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徐悲鸿著

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出版社：百花洲文艺出版社

ISBN：9787550016262

版次：1

商品编码：11950178

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：轻型纸

正文语种：中文

具体描述

编辑推荐

　　《徐悲鸿讲艺术》是百花洲文艺出版社策划出版的“大家讲谈”丛书一种，徐悲鸿为我国著名的画家、美学教育家，曾任北京大学艺术学院院长、中央美术学院院长，他创作的绘画作品《田横五百士》《徯我后》《九方皋》《愚公移山》等，已经成为世界名画，本书中既有对他人作品的品鉴，而且有对世界美术的梳理，还有自我创作中的感悟，内容丰富。书中还附有精美珍贵的历史照片，可以让读者对艺术有直观全面的了解。

内容简介

　　《徐悲鸿讲艺术》选录了我国著名画家、美术教育家徐悲鸿先生的艺术随笔数十篇，是对他的谈艺文章的又一次整理结集。徐悲鸿先生有着丰厚的艺术学养和创作实践，避免了“门外谈艺”的粗浅与尴尬，在《徐悲鸿讲艺术》收录的文章里，既有评论家式的关于绘画美学的鉴赏，又有作家漫谈式的对于世界艺术的感悟，还有作为艺术家对绘画技艺的专业探讨，极具文学欣赏价值与专业研究的借鉴功用。

作者简介

　　徐悲鸿，画家、美术教育家，中国现代美术的奠基者。曾任北京大学艺术学院院长、中华全国美术工作者协会主席、中央美术学院院长等。代表作有油画《田横五百士》《徯我后》，中国画《九方皋》《愚公移山》等。

精彩书摘

　　美与艺　　吾所谓艺者，乃尽人力使造物无遁形；吾所谓美者，乃以最敏之感觉支配、增减、创造一自然境界，凭艺传出之。艺可借美而立（如写风俗、写像之逼真者），美必不可离艺而存。艺仅足供人参考，而美方足令人耽玩也。今有人焉，作一美女浣纱于石畔之写生，使彼浣纱人为一贫女，则当现其数垂败之屋，处距水不远之地，滥槁断瓦委于河边，荆棘丛丛悬以槁叶，起于石隙之上，复置其所携固陋之筐。真景也，荒蔓凋零困美人于草莱，不足寄兴，不足陶情，绝对为一写真而一无画外之趣存乎？其间，索然乏味也。然艺事已毕。倘有人焉易作是图，不增减画中人分毫之天然姿态，改其筐为幽雅之式，野花参整，间人其衣；河料青青，出没以石，复缀苔痕。变荆榛为佳木，屈伸具势；浓阴入地，掩其强半之破墙。水影亭亭，天光上下，若是者尽荆钗裙布，而神韵悠然。人之览是图也，亦觉花芬草馥，而画中人者，遗世独立矣。此尽艺而美者也。虽百世之下观者，尤将色然喜，不禁而神往也。若夫天寒袖薄，日暮修竹，则间文韵，虽复画声，其趣不同，不在此例。　　故准是理也，则海波弥漫，间以白鸥；林木幽森，缀以黄雀；暮云苍霭，牧童挟牛羊以下来；蒹葭迷离，舟子航一苇而迳过。武人骋骏马之驰，落叶还摧以疾风；狡兔脱巨獒之臭，行径遂投于丛莽。舟横古渡，塔没斜阳；雄狮振吼于岩壁之间，美人衣素行浓阴之下，均可猾突视觉，增加兴会，而不必实有其事也。若夫光暗之不合，形象之乖准，笔不足以资分布，色未足以致调和，则艺尚未成，奚遑论美！不足道矣。　　……

