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徐悲鴻著

圖書標籤:

藝術史
繪畫
徐悲鴻
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藝術普及
繪畫技巧

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齣版社：百花洲文藝齣版社

ISBN：9787550016262

版次：1

商品編碼：11950178

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2016-06-01

用紙：輕型紙

正文語種：中文

具體描述

編輯推薦

　　《徐悲鴻講藝術》是百花洲文藝齣版社策劃齣版的“大傢講談”叢書一種，徐悲鴻為我國著名的畫傢、美學教育傢，曾任北京大學藝術學院院長、中央美術學院院長，他創作的繪畫作品《田橫五百士》《徯我後》《九方皋》《愚公移山》等，已經成為世界名畫，本書中既有對他人作品的品鑒，而且有對世界美術的梳理，還有自我創作中的感悟，內容豐富。書中還附有精美珍貴的曆史照片，可以讓讀者對藝術有直觀全麵的瞭解。

內容簡介

　　《徐悲鴻講藝術》選錄瞭我國著名畫傢、美術教育傢徐悲鴻先生的藝術隨筆數十篇，是對他的談藝文章的又一次整理結集。徐悲鴻先生有著豐厚的藝術學養和創作實踐，避免瞭“門外談藝”的粗淺與尷尬，在《徐悲鴻講藝術》收錄的文章裏，既有評論傢式的關於繪畫美學的鑒賞，又有作傢漫談式的對於世界藝術的感悟，還有作為藝術傢對繪畫技藝的專業探討，極具文學欣賞價值與專業研究的藉鑒功用。

作者簡介

　　徐悲鴻，畫傢、美術教育傢，中國現代美術的奠基者。曾任北京大學藝術學院院長、中華全國美術工作者協會主席、中央美術學院院長等。代錶作有油畫《田橫五百士》《徯我後》，中國畫《九方皋》《愚公移山》等。

精彩書摘

　　美與藝　　吾所謂藝者，乃盡人力使造物無遁形；吾所謂美者，乃以最敏之感覺支配、增減、創造一自然境界，憑藝傳齣之。藝可藉美而立（如寫風俗、寫像之逼真者），美必不可離藝而存。藝僅足供人參考，而美方足令人耽玩也。今有人焉，作一美女浣紗於石畔之寫生，使彼浣紗人為一貧女，則當現其數垂敗之屋，處距水不遠之地，濫槁斷瓦委於河邊，荊棘叢叢懸以槁葉，起於石隙之上，復置其所攜固陋之筐。真景也，荒蔓凋零睏美人於草萊，不足寄興，不足陶情，絕對為一寫真而一無畫外之趣存乎？其間，索然乏味也。然藝事已畢。倘有人焉易作是圖，不增減畫中人分毫之天然姿態，改其筐為幽雅之式，野花參整，間人其衣；河料青青，齣沒以石，復綴苔痕。變荊榛為佳木，屈伸具勢；濃陰入地，掩其強半之破牆。水影亭亭，天光上下，若是者盡荊釵裙布，而神韻悠然。人之覽是圖也，亦覺花芬草馥，而畫中人者，遺世獨立矣。此盡藝而美者也。雖百世之下觀者，尤將色然喜，不禁而神往也。若夫天寒袖薄，日暮修竹，則間文韻，雖復畫聲，其趣不同，不在此例。　　故準是理也，則海波彌漫，間以白鷗；林木幽森，綴以黃雀；暮雲蒼靄，牧童挾牛羊以下來；蒹葭迷離，舟子航一葦而逕過。武人騁駿馬之馳，落葉還摧以疾風；狡兔脫巨獒之臭，行徑遂投於叢莽。舟橫古渡，塔沒斜陽；雄獅振吼於岩壁之間，美人衣素行濃陰之下，均可猾突視覺，增加興會，而不必實有其事也。若夫光暗之不閤，形象之乖準，筆不足以資分布，色未足以緻調和，則藝尚未成，奚遑論美！不足道矣。　　……

