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《新世纪青少年艺术素质培养丛书》编委会 著

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• 绘画教程
• 中国画
• 风景画
• 技法
• 初学者

店铺： 华文京典专营店

出版社： 世界图书出版公司

ISBN：9787510006777

商品编码：29594768270

包装：平装

出版时间：2009-08-01

基本信息

书名：实用山水画基础与入门

定价：23.80元

作者：《新世纪青少年艺术素质培养丛书》编委会

出版社：世界图书出版公司

出版日期：2009-08-01

ISBN：9787510006777

字数：

页码：182

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.422kg

编辑推荐

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内容提要

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山水画是以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但尚未从人物画中完全分离。隋唐时始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。传统上按画法风格分为青绿山水、金碧山水、水墨山水、浅绛山水、小青绿山水、没骨山水等。本书全面系统地介绍了山水画的基本知识。

目录

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章 中国山水画史话
第二章 绘画工具
第三章 笔墨技法
第四章 山石画法
第五章 林木画法
第六章 水云画法
第七章 山水画布局法
第八章 山水画训练与创作
第九章 名家及作品简介
第十章 名家书画欣赏
附录 山水画的装裱

作者介绍

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文摘

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序言

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好的，这里为您提供一份关于《现代抽象艺术理论与实践》的图书简介，内容力求详实、专业，避免任何可能暗示人工智能创作的痕迹，并严格控制在约1500字的篇幅内，且不提及您提供的原书名或任何与山水画相关的内容。 --- 《现代抽象艺术理论与实践》图书简介 第一章：现代主义的黎明——从具象到意象的哲学转向 本书深入剖析了十九世纪末至二十世纪初西方艺术领域发生的根本性变革——从对客观世界的精确摹写转向对内在情感、结构和纯粹视觉元素的探索。我们首先考察了印象派、后印象派对光影和色彩的革命性处理，如何为后来的抽象艺术埋下了伏笔。重点分析了塞尚对几何形体结构、梵高对主观情感色彩的强化，以及高迪对自然有机形态的抽象化提炼。 1.1 康定斯基的“精神之内在必然性” 本章核心聚焦于瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）的理论贡献。我们详细解读了《论艺术中的精神》一书中的核心概念，如“内在必然性”（Inner Necessity）和“精神的振动”（Spiritual Vibration）。通过对康定斯基早期油画，特别是《即兴》与《即兴》系列作品的细致分析，阐释了他如何试图通过色彩、线条和形状的非再现性组合，直接触动观者的灵魂，实现艺术的“纯粹性”。本部分将探讨音乐理论（如和声、对位）是如何被引入视觉艺术的结构构建中，形成了早期的色块交响乐。 1.2 立体主义的结构解构与多重视角 与康定斯基的内在转向相对，立体主义代表了对外部世界的彻底解构。本章详细梳理了毕加索和布拉克如何通过“分析立体主义”和“综合立体主义”对传统透视法进行颠覆。我们不仅分析了如何将三维物体分解为二维平面上的几何碎片，并以多个时间点、多个角度进行重构，更重要的是，探讨了这种解构如何迫使观众重新思考“观看”的本质。从拼贴（Collage）的引入开始，我们追踪了材料与形式的界限被模糊的过程，为后续的达达主义和极简主义提供了语言基础。 第二章：非物质化的探索——从几何抽象到自动性 二十世纪二十年代，抽象艺术不再是单一流派，而是形成了两条并行且相互影响的脉络：以精确数学逻辑为基础的几何抽象，以及诉诸潜意识的自动性创作。 