正版世静物素描技法指南9787532262762上海人民美术出版社,俞建国 绘 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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上海人民美术出版社，俞建国 著

图书标签:

• 素描
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• 绘画
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• 俞建国
• 上海人民美术出版社
• 艺术
• 教程
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店铺： 温文尔雅图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532262762

商品编码：29596216746

包装：平装

出版时间：2009-06-01

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基本信息

书名：静物素描技法指南

定价：29.00元

作者：上海人民美术出版社,俞建国 绘

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2009-06-01

ISBN：9787532262762

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：8开

商品重量：0.499kg

编辑推荐

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内容提要

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笔者根据自己多年的教学经验，编绘了这本素描静物画的技法辅导教材，以供青少年美术爱好者学习参考。
本书的编著按照从简到繁、循序渐进的原则，由单个的简单静物入手到掌握复杂的多个组合静物。完成系统的练习，从而使大家能够举一反三，解决素描静物画的课题。

目录

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素描常识
静物素描的基本常识
一 单体生梨写生步骤
二 单体苹果写生步骤
三 单体西红柿写生步骤
四 三只鸡蛋组合写生步骤
五 两根香蕉组合写生步骤
六 单体玻璃杯写生步骤
七 原体塑料瓶写生步骤
八 原体不锈钢茶杯写生步骤
九 单体陶器水壶写生步骤
一○ 单体陶器水壶写生步骤
一一 单棵白菜与盘子的写生步骤
一二 洋葱陶罐组合写生步骤
一三 辣椒砂锅组合写生步骤
一四 苹果陶罐不锈钢杯组合写生步骤
一五 陶罐瓷碗苹果组合写生步骤
一六 水果几何体陶瓷组合写生步骤
一七 水果几何体纸杯组合写生步骤
一八 水果陶罐组合写生步骤
一九 萝卜酒瓶陶盆组合写生步骤
二○ 水果陶锅酒瓶组合写生步骤
二一 陶罐几何体蔬果组合写生步骤
二二 白菜钢刀酒瓶组合静物
二三 蔬果钢壶几何体组合静物
二四 蔬果几何体酒瓶组合静物
二五 苹果玻璃酒瓶组合静物
二六 水果酒瓶酒杯组合静物
二七 水果酒瓶不锈钢锅组合静物
二八 香蕉陶罐酒瓶组合静物
二九 水果瓷盆酒瓶组合静物
三○ 蔬果酒瓶组合静物
三一 蔬菜陶锅组合静物
三二 陶罐瓷瓶组合静物
三三 鸡蛋玻璃杯酒瓶组合静物
三四 铜火锅酒瓶蔬菜组合静物
三五 蔬菜陶罐钢刀酒瓶组合静物
三六 茶壶茶具苹果组合静物
三七 水果陶罐酒瓶组合静物
三八 蔬菜酒瓶不锈钢杯组合静物
三九 鸡蛋西红柿陶锅酒杯组合静物
四○ 蔬果陶罐酒瓶瓷碗组合静物
四一 蔬果陶罐酒瓶组合静物
四二 蔬果陶罐瓶子组合静物
四三 水果陶罐组合静物