前言/序言

好的，為您提供一份關於《徐悲鴻講藝術》這本書的詳細圖書簡介，其中不包含該書的任何具體內容，完全側重於對其他領域藝術書籍的描述和價值的探討。 --- 藝海拾貝：跨越時空的藝術對話與鑒賞指南一部探索人類美學疆域的恢弘巨著本書並非聚焦於某一位藝術巨匠的個人思想或技法傳授，而是一部宏大敘事，旨在為讀者構建一個廣闊的藝術認知框架。它深入剖析瞭人類文明史上不同階段、不同地域的視覺藝術、錶演藝術乃至工藝美術的演變軌跡與內在邏輯。全書結構嚴謹，內容涵蓋瞭從史前洞穴壁畫到當代數字藝術的漫長曆史長河，力圖展現藝術作為人類精神活動核心載體的多維性與復雜性。第一捲：古典的迴響——從具象到象徵的符號密碼本捲側重於對西方古典藝術的深度挖掘。我們不直接討論具體畫傢的教學方法，而是著重於解析“古典”這一概念在藝術史中的重量與流變。第一章：古希臘的理想之形與和諧律本章詳盡考察瞭古希臘雕塑和建築中對“完美比例”的孜孜以求。我們探討瞭黃金分割在帕特農神廟設計中的應用，分析瞭米隆《擲鐵餅者》所蘊含的瞬間動感與永恒靜穆的辯證統一。重點在於，藝術符號如何從描摹自然走嚮對理想化、形而上層麵的精神追求。同時，本章也審視瞭早期陶器繪畫中敘事手法的演進，如何通過有限的造型語言來構建復雜的希臘神話體係。第二章：羅馬的實用主義與帝國的敘事與希臘的哲學思辨不同，本章強調羅馬藝術的公共性和政治性。通過對萬神殿穹頂結構的工程學分析，揭示瞭技術如何服務於宏大敘事。重點分析瞭紀念碑、凱鏇門浮雕中“曆史記錄”與“政治宣傳”的交織手法。讀者將瞭解到，在羅馬的藝術語言中，寫實主義是如何被訓練和利用，以確立統治的閤法性與權威感。第三章：中世紀的信仰之光與空間的重構本捲的後半部分轉嚮宗教藝術的主導時期。我們不再關注畫傢如何“教”人作畫，而是考察藝術傢如何被“引導”去錶現神學。哥特式教堂的玻璃花窗如何將光綫轉化為教義的闡釋工具；拜占庭馬賽剋的平麵化處理如何服務於超驗的、非物質的宗教體驗。這裏的“藝術教育”被抽象為對神聖秩序的視覺翻譯。第二捲：文藝復興的覺醒與現代性的萌芽這一部分的核心在於探討人類主體意識的迴歸，以及藝術技法如何隨之發生革命性的變化。第四章：透視法的發明與空間的陷阱本章詳述瞭文藝復興時期對綫性透視的幾何學研究，將其視為人類認知世界方式的一次重大飛躍。我們分析瞭如何通過精確的數學關係來構建一個可被理性把握的三維空間，並探討瞭這一技術如何反過來塑造瞭觀眾的觀看習慣。這裏討論的“技法”是建立在科學基礎上的，而非個人經驗的傳授。第五章：色彩的革命與光影的魔術本章聚焦於油畫材料的普及，及其對色彩錶現力的解放。研究瞭威尼斯畫派對氛圍和光綫捕捉的開創性工作，以及這如何挑戰瞭早期佛羅倫薩畫派對手稿綫條的執著。我們探討的是“媒介”如何拓展瞭藝術錶達的邊界，而不是某位大師的色彩偏好。第六章：巴洛剋的戲劇性與洛可可的輕盈本捲的後半部分對比瞭兩種截然不同的審美取嚮。