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[美] 加西亚 著

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店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 中信出版社

ISBN：9787508635514

商品编码：29624450670

包装：软精装

出版时间：2012-11-01

基本信息

书名：我的100件时尚单品

定价：48.00元

作者：(美)加西亚

出版社：中信出版社

出版日期：2012-11-01

ISBN：9787508635514

字数：

页码：

版次：2

装帧：软精装

开本：

商品重量：0.663kg

编辑推荐

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一本仅为真正讲究风格的女人所成呈现的理想藏书
全球每100名时尚女性，就有1人在读这本书
百幅迷人手绘插图，*值得收藏的视觉系时尚美书
美国时尚界重量级人物尼娜加西亚，与都市女性分享百种单品，经典搭配的私家心得。
2010年，《我的100件时尚单品》刚一上市，便风靡全国，尤其受到都市女性的特别青睐，成为人手一本、放在化妆台前随时翻阅的实用好书，被各大媒体评为年度*有影响力的精品时尚书。在读者们的强烈呼声下，《我的100件时尚单品》推出典藏版，制作更精美，风格更个性化，更具收藏价值。

内容提要

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在《我的100件时尚单品》中，作者运用自己成熟的时尚智慧和坚定的时尚哲学，回答了一个她常被问到的问题：哪些才是时尚界经久不衰的实用型单品？
《我的100件时尚单品》对这个问题进行了详尽的解答。不仅如此，作者甚至不厌其烦地绘制了一张囊括了全球风尚品牌及潮流店铺的购物地图，方便爱美女性安排购物旅行，或者是整理她们也许还不够的衣橱装备。
作者在《我的100件时尚单品》中一一历数了她认为历经时尚风云变换仍旧充满魅力的100件时尚单品，值得每一位希望打造自己气质的女性细心品读。值得一提的是，全球时尚插画家鲁本托莱多为《我的100件时尚单品》绘制了多达几百幅迷人的手绘插图。

目录

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作者介绍

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尼娜·加西亚（Nina Gacia），美版《MarieClaire》杂志的时装总监，曾任美国版《Elle》时装杂志的时装总监，在美国国家广播公司（NBC）旗下Bravo电视台热播真人秀节目《天桥骄子》中担任评委。尼娜加西亚对时装一语中的、鞭辟入里的点评令她名扬四方。