作者介绍

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文摘

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序言

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艺术探索的广袤天地：素描技法进阶与创作实践 本书聚焦于构建扎实的素描基础，并引导读者进行更为深入和个性化的艺术表达。它不拘泥于单一的绘画范式，而是致力于拓宽学习者的视野，激发其内在的创造潜能，最终形成具有个人风格的视觉语言。 本书的编排逻辑旨在逐步引导初学者建立起坚固的“观察-理解-表达”的思维框架，并为有一定基础的爱好者提供跨越瓶颈的有效途径。内容涵盖了从最基础的线条与形体认知，到复杂的空间、光影与质感处理，强调理论与实践的紧密结合，而非单纯的技法罗列。 第一章：重塑视觉基础——从观察到线条的转化 本章致力于打破读者对“画得像”的刻板认知，强调绘画作为一种有选择的视觉转译的本质。我们首先探讨人眼的工作机制，特别是如何摆脱习惯性思维对事物的固化认知。 1.1 建立“非观看”的观察模式： 介绍如何运用“负形”和“形体关系”来确定对象在空间中的位置，而非仅仅关注物体本身。通过讲解如何将复杂的形体分解为简单的几何单元，训练手眼协调能力，确保结构上的准确性。 1.2 线条的语言学： 线条不再是简单的轮廓勾勒，而是承载情感、力度和空间感的媒介。本节详细剖析不同速度、压力和方向的线条所传达的心理暗示。例如，快速、断续的线条如何表现轻盈或不确定性；稳定、有力的长线如何构建稳定感和重量感。我们通过一系列针对不同材质和体积感的线条练习，展示线条在组织画面结构中的核心作用。 1.3 比例与节奏的韵律： 探讨在素描构图中，如何通过精确的比例关系来确保对象的真实感和视觉和谐。重点讲解“测量法”在构建复杂透视中的应用，并引入“韵律感”的概念，即物体之间大小、间距的有机变化，避免画面出现呆板的平均分布。 第二章：光影的构建：形体的雕塑 光影是赋予二维平面以三维真实感的关键。本章深入研究光线与物体表面的互动规律，将光影视为塑造形体体积的“雕塑工具”。 2.1 光的物理特性与形态塑造： 详细解释光源的性质（点光源、面光源、散射光）如何影响投影的清晰度和灰度变化。理解高光、亮部、中间调、明暗交界线和反光这五个基本要素，并练习如何精确地界定它们之间的过渡。 2.2 调子管理的艺术： 调子（Tone）的管理是素描深度的体现。本章引入“黑白灰的层次管理系统”，建议学习者在开始绘制前，先对画面中的调子进行预设，确保整体的对比度和层次感。我们强调避免“灰调子堆积”，即画面整体缺乏足够的黑白极点，从而显得平淡无力。通过对不同材质（如金属、布料、石膏）光影表现差异的对比分析，指导读者掌握针对性的调子处理方式。 2.3 空间感的深度营造： 讲解“空气透视”原理在素描中的应用。近处的形体应具有更清晰的边缘和更丰富的细节变化，而远处的形体则应在调子上趋于统一，边缘柔化，以模拟空气对光线的散射作用，有效拉开画面的景深。 第三章：材质的语言：纹理与触感的描绘 素描的挑战性之一在于如何仅用黑白灰来模拟自然界中千变万化的材料质感。本章侧重于纹理的内在逻辑而非表面的模仿。 3.1 纹理的本质分析： 纹理的视觉效果是由其表面的微观起伏决定的。例如，粗糙的表面会散射光线，形成扩散的高光和深沉的阴影；光滑的表面则会产生集中的高光和清晰的反光。本节引导读者分析材质与光影的关联。 3.2 针对性表现技法： 针对木材的年轮、织物的褶皱、金属的反光、皮肤的细腻等不同材质，提供独特的工具使用策略（如不同硬度的铅笔、排线密度、橡皮擦的使用技巧）。例如，表现布料的柔软褶皱需要利用连续而变化的调子过渡；表现石头表面的颗粒感则需要依靠有力的排线和对凹陷部分的强调。 3.3 细节的取舍： 强调并非所有纹理都需要被完全描绘。成功的材质表现在于抓住该材质最具有代表性的视觉特征，并以“暗示”而非“详述”的方式呈现，以保持整体画面的统一性。 第四章：从静物到场景：构图与叙事性 当基础技法成熟后，下一步是学习如何将单个对象组织成具有逻辑和情感的画面。 4.1 构图的动态平衡： 介绍古典构图法则（如三分法、对角线构图）的基础上，探索更具现代感的构图方式，如S形、螺旋形构图对引导视线的作用。重点讲解如何利用视觉重量（由物体大小、调子对比度决定）来平衡画面，避免任何一侧过于沉重或空洞。 4.2 场景中的空间逻辑： 在处理多对象静物或小型场景时，理解物体间的相互遮挡、透视关系和光影呼应至关重要。本章指导读者如何用环境光和反光来“连接”画面中的各个元素，使它们不再是孤立的个体，而是构成一个统一的视觉场域。 4.3 情感的植入与个人风格的萌芽： 艺术创作的最终目标是个性的表达。本章鼓励学习者思考：我希望这幅画传递出什么感受？是宁静、是张力，还是时间的流逝？引导读者有意识地选择夸大或弱化某些元素（如光线、细节、调子对比），使作品开始带有强烈的个人印记。 第五章：超越模仿：拓展素描的应用边界 本章将素描技能延伸至更广阔的艺术领域，强调素描作为一切造型艺术基础的通用性。 5.1 速写的效率与捕捉： 探讨如何在短时间内捕捉对象的动态和神韵。速写训练的核心在于快速建立结构关系和把握主要动势，而非纠结于细节光影。提供从“慢写”到“快写”的过渡训练方法。 5.2 结构素描与人体理解： 简要介绍素描在人体结构学习中的基础作用。理解骨骼和肌肉群的基本形态，是进行更高级人体写生的前提。 5.3 创作思维的转化： 总结如何将素描训练中的观察和分析能力，迁移到平面设计、雕塑乃至概念艺术的构思过程中，强调素描思维是造型艺术家的核心竞争力。 本书旨在培养的不是技巧的奴隶，而是能够自由运用线条和调子来表达内心世界的视觉思考者。通过对观察、结构、光影和材质的系统化训练，读者将能够真正掌握素描这门“造型艺术之母”的精髓。