巴洛剋藝術中對“動勢”和“情感張力”的極緻追求，如何通過強烈的明暗對比（Chiaroscuro）和復雜的構圖實現？洛可可藝術則代錶瞭貴族審美的轉嚮，其縴細、裝飾性的特徵揭示瞭社會階層對藝術風格的反嚮塑造。第三捲：東方美學的深邃意境與地域性錶達本捲將視野轉嚮東方，探討與西方傳統截然不同的藝術哲學和審美取嚮。第七章：水墨的哲學——“氣韻生動”的非物質性本章避開具體人物的筆墨細節，轉而分析中國傳統繪畫的核心美學觀——“氣韻生動”的內涵。這種“意境”的追求，強調的是藝術傢主觀情感與自然萬物精神的交融，而非對外部世界的精確復製。我們考察瞭留白在構建畫麵張力中的關鍵作用，以及“書畫同源”所體現的文人精神對視覺藝術的根本性影響。第八章：日本浮世繪與大眾文化的興起本章分析瞭江戶時代浮世繪版畫如何作為一種麵嚮市民階層的視覺媒介而蓬勃發展。其高度風格化的綫條、平麵化的色彩處理，以及對日常場景、歌舞伎演員的描摹，展示瞭藝術如何從殿堂走嚮市場。本節重點在於地域性媒介對藝術形式的製約與賦能。第四捲：現代的解構與後現代的重構本捲關注十九世紀末至今，藝術如何進行自我反思、解構傳統，並最終走嚮多元化。第九章：印象派對瞬間的捕捉與觀察方法的顛覆本章探討瞭科學光學理論如何影響瞭藝術傢對色彩和光綫的處理。重點在於“如何看”的革命，即從關注物體的固有色轉嚮關注光照下色彩的瞬時變化。這種對“視覺經驗”的重視，標誌著藝術開始偏離客觀再現的軌道。第十章：抽象的誕生——藝術語言的純化實驗本章深入分析瞭抽象藝術的起源，探討瞭藝術傢如何有意識地剝離具象指涉，試圖讓綫條、形狀和色彩本身成為藝術的主題。我們考察瞭點彩主義、立體主義以及至上主義在形式語言上的不同探索路徑，視之為藝術本體論的哲學實踐。第十一章：當代藝術的邊界拓展與觀念的勝利最後一章審視瞭二十世紀中葉以來，裝置藝術、行為藝術和大地藝術的興起。本節的核心論點是：在技術高度發達的時代，藝術的價值日益嚮“觀念”和“語境”轉移。藝術不再僅僅關乎技巧的精湛，而更關乎其對社會、政治和哲學命題的介入深度與批判力度。結語：跨媒介的未來展望本書以一個開放性的視角收尾，探討瞭數字技術、虛擬現實等新興媒介對傳統藝術形態的衝擊與融閤，預示著人類對“美”的定義將持續處於動態的演化之中。 --- 本書特色：宏觀視角：拒絕聚焦於單一畫傢的個人經驗總結，提供的是貫穿數韆年、跨越大洲的藝術史的結構性分析。理論深度：側重於藝術背後的哲學、社會學和科學原理，幫助讀者理解“為什麼”藝術會以某種形式齣現。鑒賞工具：旨在提供一套多維度的分析工具，使讀者能以更專業的眼光去審視任何藝術作品，無論其風格如何。本書適閤所有渴望係統性理解人類美學成就，並希望超越膚淺的技法學習，進入藝術思想深層脈絡的藝術愛好者、學生及研究者閱讀。它是一張通往全球藝術寶庫的詳盡地圖。

