永山裕子的水彩课: 重新开始学水彩 9787550273436 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 博学精华图书专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550273436

商品编码：29623251253

包装：平装

出版时间：2016-06-01

基本信息

书名:永山裕子的水彩课: 重新开始学水彩

：49.80元

售价：36.4元,便宜13.4元,折扣73

作者:［日］永山裕子

出版社：北京联合出版公司

出版日期：2016-06-01

ISBN：9787550273436

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：8开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

内容提要

本书全方位介绍了水彩画创作的相关技法，并展示了大量精美的水彩画作品。在这本初学者极易上手的入门指导书中，作者用深入浅出、易于理解的介绍方法，旨在给读者应该如何认识水彩画和如何描绘水彩画给予指导，让读者即使是从零开始学习水彩画也会非常轻松。书中有大量的分步练习，会使初学者感到水彩画并不难掌握，并且能够提高水彩画的绘制能力。通过学习本书，初学者很快就可以掌握描绘水彩画的技巧，画出美妙的水彩画了！

目录

1 苹果

关于“重”学水彩这件事

本书中可以学到这些东西

在绘画之前的准备

线稿该如何画

上色顺序

关于画材

基本课程

2 画一些日常食材— 8 堂课 —

香蕉

橙子和柠檬

轻松上色

如果背景有颜色

芒果和葡萄

画水果的诀窍

鸡蛋

碟子中的鸡蛋

芦笋

进步的捷径

3 画器皿或瓶子的技法— 2 堂课 —

杯子

物体的影子

红酒

线稿·范围·素描

4 花卉— 2 堂课—

素描的基本：从空间内部开始描绘（非洲菊）

画花卉时的要点

上色的基本：花朵整体的明暗（向日葵）

斯菊 加上背景

蔷薇 组合

6个重点

蔷薇

作者介绍

著者简介：

永山裕子，日本*代表性的水彩画家。1963年出生于东京，1985年毕业于东京艺术大学油画系，同年获安宅奖、大桥奖，1987年完成东京艺术大学研究生学习，现为武藏野美术大学油画系讲师。她出版了一系列水彩画教程和作品集，并参加了许多知名的美术展览，如东京中央艺术博物馆年展、中国（苏州）亚洲水彩邀请展、泰国世界水彩博览会等。