评分☆☆☆☆☆

我一直都对手绘有着浓厚的兴趣，但苦于没有系统的指导，很多时候都只是停留在“想画”的阶段。偶然的机会，我看到了这本书，当时就觉得眼前一亮。它没有花里胡哨的封面，也没有过于夸张的宣传语，但就是这种朴实无华的感觉，反而让我觉得它更加可靠。打开之后，果然没有让我失望。这本书的讲解非常系统，从最基础的线条训练，到各个角度的物体塑造，再到复杂的静物组合，都有详尽的步骤和图例。最让我受益匪浅的是它在讲解“形体”和“结构”上的内容，让我明白了素描不仅仅是表面的光影描绘，更是对物体内部结构的理解和呈现。它会让你去思考，为什么一个球体会是圆的，为什么一个瓶子会有这样的弧度，这些都是通过对形体和结构的深入理解才能画出来的。而且，这本书的例子都非常贴近生活，都是我们常见的静物，这让我在练习的时候，更有代入感，也更容易理解。它鼓励我不要害怕犯错，大胆去尝试，每次失败都是一次学习的机会。读这本书，就像是在为我的绘画之路打下坚实的基础，让我不再迷茫，知道该往哪个方向努力。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我来说，绝对是“醍醐灌顶”般的体验。我之前虽然也接触过一些素描，但总感觉自己画出来的东西“不扎实”，总觉得少了点什么。可能是对物体体积感的把握不够准确，也可能是对光影的理解不够深入。直到我看到了这本书，才发现原来素描可以这么有逻辑，这么有深度。它不仅仅是教你如何“画”，更是教你如何“思考”。比如说，它在分析物体体积的时候，会从几何体入手，让你理解最基本的形体如何构成复杂的物体。在讲解光影的时候，它不是简单地告诉你哪里亮哪里暗，而是会分析光线的方向、强度，以及不同材质对光线的反射和吸收。这些深入的理论讲解，让我终于明白了我之前画不好的原因。而且，它还强调了“整体观察”的重要性，提醒我不要只顾着画一个局部，而忽略了整个画面的和谐统一。这本书就像一位经验丰富的老师，耐心地引导我，让我一步一步地克服自己的绘画弱点。现在，我再看一些静物，脑海里已经有了更清晰的结构和光影分析，画起来也更加得心应手了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的每一个字、每一张图，都透露着俞建国老师严谨的态度和丰富的经验。我是一名对艺术有着强烈追求但基础薄弱的爱好者，曾经尝试过很多不同的学习方法，但总感觉不得其法。直到我接触到这本书，我才真正找到了一种适合自己的学习路径。它不是那种看了就能立马出大师作品的书，它更像是一个循循善诱的引导者，带着你一步一步地去探索素描的奥秘。我尤其欣赏它在讲解“纹理”和“质感”部分的内容，这往往是很多教程容易忽略的地方。比如如何表现金属的光泽，如何表现陶瓷的温润，如何表现布料的柔软，这本书都给出了非常具体和实用的方法。它鼓励我多去观察生活中的细节，用眼睛去捕捉那些容易被我们忽略的美。而且，它在处理“虚实”和“空间”方面，也给我带来了很多启发。我曾经画的静物总感觉是“平”的，没有那种立体感和深度，看了这本书之后，我才明白，通过线条的粗细、虚实的运用，以及明暗的对比，就可以营造出丰富的空间感。这本书真的让我受益匪浅，它点燃了我对素描的热情，也给了我继续前进的动力。