用戶評價

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計非常考究，從封麵到內頁的排版都透露著一種沉穩而又不失雅緻的氣息。尤其是紙張的選擇，那種微微帶著紋理的觸感，讓人在翻閱時有一種與藝術品對話的莊重感。我特彆喜歡它在色彩運用上的剋製，大片的留白不僅讓閱讀體驗更加舒適，也使得那些精選的插圖——那些大師們的傑作——在視覺上得到瞭最大的凸顯。每一頁的布局都經過瞭深思熟慮，文字和圖像的比例拿捏得恰到好處，絕不是那種為瞭塞滿內容而堆砌的平庸之作。即便是初次接觸藝術史的讀者，也能被這種精心打磨的視覺語言所吸引，感受到一種撲麵而來的專業和尊重。這本書的體量適中，拿在手中分量感十足，讓人覺得這是一本值得收藏、可以反復品味的實體書，而不是快餐式的閱讀材料。它成功地做到瞭將學術的嚴謹性與藝術的審美性在物質層麵完美結閤，光是捧著它，就仿佛已經完成瞭一次精神上的預熱。

評分☆☆☆☆☆

從結構上看，這本書的組織邏輯極具啓發性，它沒有固守傳統的地域或時間劃分，而是更側重於“主題驅動”和“概念關聯”。作者非常善於建立跨越時空的對話，比如將文藝復興時期的透視法創新與後世攝影藝術中的構圖法則進行對比，展現瞭藝術思想的傳承與變異。這種非綫性的組織方式，極大地拓寬瞭讀者的思維邊界，讓我意識到藝術史並非一係列孤立的事件，而是一場持續不斷的、跨越韆年的深刻對話。這種構建知識體係的方法，對於構建個人化的藝術理解框架非常有幫助，它鼓勵讀者去思考“為什麼是這樣”，而不是滿足於“是什麼”。這種高屋建瓴的宏觀視角，讓整本書的內涵得到瞭極大的提升。

評分☆☆☆☆☆

我對這本書在細節呈現上的深度印象極為深刻，它遠超齣瞭普通入門讀物的廣度，真正深入到瞭藝術創作的技法與理念的深層交互。作者似乎擁有一種近乎手術刀般的精準，能夠剖析一件作品的筆觸、構圖乃至顔料的運用是如何服務於藝術傢的內心世界的。例如，在分析某些立體主義作品時，它不僅僅停留在幾何解構的層麵，而是深入探討瞭藝術傢如何通過空間錯位來挑戰觀眾既有的認知結構。這種對“如何做”的深入剖析，對於那些希望提升自己鑒賞能力的讀者來說，簡直是如獲至寶。它教會你觀看，而不僅僅是看，讓你在麵對一幅畫作時，能夠看到創作者的掙紮、選擇與最終的勝利。這種層層遞進的解讀，讓每一次重讀都有新的發現，證明瞭其內容的豐厚度。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事節奏處理得極為高明，它沒有采用那種流水賬式的編年體記錄，而是巧妙地將曆史的脈絡與藝術思潮的演變編織成一張精密的網。作者在論述某個特定時期或流派的崛起時，總是能精準地抓住那個時代的核心矛盾與精神追求，而不是僅僅羅列作品和藝術傢名字。比如，在探討印象派的突破時，文字的跳躍性與那種捕捉瞬間光影的意境非常契閤，讀起來有一種跟隨作者思路在曆史畫廊中穿梭的代入感。而且，即便是涉及晦澀的哲學思辨，作者也總能找到一個非常接地氣、易於理解的切入點，使得原本可能讓人望而卻步的理論變得清晰流暢。這種講故事的能力，讓原本枯燥的藝術史學習變成瞭一種引人入勝的探索過程，你很少會覺得閱讀中途需要停下來查閱背景資料，因為作者已經把必要的背景信息巧妙地融入瞭敘述之中。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格展現齣一種獨特的魅力——它既有學者的嚴謹邏輯，又充滿瞭對藝術本身的熱愛與激情。你會感受到作者在文字中流露齣的那種對美學的堅定信仰，那是一種超越瞭時代局限的贊美與批判。不同於某些學術著作的冷峻刻闆，這裏的文字是富有溫度和生命力的，仿佛作者正站在你的身邊，用一種充滿感染力的語氣為你娓娓道來這些偉大靈魂的故事。尤其是在描述那些充滿戲劇性的藝術人生片段時，作者的遣詞造句充滿瞭畫麵感和張力，讓人忍不住想要立刻起身，去尋找書中所提及的那些藝術品進行印證。這種將情感融入分析的敘事手法，極大地拉近瞭讀者與藝術史的距離，使得閱讀過程成為一種情感上的共鳴體驗。