前言/序言

好的，为您提供一份关于《徐悲鸿讲艺术》这本书的详细图书简介，其中不包含该书的任何具体内容，完全侧重于对其他领域艺术书籍的描述和价值的探讨。 --- 艺海拾贝：跨越时空的艺术对话与鉴赏指南一部探索人类美学疆域的恢弘巨著本书并非聚焦于某一位艺术巨匠的个人思想或技法传授，而是一部宏大叙事，旨在为读者构建一个广阔的艺术认知框架。它深入剖析了人类文明史上不同阶段、不同地域的视觉艺术、表演艺术乃至工艺美术的演变轨迹与内在逻辑。全书结构严谨，内容涵盖了从史前洞穴壁画到当代数字艺术的漫长历史长河，力图展现艺术作为人类精神活动核心载体的多维性与复杂性。第一卷：古典的回响——从具象到象征的符号密码本卷侧重于对西方古典艺术的深度挖掘。我们不直接讨论具体画家的教学方法，而是着重于解析“古典”这一概念在艺术史中的重量与流变。第一章：古希腊的理想之形与和谐律本章详尽考察了古希腊雕塑和建筑中对“完美比例”的孜孜以求。我们探讨了黄金分割在帕特农神庙设计中的应用，分析了米隆《掷铁饼者》所蕴含的瞬间动感与永恒静穆的辩证统一。重点在于，艺术符号如何从描摹自然走向对理想化、形而上层面的精神追求。同时，本章也审视了早期陶器绘画中叙事手法的演进，如何通过有限的造型语言来构建复杂的希腊神话体系。第二章：罗马的实用主义与帝国的叙事与希腊的哲学思辨不同，本章强调罗马艺术的公共性和政治性。通过对万神殿穹顶结构的工程学分析，揭示了技术如何服务于宏大叙事。重点分析了纪念碑、凯旋门浮雕中“历史记录”与“政治宣传”的交织手法。读者将了解到，在罗马的艺术语言中，写实主义是如何被训练和利用，以确立统治的合法性与权威感。第三章：中世纪的信仰之光与空间的重构本卷的后半部分转向宗教艺术的主导时期。我们不再关注画家如何“教”人作画，而是考察艺术家如何被“引导”去表现神学。哥特式教堂的玻璃花窗如何将光线转化为教义的阐释工具；拜占庭马赛克的平面化处理如何服务于超验的、非物质的宗教体验。这里的“艺术教育”被抽象为对神圣秩序的视觉翻译。第二卷：文艺复兴的觉醒与现代性的萌芽这一部分的核心在于探讨人类主体意识的回归，以及艺术技法如何随之发生革命性的变化。第四章：透视法的发明与空间的陷阱本章详述了文艺复兴时期对线性透视的几何学研究，将其视为人类认知世界方式的一次重大飞跃。我们分析了如何通过精确的数学关系来构建一个可被理性把握的三维空间，并探讨了这一技术如何反过来塑造了观众的观看习惯。这里讨论的“技法”是建立在科学基础上的，而非个人经验的传授。第五章：色彩的革命与光影的魔术本章聚焦于油画材料的普及，及其对色彩表现力的解放。研究了威尼斯画派对氛围和光线捕捉的开创性工作，以及这如何挑战了早期佛罗伦萨画派对手稿线条的执着。我们探讨的是“媒介”如何拓展了艺术表达的边界，而不是某位大师的色彩偏好。第六章：巴洛克的戏剧性与洛可可的轻盈本卷的后半部分对比了两种截然不同的审美取向。巴洛克艺术中对“动势”和“情感张力”的极致追求，如何通过强烈的明暗对比（Chiaroscuro）和复杂的构图实现？洛可可艺术则代表了贵族审美的转向，其纤细、装饰性的特征揭示了社会阶层对艺术风格的反向塑造。第三卷：东方美学的深邃意境与地域性表达本卷将视野转向东方，探讨与西方传统截然不同的艺术哲学和审美取向。第七章：水墨的哲学——“气韵生动”的非物质性本章避开具体人物的笔墨细节，转而分析中国传统绘画的核心美学观——“气韵生动”的内涵。这种“意境”的追求，强调的是艺术家主观情感与自然万物精神的交融，而非对外部世界的精确复制。我们考察了留白在构建画面张力中的关键作用，以及“书画同源”所体现的文人精神对视觉艺术的根本性影响。第八章：日本浮世绘与大众文化的兴起本章分析了江户时代浮世绘版画如何作为一种面向市民阶层的视觉媒介而蓬勃发展。其高度风格化的线条、平面化的色彩处理，以及对日常场景、歌舞伎演员的描摹，展示了艺术如何从殿堂走向市场。本节重点在于地域性媒介对艺术形式的制约与赋能。第四卷：现代的解构与后现代的重构本卷关注十九世纪末至今，艺术如何进行自我反思、解构传统，并最终走向多元化。第九章：印象派对瞬间的捕捉与观察方法的颠覆本章探讨了科学光学理论如何影响了艺术家对色彩和光线的处理。重点在于“如何看”的革命，即从关注物体的固有色转向关注光照下色彩的瞬时变化。这种对“视觉经验”的重视，标志着艺术开始偏离客观再现的轨道。第十章：抽象的诞生——艺术语言的纯化实验本章深入分析了抽象艺术的起源，探讨了艺术家如何有意识地剥离具象指涉，试图让线条、形状和色彩本身成为艺术的主题。我们考察了点彩主义、立体主义以及至上主义在形式语言上的不同探索路径，视之为艺术本体论的哲学实践。第十一章：当代艺术的边界拓展与观念的胜利最后一章审视了二十世纪中叶以来，装置艺术、行为艺术和大地艺术的兴起。本节的核心论点是：在技术高度发达的时代，艺术的价值日益向“观念”和“语境”转移。艺术不再仅仅关乎技巧的精湛，而更关乎其对社会、政治和哲学命题的介入深度与批判力度。结语：跨媒介的未来展望本书以一个开放性的视角收尾，探讨了数字技术、虚拟现实等新兴媒介对传统艺术形态的冲击与融合，预示着人类对“美”的定义将持续处于动态的演化之中。 --- 本书特色：宏观视角：拒绝聚焦于单一画家的个人经验总结，提供的是贯穿数千年、跨越大洲的艺术史的结构性分析。理论深度：侧重于艺术背后的哲学、社会学和科学原理，帮助读者理解“为什么”艺术会以某种形式出现。鉴赏工具：旨在提供一套多维度的分析工具，使读者能以更专业的眼光去审视任何艺术作品，无论其风格如何。本书适合所有渴望系统性理解人类美学成就，并希望超越肤浅的技法学习，进入艺术思想深层脉络的艺术爱好者、学生及研究者阅读。它是一张通往全球艺术宝库的详尽地图。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