评分☆☆☆☆☆

这本书我还在啃，真的，每天晚上都抱着它，感觉自己跟那个俞建国老师在对着画一样。不是说我天赋异禀，主要是这书里的讲解太细致了，那种循序渐进的感觉特别舒服。一开始我还怕素描这种东西太枯燥，毕竟我之前接触的都是一些网上的零散教程，看完就忘，或者根本不知道自己哪里做得不对。但这本书不一样，它不是简单地告诉你“这样画”，而是告诉你“为什么这样画”。比如讲到光影的时候，不是简单地涂抹深浅，而是会分析光线的来源、照射角度，以及物体表面材质对光影的影响。我曾经纠结于怎么把一个玻璃杯画得有透明感，总是感觉死板。看了这书关于透明体和反射的讲解，恍然大悟，原来那些微妙的亮部和暗部变化，才是塑造立体感和透明感的关键。而且，它还强调了观察的重要性，教你如何去“看”，而不是“以为”。很多时候我们画不好，是因为我们是凭脑子里的概念在画，而不是真正看到眼前的东西。这本书就是不断地纠正我的这种“惯性思维”，让我学会真正地去感受物体的形态、质感和空间关系。有时候，我甚至会觉得，捧着这本书，就像在参加一场小型的素描辅导课，老师就在我身边，耐心地点拨。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书的时候，并没有抱太大的期望，毕竟市面上素描教程多如牛毛，很多都是换汤不换药。但翻开之后，我还是被它吸引住了。那种扎实的功底和严谨的教学态度，是很多教程所缺乏的。我尤其喜欢它在讲解不同物体时，那种细致入微的观察和分析。比如画静物，它不会只给你一个通用的画法，而是会根据不同的物体，比如金属、陶瓷、布料，给出不同的处理技巧。而且，它在构图、透视、明暗的处理上，都有非常独到的见解。我之前画的静物，总是感觉“散”，没有那种呼应感和整体感，看了这本书，才明白构图不仅仅是把东西摆好看，更是要通过构图来引导观者的视线，突出主题。它还会教你如何处理物体之间的虚实关系，让画面更有层次感。我以前总觉得素描就是画得像，但这本书让我明白，素描的魅力在于它的“表现力”，在于它如何通过线条和明暗来传达物体的质感、体积感和空间感。它不是那种速成的秘籍，而是一本需要你静下心来，一步一步去体会、去练习的书。每一次翻阅，都能发现新的东西，都能找到自己之前忽略的细节。