2.1 至上主义与风格派：秩序的极致追求 本节集中探讨了俄国的至上主义（Suprematism）与荷兰的风格派（De Stijl）。马列维奇（Kazimir Malevich）的“黑方块”被视为艺术史上的一个断裂点——彻底的“零度形式”。我们分析了其哲学基础，即艺术应超越物质世界和个人情感，达到纯粹的、绝对的宇宙真理。 随后，对比分析了彼得·蒙德里安（Piet Mondrian）对风格派的贡献。蒙德里安通过严格限制使用水平线、垂直线以及红、黄、蓝三原色与黑、白、灰三非色，试图构建一种普世的、平衡的和谐秩序。我们探讨了蒙德里安晚期作品中，线条的厚度、色彩块的边缘处理如何体现出他对动态平衡的精微把握，这种秩序美学对后来的建筑设计和平面设计产生了深远影响。 2.2 超现实主义与自动性绘画 与前述的严谨逻辑相对，本章引入了无意识的领域。我们探讨了超现实主义者如何借用弗洛伊德的精神分析理论，采用“自动性书写”（Automatic Writing）的视觉对应物——自动性绘画。安德烈·马松（André Masson）和胡安·米罗（Joan Miró）的作品被视为这种方法论的典范。通过不加思考的、流动的线条和不自觉的笔触，艺术家试图绕过理性审查，直接捕捉梦境和潜意识的原始冲动。我们分析了这种“偶然性”在作品结构中扮演的角色，以及它如何挑战了传统艺术中“作者意图”的权威性。 第三章：战后转向——抽象表现主义与行动的美学 二战结束后，艺术的中心转向纽约，抽象艺术迎来了其最富张力、最具个人主义色彩的阶段——抽象表现主义。 3.1 行动绘画（Action Painting）与身体的介入 杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）是这一转变的核心人物。本章详细解析了“滴画法”（Dripping）或“行动绘画”的创作过程。这不仅仅是一种技法，更是一种仪式化的表演。艺术家通过身体的移动、能量的释放，让颜料在画布上随机洒落、交织。我们着重探讨了这种创作方式如何模糊了绘画与雕塑、作品与创作过程的界限，使画布成为“行动的记录”。分析强调了作品表面的密度、层次感以及线条的力度，如何体现了艺术家瞬间的情感状态与存在危机感。 3.2 色域绘画（Color Field Painting）与沉浸式体验 作为抽象表现主义的另一极，色域绘画强调色彩本身的力量和情感张力。马克·罗斯科（Mark Rothko）和巴内特·纽曼（Barnett Newman）的作品是本节的重点。我们分析了罗斯科如何使用多层稀释的颜料叠加，创造出边缘模糊、具有呼吸感的色块，这些色块旨在营造一种宗教般的、崇高的氛围，引导观者进入冥想状态。纽曼的“拉链”（Zips）——画布上垂直的细线——则被视为对传统构图的挑战和对观看者与作品之间关系的重新界定。这种绘画追求的是“纯粹在场感”（Presence）。 第四章：对抽象的批判与回归——极简主义与后绘画性抽象 进入二十世纪六十年代，对抽象表现主义过度主观化和英雄主义的批判催生了新的探索方向，即对“艺术的物质性”和“作品的客观性”的回归。 4.1 极简主义：物体即是本体 本章探讨了唐纳德·贾德（Donald Judd）、弗兰克·斯特拉（Frank Stella）等艺术家如何推动艺术向“特定物体”（Specific Object）迈进。极简主义者试图消除所有关于“再现”、“情感表达”或“视觉幻觉”的痕迹。作品被简化为工业材料（如钢、铝、有机玻璃）的精确堆叠或排列。我们分析了极简主义如何将艺术品从传统的“视听对象”转变为“空间关系”和“物质本体”。重点讨论了系列化、重复性结构以及作品与展示空间的互动关系。 4.2 后绘画性抽象与观念的引入 最后的章节关注那些既承袭了抽象的纯粹形式，又开始引入新的思考维度的流派。我们分析了后绘画性抽象如何通过对材料的实验（如使用工业树脂、燃烧痕迹），或通过对几何形式的微妙破坏，来探索材料的固有属性和表面的“扁平性”（Flatness）。 同时，本章也讨论了抽象艺术如何与观念艺术的萌芽期交汇。许多艺术家开始关注作品的“制作方式”、“命名逻辑”乃至“艺术系统的运作”，这些思考为抽象艺术的未来发展指明了新的方向，即从对“内在精神”的表达，转向对“艺术定义本身”的审视与质疑。 --- 总结： 《现代抽象艺术理论与实践》不仅是一部艺术史梳理，更是一部深入的理论剖析手册。它系统地追踪了西方艺术从追求可见的真实，到探求不可见的结构、情感和物质本体的完整思想轨迹。通过对核心艺术家作品的详尽案例研究，本书为读者提供了一套理解二十世纪视觉文化复杂性的关键工具。

