油画的色彩造型画法---西方经典美术技法译丛-W 9787532294701 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 鲍勃·罗姆，路雅琴 著

图书标签:

• 油画
• 色彩
• 造型
• 美术技法
• 西方美术
• 绘画技法
• 艺术
• 绘画
• 技法
• 经典

店铺： 博学精华图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532294701

商品编码：29624833994

包装：平装

出版时间：2015-07-01

基本信息

书名:油画的色彩造型画法---西方经典美术技法译丛-W

：48.00元

售价：35.0元,便宜13.0元,折扣72

作者:鲍勃·罗姆,路雅琴

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2015-07-01

ISBN：9787532294701

字数：1

页码：141

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

1.书中详细解说了四度明暗法，三种色彩用法，具体色彩造型技巧营造画面意境等绘画油画色彩造型的诀窍。

2.指出了色彩造型画法和线条造型画法的区别，以及各自的优缺点。帮助读者找到适合自己的**创作方法。

3.本书适合有油画基础的绘画爱好者以及经验丰富的画家。

点击购买以下《西方经典美术技法译丛》系列丛书

href='#' target='_blank'>画技法

href='#' target='_blank'>油画刀技法

href='#' target='_blank'>向大师学油画——20位油画名师的绘画技巧

href='#' target='_blank'>油画的光与色(新一版)

href='#' target='_blank'>油画肖像经典技法

href='#' target='_blank'>油画风景写生与创作

href='#' target='_blank'>油画风景必备手册

内容提要

本书详细介绍了如何通过色彩造型画法创出一幅极具艺术感染力的油画作品。书中提及油画所需的材料和设备以及如何选择绘画对象和用色彩造型画法进行有效的表达。本书每一部分都有大量示例图片，包括画室作品和户外写生，帮助读者理解相关技巧，启发创作灵感。在具体创作油画的过程中，如何巧妙地将色彩、明度、构图、肌理及其他基本要素完美结合，传达细致的情感，营造独特的意境，作者毫无保留地向读者分享了自己作画的宝贵经验，使读者在油画技法上更上一层楼。

目录

作者介绍

鲍勃·罗姆自20世纪90年代初起，他开始了自己的专职绘画生涯。曾多次获奖，并成为美国色粉笔画协会、美国油画家等多个艺术组织的署名会员他的作品发表于多种期刊，如《西南艺术》，《美国艺术家》，《艺术家杂志》，《国际艺术家》。