文摘

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序言

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好的，以下是为您的图书《我的100件时尚单品》量身定制的、不包含该书内容的、详细的图书简介： --- 《都市的呼吸：现代建筑的灵魂与形式》 一本深入探索二十世纪至今城市空间肌理、结构美学与人文哲思的建筑史诗。 导言：凝固的音乐与流动的哲学 在我们习以为常的城市森林中，每一栋建筑都不仅仅是钢筋、混凝土与玻璃的堆砌。它们是特定时代精神的物化，是社会结构、经济力量乃至个体情感碰撞出的结晶。本书并非一本枯燥的建筑技术手册，而是一场穿越时空的深度对话——关于人类如何将对“理想家园”的渴望，转化为可以触摸、可以栖居的实体空间。 我们聚焦于那些定义了我们生活方式、重塑了我们对“美”的理解的建筑运动、关键人物及其标志性作品。从包豪斯的极简理性，到高迪的有机浪漫；从勒·柯布西耶对垂直城市的构想，到密斯·凡德罗对“少即是多”的虔诚奉行，我们试图解构隐藏在宏伟立面背后的设计哲学与社会语境。 第一部：现代性的黎明与重塑（1900-1945） 本部分追溯了现代建筑思潮的源头，探讨工业革命如何彻底颠覆了传统的建筑语言。 第一章：功能至上与理性主义的崛起 我们将详细剖析阿道夫·鲁斯（Adolf Loos）对“装饰与罪恶”的批判，以及维也纳分离派如何为功能主义铺平道路。重点探讨奥托·瓦格纳（Otto Wagner）在维也纳的城市规划实践，以及他如何将公共交通系统与现代建筑形态相结合。 第二章：包豪斯的乌托邦实验 包豪斯不仅仅是一所学校，它是一种跨学科的文化运动。本章深入分析格罗皮乌斯（Walter Gropius）如何整合艺术、手工艺与工业生产。我们细致考察魏玛、德绍和柏林三阶段的历史演变，特别是巴斯维（Mies van der Rohe）在最后阶段对纯粹形式的探索。我们还将对比德绍包豪斯校舍的设计语言，分析其如何体现了“形式服从功能”的宣言。 第三章：勒·柯布西耶的“新建筑五点” 这位法国-瑞士建筑大师的理论对后世影响深远。本章不仅展示萨伏伊别墅（Villa Savoye）如何完美践行了“自由平面”、“自由立面”、“底层架空”等原则，更探讨了他在《走向新建筑》中对汽车时代城市规划的激进设想，及其在失败的阿尔及尔规划中留下的深刻教训。 第四章：结构表现主义与地域的对话 并非所有现代主义者都拥抱国际风格。本章关注那些将结构本身作为美学表达的建筑师，如埃里克·门德尔松（Erich Mendelsohn）的爱因斯坦塔，展示了早期混凝土和钢结构在表达张力与动态上的潜力。同时，我们也审视了地域主义的早期萌芽，如日本的清家清（Kiyoshi Seike）如何将现代材料融入传统日式居住概念中。 第二部：战后重建与多元格局（1945-1980） 第二次世界大战后，全球面临着巨大的重建需求，建筑迎来了快速发展与深刻反思的时期。 第五章：粗野主义的宣言与争议 粗野主义（Brutalism）以其未经修饰的混凝土（Béton Brut）震撼了世界。本章深入分析了勒·柯布西耶晚期作品（如朗香教堂）对材质和光影的运用，并探讨了史密森夫妇（Alison and Peter Smithson）对“街景”（Street as a concept）的社会学解读。我们客观分析了粗野主义在公共住房项目中的理想与局限。 第六章：高技派（High-Tech）与结构的暴露美学 随着材料科学的发展，建筑开始“穿上”其机械骨架。本章详述了理查德·罗杰斯（Richard Rogers）和伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）在蓬皮杜中心项目中的大胆尝试——将所有的通风管道、电梯和钢结构移至建筑外部，使建筑成为了一个巨大的、可操作的机器。我们还将对比纽曼的汇丰银行总部，探讨结构透明性对企业形象的塑造。 第七章：后现代主义的回潮与挪用 对国际风格无休止重复的疲劳感催生了后现代主义。本章重点分析罗伯特·文丘里（Robert Venturi）的《建筑的复杂性与矛盾性》，解析他对装饰、符号和历史元素的重新引入，如拉斯维加斯的“装饰性盒子”。我们考察了菲利普·约翰逊（Philip Johnson）对古典语汇的戏仿，以及其对城市文脉的重新介入。 第三部：解构、地域性与数字未来（1980至今） 进入当代，建筑不再是单一的“主义”主导，而是呈现出高度碎片化、批判性与技术融合的特征。 第八章：解构主义的断裂与重组 本章探讨了解构主义如何挑战传统几何规则和空间稳定感。我们详细分析了弗兰克·盖里（Frank Gehry）的毕尔巴鄂古根海姆博物馆如何通过参数化设计软件，将冰冷的金属转化为流动的雕塑；同时也解析了扎哈·哈迪德（Zaha Hadid）对“无始无终”流线型空间的痴迷，以及她如何利用数字技术实现传统工艺难以企及的复杂曲面。 第九章：批判性地域主义与可持续的伦理 面对气候变化，建筑师开始重新关注地域的限制与潜力。本章聚焦于阿尔瓦罗·西扎（Álvaro Siza Vieira）如何在葡萄牙的海岸线上，以极简的白墙与光影，实现与自然环境的深层对话。我们还将探讨绿色建筑运动的兴起，分析哪些设计策略（如被动式设计、自然通风）真正融入了建筑的审美体系，而非仅仅是附加的技术层。 第十章：城市作为景观与混合使用的新范式 当代城市规划日益强调“场所精神”与垂直社区的构建。本章讨论了OMA（大都会建筑事务所）对空间体量进行切割、扭转和堆叠的策略，以及这种方式如何重新定义了摩天大楼的内部功能和外部形象。我们审视了如何通过建筑设计，促进不同社会阶层和功能（居住、商业、文化）在同一结构内的共生。 结语：未完成的结构 建筑的演进永无止境。本书的最终目的，是引导读者在下一次驻足于一座建筑前时，不再仅仅看到表面的风格，而是能够“阅读”到其背后的时代困境、技术突破和人性诉求。从理性主义的纯粹，到后现代的戏谑，再到当下的数字复杂性，这些建筑共同构成了我们现代文明的骨架。 本书面向所有对城市生活、设计史、空间哲学感兴趣的读者。 --- (预计总字数：约1500字)