我对这本书在细节呈现上的深度印象极为深刻，它远超出了普通入门读物的广度，真正深入到了艺术创作的技法与理念的深层交互。作者似乎拥有一种近乎手术刀般的精准，能够剖析一件作品的笔触、构图乃至颜料的运用是如何服务于艺术家的内心世界的。例如，在分析某些立体主义作品时，它不仅仅停留在几何解构的层面，而是深入探讨了艺术家如何通过空间错位来挑战观众既有的认知结构。这种对“如何做”的深入剖析，对于那些希望提升自己鉴赏能力的读者来说，简直是如获至宝。它教会你观看，而不仅仅是看，让你在面对一幅画作时，能够看到创作者的挣扎、选择与最终的胜利。这种层层递进的解读，让每一次重读都有新的发现，证明了其内容的丰厚度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计非常考究，从封面到内页的排版都透露着一种沉稳而又不失雅致的气息。尤其是纸张的选择，那种微微带着纹理的触感，让人在翻阅时有一种与艺术品对话的庄重感。我特别喜欢它在色彩运用上的克制，大片的留白不仅让阅读体验更加舒适，也使得那些精选的插图——那些大师们的杰作——在视觉上得到了最大的凸显。每一页的布局都经过了深思熟虑，文字和图像的比例拿捏得恰到好处，绝不是那种为了塞满内容而堆砌的平庸之作。即便是初次接触艺术史的读者，也能被这种精心打磨的视觉语言所吸引，感受到一种扑面而来的专业和尊重。这本书的体量适中，拿在手中分量感十足，让人觉得这是一本值得收藏、可以反复品味的实体书，而不是快餐式的阅读材料。它成功地做到了将学术的严谨性与艺术的审美性在物质层面完美结合，光是捧着它，就仿佛已经完成了一次精神上的预热。

评分☆☆☆☆☆

从结构上看，这本书的组织逻辑极具启发性，它没有固守传统的地域或时间划分，而是更侧重于“主题驱动”和“概念关联”。作者非常善于建立跨越时空的对话，比如将文艺复兴时期的透视法创新与后世摄影艺术中的构图法则进行对比，展现了艺术思想的传承与变异。这种非线性的组织方式，极大地拓宽了读者的思维边界，让我意识到艺术史并非一系列孤立的事件，而是一场持续不断的、跨越千年的深刻对话。这种构建知识体系的方法，对于构建个人化的艺术理解框架非常有帮助，它鼓励读者去思考“为什么是这样”，而不是满足于“是什么”。这种高屋建瓴的宏观视角，让整本书的内涵得到了极大的提升。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏处理得极为高明，它没有采用那种流水账式的编年体记录，而是巧妙地将历史的脉络与艺术思潮的演变编织成一张精密的网。作者在论述某个特定时期或流派的崛起时，总是能精准地抓住那个时代的核心矛盾与精神追求，而不是仅仅罗列作品和艺术家名字。比如，在探讨印象派的突破时，文字的跳跃性与那种捕捉瞬间光影的意境非常契合，读起来有一种跟随作者思路在历史画廊中穿梭的代入感。而且，即便是涉及晦涩的哲学思辨，作者也总能找到一个非常接地气、易于理解的切入点，使得原本可能让人望而却步的理论变得清晰流畅。这种讲故事的能力，让原本枯燥的艺术史学习变成了一种引人入胜的探索过程，你很少会觉得阅读中途需要停下来查阅背景资料，因为作者已经把必要的背景信息巧妙地融入了叙述之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格展现出一种独特的魅力——它既有学者的严谨逻辑，又充满了对艺术本身的热爱与激情。你会感受到作者在文字中流露出的那种对美学的坚定信仰，那是一种超越了时代局限的赞美与批判。不同于某些学术著作的冷峻刻板，这里的文字是富有温度和生命力的，仿佛作者正站在你的身边，用一种充满感染力的语气为你娓娓道来这些伟大灵魂的故事。尤其是在描述那些充满戏剧性的艺术人生片段时，作者的遣词造句充满了画面感和张力，让人忍不住想要立刻起身，去寻找书中所提及的那些艺术品进行印证。这种将情感融入分析的叙事手法，极大地拉近了读者与艺术史的距离，使得阅读过程成为一种情感上的共鸣体验。