文摘

序言

《光影流转：印象派大师的风景速写技法》 内容提要 本书深度剖析了十九世纪后半叶兴起的印象派绘画流派，专注于其在捕捉瞬间光影、运用户外写生（Plein Air）技巧方面的创新与实践。全书以细腻的笔触，带领读者穿越莫奈、雷诺阿、毕沙罗等大师的创作现场，解析他们如何突破学院派的束缚，将自然光线在不同时间、不同天气下的微妙变化，转化为画布上鲜活的色彩与笔触。 本书共分为六大部分，详尽阐述了印象派对传统绘画的革新之处： 第一部分：光学的革命——走出画室的先声 本章追溯了印象派的源头，探讨了自文艺复兴以来，西方艺术中对“形体塑造”与“单一光源”的固执。在此基础上，重点介绍了法国沙龙体制的僵化，以及科技进步（如新型化学颜料的出现和便携式画架的发明）如何为艺术家“走出去”提供了物质基础。我们将详细分析雪铁纳和巴比松画派对自然观察的初步贡献，为印象派的诞生铺平了道路。 第二部分：瞬间的捕捉——笔触的密码学 印象派的核心在于对“瞬间性”的追求。本部分将深入剖析印象派标志性的“分离色”和“并置技法”。不同于传统油画通过颜料的充分混合来达到色彩的和谐，印象派画家倾向于将纯色并置于画布上，让观者的眼睛在一定距离外自行“混合”色彩，从而产生更具光感和振动感的视觉效果。我们将解构不同长度、厚度和方向的笔触如何共同构建画面的结构、空气感和运动感。例如，莫奈在《鲁昂大教堂》系列中对同一景物在不同光线下色彩的细微差别处理，是理解光线对物体表面的影响的最佳范例。 第三部分：色彩的科学——色谱的重构 本章聚焦于十九世纪色彩理论的发展，特别是谢弗勒尔（Chevreul）的色彩对比定律对印象派艺术家的深刻影响。书中将系统地展示“同时对比色”和“补色关系”在印象派风景画中的实际应用。传统绘画中被视为“脏色”的阴影，在印象派的笔下转变为充满冷色调光线的区域，例如，树下的阴影不再是简单的黑色或棕色，而是由蓝紫、绿色等冷色构成。通过对德加人体素描与后期风景画中色彩运用的对比分析，读者可以理解色彩如何在形体塑造和氛围营造中扮演决定性角色。 第四部分：户外写生的实践与挑战 “户外写生”（En Plein Air）是印象派的灵魂。本部分提供了一套实用的户外写生指南，涵盖了从选择画布尺寸、颜料的快速配置，到应对天气变化和快速移动光线的挑战。我们会详细讨论如何在有限的时间内，快速确立画面的基本色调和构图，并保持对自然界动态变化的敏感度。特别是对水面和空气湿度的表现技巧，将作为重点案例进行拆解。读者将学习到如何通过调整颜料的稀释程度和笔触的力度，来模拟空气的透明感和水面的反射特性。 第五部分：构图的革新——不完整的完美 印象派的构图常常呈现出一种“不经意”的、仿佛被相机瞬间捕捉到的特性。本章探讨了日本浮世绘（Ukiyo-e）对西方艺术，尤其是对印象派构图的强烈冲击。我们将分析大师们如何运用倾斜的水平线、非中心化的主题、以及大面积的留白或裁剪式构图，来营造画面的新鲜感和动态平衡。这种对传统平衡法则的打破，使得画面更贴近人眼的自然观察方式。 第六部分：从印象到后印象——色彩的内在化 本书最后一部分将视野延伸至印象派的后续发展，探讨塞尚、梵高和高更等后印象派大师如何继承并发展了印象派对色彩的探索。重点分析塞尚如何将印象派的色彩并置转化为对几何形体的结构性分析，以及梵高如何将主观情感注入色彩的笔触之中，预示着表现主义的来临。通过对比分析，读者能清晰地认识到，印象派不仅是一种技法，更是一种看待和理解世界的全新视角，为整个二十世纪的现代艺术奠定了坚实的基础。 本书配有大量高清的彩色图版和技法步骤图，旨在为绘画爱好者、艺术史研究者以及专业油画家提供一个全面而深入的指南，帮助他们掌握这种充满活力与光感的绘画语言。通过本书的学习，读者将不再局限于描摹物体，而是学会如何真正地“看见”光与色彩的舞蹈。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余油画爱好者，我一直对写实主义画派情有独钟，尤其着迷于画面中那种逼真的光影效果和细腻的材质表现。这本书虽然不是一本纯粹的技法教学手册，但其中关于“观察与再现”的论述，却给了我很大的启发。作者反复强调了对自然物象的细致观察是造型的基础，并用非常形象的比喻来解释如何从素描关系中提炼出色彩的体积感。我特别喜欢书中关于“光与影的辩证关系”的阐述，如何通过微妙的色彩明暗变化来塑造物体表面的起伏和转折，让画面不仅仅是颜色的堆砌，而是具有生命力的三维空间。虽然书中没有展示具体的油画调色板和笔触，但作者对物体在光影下“变形”的描述，让我更加清晰地认识到，我们看到的并非物体本身，而是光线作用于物体后在大脑形成的印象。这促使我更加关注现实生活中的光影变化，开始尝试用更具象的思维去理解油画的造型语言。我甚至觉得，这本书让我从更深层次理解了“形”与“色”之间的相互依存关系，这对于提升我的绘画观察能力和理解能力有着极大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