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构布局安排得非常巧妙，完全没有按照季节或者品类来机械地划分，而是构建了一个围绕“生活场景”展开的叙事迷宫。你会在某一章节中，发现作者将一个旅行箱里的必需品与一场重要的商务会谈的着装要求无缝衔接起来，这种跨越式的叙事，极大地拓宽了我们对“时尚”应用边界的想象。我特别喜欢其中关于“配饰的沉默力量”那一章，他没有罗列那些昂贵的珠宝，而是深入探讨了皮带、眼镜、甚至是一枚签名钢笔在整体造型中起到的微妙平衡作用。作者的笔触非常细腻，他善于捕捉那种转瞬即逝的“氛围感”，比如清晨阳光穿过纱帘时，光线如何影响一件羊绒衫的颜色，这种对环境光影的关注，体现了作者极高的审美敏感度。全书读下来，我感觉自己不是在看一本指南，而是在参与一场关于“完美一天着装方案”的深度沉思。它教会我的，是如何在不同的时间点，让自己的外在形象与内在状态达成一种默契的和谐，非常具有操作性和启发性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是视觉的享受，封面那种低调的奢华感，一眼就能抓住眼球。我尤其欣赏它在排版上的用心，那种留白的处理，让每一页都显得呼吸顺畅，而不是那种密密麻麻让人喘不过气的文字堆砌。内页的纸张质感也非常好，即便是最简单的黑白照片，印出来也透着一种高级的灰调，完全符合我对“时尚”二字的期待。阅读过程中，作者的叙事方式非常流畅自然，仿佛是一位资深的时尚顾问正坐在你身边，用最亲密的口吻娓娓道来那些关于美与风格的哲学。他对于细节的捕捉能力令人叹为观止，比如对一件经典款风衣的剪裁线条的描述，那种精确到毫米的描述，简直让人能想象出面料拂过肌肤的触感。更难得的是，他没有陷入那种空洞的口号式赞美，而是将每件“单品”都赋予了历史的厚重感和穿着者的灵魂，让人在欣赏物品本身的同时，也能感受到一种跨越时间的审美传承。这本书的配图选择也极其考究，既有复古胶片感的街拍，也有清晰锐利的T台大片，这种混搭反而形成了一种独特的视觉节奏，让翻阅的过程本身就成了一种对时尚脉络的梳理和体验。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我原本以为这会是一本充斥着“必买清单”和“潮流预测”的平庸之作，毕竟市面上这类书籍实在太多了。然而，这本书的深度远远超出了我的预期。它真正探讨的是“风格的构建”，而不是“流行元素的堆砌”。作者似乎更热衷于挖掘那些经久不衰的经典款背后的文化基因和设计哲学。比如，他花了相当大的篇幅去解构一件白衬衫如何在不同历史时期被赋予不同的社会意义和穿着者心态，这比单纯教你如何搭配要深刻得多。阅读过程中，我多次停下来思考，原来我过去对某些基础款的理解是多么肤浅。他提出了一些非常颠覆性的观点，比如“真正的时尚是与自我对话的结果，而非外界目光的投射”，这种哲学层面的探讨，让这本书更像是一本关于“自我表达”的指南，而不仅仅是关于“穿衣打扮”。它鼓励读者去审视自己衣橱里那些沉默的物件，赋予它们新的生命和意义。文字的张力拿捏得恰到好处，既有学术研究般的严谨性，又不失对生活美学的热情，读完之后，我对“拥有”与“选择”的关系有了全新的认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是它对于“个人化印记”的强调。在如今这个批量生产、快速迭代的时代，作者却大力提倡从那些看似“不合时宜”的旧物、或是带有强烈个人印记的手工艺品中寻找风格的锚点。他用非常富有煽动性的语言，描述了那些被时间打磨过的物品所蕴含的独特故事性，如何比任何当季新品更能彰显穿着者的深度和品味。书中对于“衣橱管理”的探讨也别具一格，它没有推崇极简主义的“断舍离”，而是提倡一种基于“情感连接”的筛选机制，即保留那些能够唤起强烈回忆和自我认同的单品，即使它们在潮流上已经过时。这种对“情感价值”在时尚消费中的权重提升，让我感到非常温暖和被理解。它提供了一种抵抗消费主义喧嚣的有力武器——那就是忠于自我审美的勇气。这本书不只是关于“穿什么”，更是关于“成为谁”，它为那些渴望在追逐潮流中保持清醒和个性的人们，提供了一份极其宝贵的心灵指引。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的阅读体验，更像是在品鉴一场精心策划的艺术展，而非阅读一本教科书。作者的遣词造句极具画面感和节奏感，他似乎对每一个名词都有着近乎偏执的精准度要求。比如，他描述“午夜蓝”时，会联想到深海的某一特定深度，而不是简单地停留在颜色的表层。这种语言的雕琢，使得即便是描述最普通的日常穿着，也充满了文学性的美感。我注意到书中多次引用了文学作品和电影中的片段来佐证自己的观点，这种跨学科的引用，极大地丰富了内容的维度，让时尚不再是孤立的领域，而是与人类文化、历史变迁紧密交织的有机体。全书的论述逻辑性极强，从宏观的风格流变，到微观的材质触感，层层递进，滴水不漏。读罢掩卷，脑海中浮现的不是一堆需要立刻去添置的购物清单，而是一种更高阶的、关于“如何优雅地存在于世”的思考框架。这本书无疑是一部可以反复研读的“慢阅读”佳作，每次重温，都会有新的感悟。