文摘

序言

好的，这是一本关于水彩画的图书简介，内容不涉及《永山裕子的水彩课：重新开始学水彩》。 --- 绘境新启：大师的色彩之旅与技法精粹 探索水彩世界的无限可能，从基础构建到高级表现的全面指南 本书旨在为所有对水彩艺术怀有热情，渴望系统提升绘画技巧的爱好者提供一份详尽、实用的学习蓝图。我们深知，水彩作为一种独特的媒介，其魅力在于其透明性、流动性和不可预测性。这本书并非仅仅罗列技巧，而是引导读者深入理解水彩颜料的物理特性、纸张的吸水规律以及光影在水中的微妙变化，从而真正掌握驾驭这种媒介的能力。 第一部分：唤醒你的画笔——工具与基础的坚实奠基 在踏上色彩的征程之前，精确的准备工作至关重要。本部分将详细解析现代水彩绘画所需的各类工具，确保读者能够根据自身需求做出明智的选择。 1. 颜料的秘密档案： 我们将剖析水彩颜料的四大核心要素——色粉的纯度、粘合剂的成分、研磨的精细度以及光照下的稳定性。从管装到块状，从温和的透明色到覆盖力较强的半覆盖色，我们提供了一份详尽的色谱指南，教你如何辨识优质颜料，并建立一套高效、实用的个人调色盘。针对不同题材（如风景、静物），我们推荐了基础的“核心色彩组”，以最小的投资获得最大的色彩组合潜力。 2. 纸张的对话艺术： 水彩纸的选择往往决定了一幅画的生命力。本书将深入探讨磅数（重量）、纹理（冷压、热压、粗纹）对吸水性和笔触保留力的影响。我们将指导读者如何“读懂”纸张的脾气，例如，粗纹纸如何能更好地捕捉干笔触的肌理，而冷压纸又如何适宜大面积平涂。此外，我们还会教授如何进行基础的裱纸技术，避免作画过程中纸张的起皱和变形。 3. 笔刷的语言： 并非所有刷子都能胜任所有任务。本章详细对比了天然毛（如貂毛、狼毫）与合成纤维（如尼龙、PVA）的特性。从圆头笔的精准描边，到平头笔的宽幅铺陈，再到排笔的晕染效果，我们展示了如何通过更换笔刷来改变笔触的质感和水分的控制，并提供了一套标准的清洗与保养流程，以延长画笔的使用寿命。 第二部分：掌控流动——核心技法的系统训练 水彩的精髓在于对“水”的精确控制。本部分将摒弃浮于表面的演示，转而深入探讨每一种基础技法背后的科学原理，并辅以大量针对性的练习。 1. 湿中湿与湿中干的哲学： 这是水彩表现力的两大支柱。我们将详细拆解“湿中湿”技法，不仅关注色彩的自然融合，更探讨如何通过控制基底的湿度梯度（从湿到微湿）来引导色块的扩散方向，以模仿云雾、水面波纹等自然现象。而“湿中干”则侧重于在半干的底色上叠加颜色，以产生清晰的边缘和强烈的肌理对比，特别适用于表现岩石或干燥的植被。 2. 留白与遮盖的策略： 在水彩中，白色并非颜料，而是纸张的本质。本章系统介绍了各种留白策略，包括使用留白液（Masking Fluid）的正确涂抹时机和剥离技巧，以避免损伤纸面。同时，我们探讨了如何通过“反向绘制”（先画暗部，后留出亮部）和“洗色”（Lifting）技巧来修正错误或增强高光。 3. 纹理与肌理的创造： 水彩不应是平坦的。我们将探索一系列非传统工具和材料来创造丰富的纹理，例如使用盐、酒精、保鲜膜来改变颜料的分布，制造出独特的斑驳效果。这些技巧的运用是区分业余与专业作品的关键一步。 第三部分：光影与空间的构建——从平面到立体的转化 绘画的深度来源于对光线和环境的准确捕捉。本部分将引导读者超越单纯的色彩叠加，进入对三维空间和氛围的营造。 1. 色彩的科学：理解色温与环境光： 我们不再将颜色视为孤立的色块，而是将其置于特定的光照条件下进行观察。详细解析了冷光（如阴天、清晨）和暖光（如黄昏、日光直射）对物体固有色的影响，并指导读者如何运用补色对比来增强画面的立体感和视觉冲击力。 2. 透视在水彩中的应用： 即使是最写意的风景画，也需要内在的空间逻辑支撑。本章会以简洁明了的方式，教授如何在水彩的透明体系中构建单点和两点透视，尤其关注如何处理远景的空气透视效果——即色彩饱和度的降低和清晰度的模糊化。 3. 层次的叠加与透明度的控制： 一幅优秀的水彩作品往往由多层透明色叠加而成。我们详细演示了“薄涂法”（Glazing）的流程，强调每一层干燥后才能叠加下一层的重要性，以及如何通过精确控制颜料浓度来控制最终的色调深度，避免画面因过度叠加而变得“脏”或“板结”。 第四部分：题材的突破——风景、静物与人体的实践 理论最终需要付诸实践。本部分提供针对不同题材的深度案例分析和分步解析，强调在不同场景下如何灵活运用前述技法。 1. 风景写生：捕捉瞬间的气氛： 重点讲解如何在户外快速捕捉光影关系，如何处理天空和地平线的衔接，以及如何运用“概括”的手法来描绘复杂的自然景物，突出主体，弱化细节。 2. 静物组合：材质的触感重现： 专注于表现不同材质的质感，如玻璃的光滑折射、木材的粗粝纹理和金属的反光。这部分对笔触的控制精度要求较高，是训练观察力的绝佳练习。 3. 人物与肖像的形神兼备： 探讨水彩在表现人物皮肤色调时的调色技巧，以及如何运用柔和的边缘处理来表现人体的体积感，避免硬朗的线条破坏柔和的人体美感。 本书的最终目标是，让每一位读者不仅学会“如何画”，更理解“为何如此画”，最终形成属于自己的、充满个人风格的水彩语言。翻开这本书，就是开启一段充满探索与惊喜的色彩旅程。

评分☆☆☆☆☆

我一直对永山裕子这位艺术家心存敬意，她的水彩作品总能散发出一股宁静而又充满生命力的气息，那种对色彩的细腻把握和对光影的敏锐捕捉，是我一直想要学习和模仿的。所以，当得知有这本《永山裕子的水彩课》出版，我第一时间就入手了。虽然我并非完全的初学者，但长久以来，我的水彩水平似乎停滞不前，总是在一些基础技法上反复打转，难以突破。这本书给我最大的惊喜，在于它提供了一种全新的思考角度。它不只是简单地罗列技法，而是深入探讨了水彩绘画的本质，以及如何通过观察和理解来提升作品的表现力。我尤其对书中关于“情绪”与“色彩”关系的阐述印象深刻，作者如何引导读者去思考，不同的色彩组合能够传达出怎样的情感，以及如何运用色彩来烘托画面的氛围，这对我来说是非常宝贵的经验。我以前画花卉，总是拘泥于形似，却忽略了花朵本身所蕴含的生命力。这本书让我开始思考，如何通过色彩来传递花朵的娇嫩、芬芳，甚至是一种淡淡的忧愁。这本书的出现，仿佛为我打开了一扇新的窗户，让我能够以更深邃的目光去审视水彩的世界。