评分☆☆☆☆☆

第五段评价（侧重创新与个性表达） 一直以来，我总觉得传统山水画有些刻板，似乎总是在遵循着既定的模式。但这本书却给了我全新的视角。它在教授基础技法的同时，并没有束缚我的创造力，反而鼓励我去探索属于自己的风格。书中在介绍传统技法时，也穿插了一些现代山水画家的作品赏析，让我看到，山水画并非一成不变，也可以融入新的元素和表现方式。我尤其喜欢其中关于“意匠经营”的讨论，它强调了画家在创作中的主观能动性，如何将自然景物经过提炼、概括，最终转化为具有个人情感和独特审美的艺术作品。这本书并没有要求我一味地模仿古人，而是鼓励我去观察现代的山水，去感受现代的生活，并尝试将这些新的感受融入到山水画的创作中。它让我意识到，即使是基础的笔墨技法，也可以通过不同的组合和运用，产生出意想不到的效果。读完这本书，我不再满足于仅仅掌握技巧，而是开始思考如何用山水画来表达我所处的时代，以及我内心真实的情感。它给了我很大的启发，让我觉得学习山水画，也可以是一条充满个性化探索的道路。

评分☆☆☆☆☆

第三段评价（侧重理论深度与文化底蕴） 这本书的价值远不止于“入门”二字，它更像是一本关于山水画的“思想启蒙”。我一直认为，艺术的最高境界在于思想的传达，而山水画作为中国传统艺术的重要组成部分，其背后承载着丰富的哲学思想和文化底蕴。这本书在这方面做得非常出色，它没有简单地罗列技法，而是深入浅出地剖析了中国传统山水画的审美观念，比如“天人合一”的思想如何体现在画面构图中，“道法自然”的理念如何在笔墨中得到体现。书中还穿插了不少历代名家的画论和创作心得，这些经典语录并非堆砌，而是与实际的绘画技巧和审美追求紧密结合，让我对山水画有了更深层次的理解。我特别欣赏书中关于“笔墨精神”的阐述，它不仅仅是关于如何握笔、如何用墨，更是关于笔墨所蕴含的精气神，是画家个人气质和修养的体现。读这本书，感觉像是在与中国古代的艺术家们进行跨越时空的对话，感受他们对自然、对艺术的独特见解。它让我明白，画好山水画，不仅仅是技巧的训练，更是对中国传统文化的理解和传承。

评分☆☆☆☆☆

第二段评价（侧重实际操作与启发） 作为一名纯粹的初学者，我之前对国画，尤其是山水画，一直有一种“高不可攀”的印象，觉得那需要深厚的功底和天赋。但这本书彻底颠覆了我的想法。它就像一位耐心而循循善诱的老师，一步步地将我引入山水画的世界。书中的入门指导非常扎实，从最基础的笔墨运用、皴法的讲解，都写得清晰明了，图文并茂，即使是完全没有绘画基础的我，也能大致理解。我尤其喜欢书中提供的“临摹练习”部分，里面有不同风格的范画，并配有详细的笔墨走向提示，我尝试着跟着描摹，虽然画出来的东西远不如范画精美，但我能明显感觉到自己在用笔、用墨上的进步。书中还介绍了一些构图的原则和方法，比如“留白”的妙用，如何安排山石、树木、水流的位置，让画面显得和谐而富有层次感。最让我感到振奋的是，书中鼓励我们多去写生，去观察真实的自然，并告诉我如何将观察到的景物转化为画面中的元素。这本书并没有直接给我一套“万能公式”，而是给了我打开山水画大门的钥匙，让我知道该往哪里去努力。我感觉自己不再是茫然无措，而是有了一个清晰的学习方向，充满了实践的动力。

评分☆☆☆☆☆

第四段评价（侧重实用性和指导性） 说实话，我一开始买这本书，就是抱着“能不能真的学会画山水”的功利心。结果这本书完全超出了我的预期。它真的非常“实用”，而且“有条理”。不像有些书，讲得天花乱坠，却不知道从何下手。这本书从最基础的工具介绍（毛笔、墨、纸、砚），到如何调墨、如何运笔，都讲得非常具体。比如，它会告诉你，如何握笔才能画出不同的线条，如何通过墨色的浓淡变化来表现距离感和立体感。书中还详细讲解了各种常用的皴法，比如披麻皴、荷叶皴、斧劈皴等等，并且用清晰的图示和步骤来演示，我跟着练习，感觉进步很快。更重要的是，它不只是教你“画什么”，更教你“怎么思考”。它会分析不同山石的形态特点，如何观察树木的生长规律，如何表现水的动态。我尝试着根据书中的方法去观察实际的山水，确实能发现很多以前从未注意到的细节。这本书就像一个详尽的“操作手册”，让我知道每一个步骤该怎么做，每一种效果该如何达到。它让我从“想画”变成了“会画”，那种成就感是无与伦比的。

评分☆☆☆☆☆

第一段评价（侧重情感与意境） 这本书真的给我带来了太多的惊喜，就像走进了一片久违的山水画境。我一直对山水画有着莫名的情愫，总觉得它蕴含着一种东方哲学和中国人对自然的敬畏与热爱。拿到这本书的那一刻，我几乎是被它散发出的温润气息所吸引。我尝试着翻开，首先映入眼帘的并不是枯燥的技法讲解，而是一些极具诗意的山水画作品赏析，那些云雾缭绕的山峦、蜿蜒流淌的溪水、孤寂的亭台楼阁，仿佛都在低语着古老的故事。书中的文字并非冰冷的理论，而是饱含深情的解读，让我体会到画家笔下的那份写意与情怀。我尤其喜欢书中对“意境”的探讨，作者并没有直接给出“如何画出意境”的答案，而是通过引导我观察自然、感受自然，让我明白意境的产生是源于内心的感悟，是画家将自己的情感倾注于笔端，与自然融为一体的体现。这种循序渐进的引导方式，让我不再畏惧山水画的“难”，而是开始渴望去捕捉那份自然流露的美。我常常在阅读时，会放下书，眺望窗外的景色，试图去理解书中所描述的那种“气韵生动”的感觉。它让我对山水画的认识，从单纯的“画山画水”提升到了“画的是山水中的精神”。