有了一定的理解后，书中才开始逐步深入到更具体的“骨骼和肌肉”的讲解。但它并不是枯燥的解剖学知识的堆砌，而是将骨骼和肌肉的结构与体表形态的变化紧密地联系起来。我开始明白，每一个肌肉的起伏，都是由其下方的骨骼结构和运动功能所决定的。 最后，这本书还提供了一些关于“比例和透视”的讲解，但它并不是脱离实际的理论，而是结合了人体的实际比例和常见的透视角度来讲解。我通过这些讲解，能够更准确地把握人物在不同视角下的变形，让我的绘画作品看起来更加真实和有空间感。

评分☆☆☆☆☆

作为一个热爱绘画，但一直停留在“形似”阶段的爱好者，我常常感到瓶颈。我能把东西画得像，但总觉得缺乏灵魂和生命力。最近，我翻阅了一本看起来非常有分量的绘画教材，它似乎在试图填补我知识上的空白。 这本书并没有一开始就灌输复杂的绘画技巧，而是从“观察”的本质出发，探讨了我们如何才能真正地“看”。作者强调，我们看到的不仅仅是表面的形状，更是物体内部的结构和运动规律。他设计了一系列颇具挑战性的练习，要求我们去感受物体的体积、重量以及它们在空间中的相互关系。这让我开始反思自己之前的观察方式，发现自己常常只是“扫过”物体，而没有深入地去“读懂”它。 接着，这本书深入探讨了“形态语言”的表达。它并没有直接教授我们如何描绘复杂的解剖结构，而是通过将人体简化为更基本、更抽象的几何形体，来讲解如何构建人体的基本骨架和体积。我发现，通过这种方法，我可以更有效地理解人体的三维空间感，即使是面对复杂的姿势，也能找到其内在的结构逻辑。 更令我着迷的是，书中关于“动感与韵律”的章节。作者认为，人体绘画的精髓在于其动态的生命力。他通过大量的生动案例，展示了如何用简洁而富有表现力的线条，去捕捉人物的瞬间动作和身体的张力。我开始学会如何去“画出”运动的感觉，而不是仅仅“画出”一个静止的姿势。 在建立起对基本形体和动态的理解之后，书中才逐步引导我深入到“骨骼与肌肉”的学习。但它的讲解方式非常巧妙，并非死记硬背，而是将骨骼和肌肉的结构与它们对体表形态的影响紧密地联系起来。我开始明白，我们看到的肌肉线条，是如何由其下方的骨骼支撑和运动功能所决定的。 最后，这本书还用一种非常实用的方式，讲解了“人体比例与透视”的应用。它并没有孤立地讲解理论，而是将这些理论与实际的人体绘画相结合，让我能够更准确地把握人物在不同角度下的比例变化，并有效地营造出画面的空间感。

评分☆☆☆☆☆

我是一名在艺术道路上不断探索的业余画家，一直以来，我都很注重打好绘画的基础，尤其是人体结构的把握。市面上关于人体绘画的书籍很多，但真正能让我感到眼前一亮的却不常有。最近，我购入了一本号称“经典”的绘画教程，希望能从中获得新的启发。 这本书的开篇并没有直接切入人体解剖的细节，而是从一个更宏观的角度，强调了“观察”在绘画中的核心地位。作者用一系列引人入胜的论述，阐述了如何通过深入的观察来理解事物的本质。他设计了一些非常实用的练习，让我学会如何去“看见”物体的体积、空间以及它们之间的相互关系。这对我之前绘画中常常出现的“平面化”问题，有了很大的改善。 随后，本书深入探讨了“形体的构建”这一关键环节。作者并没有直接教授复杂的解剖学知识，而是用一种非常直观的方式，将人体分解为更基本、更易于理解的几何形体。我发现，通过这种方法，我能够更有效地理解人体的三维结构，并能更准确地把握不同姿势下的身体形态。 更让我惊喜的是，书中关于“人体动态”的讲解。作者认为，人体绘画的灵魂在于其生命力，而生命力很大程度上体现在人物的姿态和动作上。他通过大量的示范图例，展示了如何用简洁而富有表现力的线条，去捕捉人物的瞬间动态和身体的重心转移。这让我的人体速写突然间变得生动起来，充满了动感。 在建立了对基本形体和动态的初步认知后，书中才开始逐步深入到“骨骼与肌肉”的讲解。但它的讲解方式非常巧妙，并没有进行枯燥的解剖学名词堆砌，而是将骨骼和肌肉的结构与体表形态的变化紧密地联系起来。我开始明白，每一个肌肉的起伏，都是由其下方的骨骼结构和运动功能所决定的。 最后，本书还用一种非常实用的方式，讲解了“人体比例与透视”的应用。它并没有孤立地讲解理论，而是将这些理论与实际的人体绘画相结合，让我能够更准确地把握人物在不同角度下的比例变化，并有效地营造出画面的空间感。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对艺术绘画充满热情的初学者，我一直渴望找到一本能够系统地引导我入门的书籍。市面上充斥着各种各样的绘画教程，有的过于理论化，有的又过于浅薄，很难找到一本真正适合我的。最近我看到了一本号称“经典”的绘画教材，抱着试试看的心态，我对其进行了深入的了解。 这本书并没有一开始就教我如何画眼睛、鼻子、嘴巴这些细节，而是从更基础的“观察”和“表达”入手。作者强调，绘画不仅仅是模仿，更是对事物内在的理解和外在的呈现。他通过一些引人入胜的例子，阐述了如何用线条来表达物体的质感、重量和空间感。我特别欣赏其中关于“形体概括”的论述，作者教我如何用最简洁的线条勾勒出物体的本质形态，这让我感觉自己能够更快速地捕捉到事物的特点。 接着，这本书开始引导我理解“绘画的语言”。它并没有直接教授我各种绘画技巧，而是让我思考，在画面中，我们应该用什么样的“词汇”来传达信息。例如，关于“构图”，作者用生动形象的比喻，让我理解了不同的构图方式如何影响画面的情绪和叙事性。我学会了如何利用画面中的引导线、视觉中心以及留白来引导观众的视线，创造出富有张力和故事性的画面。 更让我感到惊喜的是，这本书并没有回避“透视”这个看似枯燥的理论知识。作者用一种非常直观的方式，将复杂的透视原理变得易于理解。他通过绘制简单的立方体和生活中的常见物品，一步步地展示了透视是如何作用于我们所看到的物体，并如何影响我们对空间感的感知。这让我克服了对透视的恐惧，并且能够主动地运用透视来表现画面的立体感。 最后，这本书还探讨了“色彩”在绘画中的作用。它并没有局限于简单的色彩搭配，而是深入讲解了色彩的情感表达和象征意义。作者通过分析不同艺术家如何运用色彩来营造氛围和传达情感，让我对色彩有了更深刻的认识。我开始明白，色彩不仅仅是颜料的混合，更是情感的载体。