评分☆☆☆☆☆

刚拿到这本《永山裕子的水彩课》，感觉真的是一本很适合重新拾起画笔的宝典。我之前也断断续续学过一些水彩，但总觉得掌握不好水和颜料的比例，画面总显得死气沉沉，或者又太过于稀滥，没有一点通透感。这本书的排版和图片都非常吸引人，特别是封面的那幅画，色彩清新自然，光影处理得尤其到位，让我对水彩产生了新的向往。翻开目录，感觉作者的教学思路非常清晰，从最基础的工具介绍，到各种基本技法的讲解，再到具体物体的描绘，循序渐进，完全不会让人感到压力。尤其是那些看似简单却非常实用的技法，比如如何用笔触来表现物体质感，如何运用色彩的冷暖来营造空间感，这些内容都让我眼前一亮。我觉得对于初学者来说，这本书的价值在于它能够帮助我们建立起正确的学习路径，避免走弯路。而对于像我这样有一定基础但遇到瓶颈的人来说，它又能提供新的启发和视角，让我重新审视自己过去的水彩技巧，找到可以提升的地方。总之，这本书给我带来了满满的期待，迫不及待想要跟着书里的步骤，一点点去实践，去感受水彩的魅力。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种“手残党”来说，学习绘画简直是一件不可能完成的任务。我曾经报过班，也买过不少绘画教程，结果都是以失败告终，最后只能将一堆堆的绘画书籍束之高阁，默默安慰自己“我没有绘画天赋”。这次拿到《永山裕子的水彩课》，我原本并没有抱太大希望，但出乎意料的是，它竟然让我看到了曙光。这本书的优点在于，它将复杂的水彩世界分解成了一个个小小的、易于理解的步骤。我最害怕的就是那些繁琐的讲解和需要大量专业术语的介绍，但这本书完全避免了这一点。它用最简单、最直观的方式，解释了如何开始，如何选择工具，如何调配颜色，如何下笔。我翻到关于“色彩的叠加”那一章，作者的演示过程非常清晰，即使是我这样对色彩没有概念的人，也能看明白其中奥妙。而且，这本书的重点似乎更多地放在了“感受”和“尝试”上，而不是死板的“模仿”。它鼓励读者去大胆尝试，去享受水彩带来的乐趣，这种轻松的氛围，让我觉得绘画不再是一件令人畏惧的事情，而是一种放松身心的活动。我感觉这本书能够真正地帮助我跨出第一步，并且坚持下去。

评分☆☆☆☆☆

当收到这本书的时候，我内心是有点忐忑的。我曾经因为对水彩的热爱，买过很多关于水彩的书籍，但大部分都停留在“看看就好”的阶段，很少能够真正地付诸实践。究其原因，大概是因为教程的步骤太复杂，或者所需的材料过于昂贵，又或者是因为我自己的时间安排不允许。但是，《永山裕子的水彩课》却给了我一种完全不同的感受。首先，它的语言风格非常简洁明了，没有太多华丽的辞藻，直奔主题，却又能把复杂的概念解释得通俗易懂。我尤其喜欢书中对“水”的运用讲解，作者强调了水的重要性，以及如何通过控制水量来达到不同的画面效果，这一点对我来说是极大的启发。很多时候，我总是在纠结颜料的色彩，却忽略了作为水彩媒介核心的“水”。其次，书中提供的范例画作，色彩搭配和谐，构图也恰到好处，给人的感觉非常舒服，完全没有那种“大神画作，我学不会”的距离感。我反复翻看那些关于植物描绘的部分，作者是如何用简单的笔触，勾勒出叶片的脉络和花瓣的层次，这让我意识到，原来水彩并不需要多么复杂的技巧，关键在于对细节的捕捉和对色彩的理解。这本书给我带来的，更多的是一种“我也可以做到”的信心。

评分☆☆☆☆☆

说实话，当初选择这本《永山裕子的水彩课》纯粹是出于一种“我应该重新认识一下水彩”的冲动。我一直觉得水彩是一种充满不确定性的媒介，颜色的晕染、水的流动，都充满了难以预测的美感，但也正是这份不确定性，常常让我感到无从下手。我曾经尝试过一些其他的教程，但要么过于理论化，要么图片不够清晰，要么例子太难，看完之后更是一头雾水。这本倒是给我一种耳目一新的感觉。它的讲解方式非常接地气，就像是一位经验丰富的朋友，耐心地向你传授技巧。我特别欣赏书中对“意境”的追求，它不只是教你画出形似，更是在引导你去感受物体的灵魂，用色彩去表达情感。我反复看了几页关于光影的讲解，作者是如何通过色彩的微妙变化来表现光线的穿透感和物体的立体感，这部分的内容，我感觉是很多教程中容易被忽略的。而且，书中选取的描绘对象也很有意思，不是那种枯燥的静物组合，而是生活化的场景和充满生命力的植物，这让我在学习过程中也能感受到一种愉悦，仿佛置身于作者所描绘的世界之中。我感觉这本书不仅仅是一本技法书，更像是一本关于如何用眼睛去观察，用心灵去感受的指南。