我一直对西方古典油画的色彩运用情有独钟，尤其是那些大师们是如何通过微妙的色彩变化来塑造画面质感和空间感的。读了这本《油画的色彩造型画法》，虽然书中没有直接讲解具体的技法，但从作者对色彩的论述中，我仿佛窥见了油画色彩魔力的冰山一角。书中关于色彩的理论部分，让我重新审视了色彩的冷暖、明暗、饱和度这些基本概念，特别是作者用生动的语言描述了色彩在不同光线下呈现出的微妙变化，以及色彩如何影响观者的情绪和心理感受。我尤其喜欢其中对“色彩的统一性”的探讨，如何让画面中的所有色彩和谐共存，而不是相互冲突，这确实是油画创作中至关重要的一环。虽然我渴望能看到具体的调色和晕染示范，但仅凭作者对色彩的深刻洞察，就足以让我受益匪浅。它激发了我更多的思考，让我开始在自己的练习中更加注意色彩的搭配和运用，尝试去感受色彩在画布上的生命力。这本书更像是一位经验丰富的老师，点拨我于门外，让我开始主动去探索油画色彩的奥秘，而不是直接告诉我答案。这种引导性的学习方式，反而让我觉得更加扎实和有成就感。

评分☆☆☆☆☆

我对油画的兴趣始于对意大利文艺复兴时期大师作品的惊叹，尤其是他们处理人物肤色的那种温润而富有生命力的质感。在这本《油画的色彩造型画法》中，虽然没有直接教授如何调配人物肤色，但书中对“色彩的情感表达”的深入剖析，让我豁然开朗。作者通过对不同色彩所代表的情绪和氛围的解读，让我明白色彩不仅仅是用来描绘物体，更是表达情感和传递意境的有力工具。我非常欣赏作者关于“色彩的心理学”的探讨，以及如何通过色彩的搭配来营造特定的情绪氛围，比如温暖、宁静、忧郁或激动。虽然书中没有具体的示范，但作者的文字让我仿佛置身于大师的画室，感受到他们是如何用意彩来赋予画面灵魂的。我开始思考，在我的创作中，如何才能更好地运用色彩来表达我内心的情感，而不是仅仅停留在对形体的模仿。这本书让我意识到，油画的魅力远不止于写实，更在于它能够触及人内心深处的情感。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我对于如何在油画中表现不同材质的肌理感到困惑，尤其是丝绸的垂坠感，金属的光泽，或是粗糙的岩石质感，如何在画布上真实地呈现出来？这本书虽然并非一本关于材质表现的专门教材，但其中对“色彩的厚度和层次”的论述，却为我指明了方向。作者详细地讲解了油画颜料的堆叠、刮擦、晕染等不同的运用方式，以及如何通过这些技法来塑造画面的层次感和肌理感。我特别喜欢作者关于“干画法”和“湿画法”的对比分析，以及它们各自适合表现的画面效果。虽然书中没有具体的步骤演示，但通过作者对这些技法的描述，我仿佛能看到颜料在画笔下是如何产生生命力的，又是如何通过不同的处理方式来呈现出不同的材质质感的。这让我开始更加关注油画的物理属性，并尝试在我的绘画实践中去探索不同的颜料运用方式，去感受色彩的厚度和肌理的力量。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得油画是一种非常“沉浸式”的艺术形式，需要投入大量的时间和精力去反复揣摩。在这本《油画的色彩造型画法》中，虽然它没有直接教我“如何画”，但是它却教会了我“如何去看”。作者在书中反复强调了“整体观念”的重要性，即在绘画过程中，不能孤立地看待每一个部分，而要始终把握画面的整体关系，包括色彩的和谐、光影的统一以及构图的平衡。我尤其欣赏作者关于“色彩的共鸣”的论述，它让我明白，画面中的每一个色彩都与其他色彩相互影响，共同构成一个有机的整体。虽然没有看到具体的绘画过程，但作者的文字让我仿佛经历了一次大师的“色彩考察”，让我更加理解了西方古典油画为何能具有如此强大的视觉冲击力和感染力。这本书更像是一扇窗，让我得以窥见油画创作的深层智慧，让我认识到，真正的色彩造型，源于对整体的深刻理解和对细节的精准把握。