【XH】 素描的极限-静物素描的技法与教学-(修订版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李青 著

图书标签:

• 素描
• 静物
• 绘画
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店铺： 爱尚美润图书专营店

出版社： 安徽美术出版社

ISBN：9787539851785

商品编码：29489218165

包装：平装

出版时间：2014-09-01

基本信息

书名：素描的极限-静物素描的技法与教学-(修订版)

定价：98.00元

作者：李青

出版社：安徽美术出版社

出版日期：2014-09-01

ISBN：9787539851785

字数：

页码：183

版次：2

装帧：平装

开本：8开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《素描的极限：静物素描的技法与教学（修订版）》通过大量让人信服的绘画作品和具体创作实例为读者展现了写实素描的表现技法和教学内容，书中归纳和总结作者多年来在素描绘画领域的探索和成果，通过生动详实的论述和具体丰富的绘画教学案例为读者揭示了看似高不可及的写实素描的创作过程、方法和学习的价值。同时《素描的极限：静物素描的技法与教学（修订版）》从学生和老师两个角度分析剖析了学习素描的意义，总结了大量对学生极具实用价值的素描学习方法和绘画技巧，提出了一整套系统的写实素描教学理论。

目录

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序言
探索真理而非创造真理——小里素描教研探索之路

章 素描的实践
从小事做起方可驰骋万里——《猫头鹰》创作手记
我的龙头古瓦当——《带毛衣的静物》创作手记

第二章 首届素描研修班
吴砻的蜕变
朱细钦的再现素描
赵伟——从结构到写实

第三章 第二届素描研修班
象牙塔外的世界
专业外的痴迷
丢不下的情怀
研究之外的研究
毕业前的洗礼
通往梦想的阶梯

第四章 素描的新语言革命
实体造型
建模主义
刻骨力量
素描之原意

第五章 实践是检验真理的标准
第六章 小里素描艺术坊作品赏析
第七章 素描原来如此重要
后记
回首十年筑梦者李吉

作者介绍

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文摘

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序言

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《静物速写：捕捉瞬间的生命力》 一、 绘画的起点：为何是静物？ 静物写生，作为绘画学习的基石，其重要性不言而喻。它不像人物写生那样涉及复杂的心理刻画，也不像风景写生那样需要对自然光影和空间关系有深入的理解，但它却能以最纯粹、最直接的方式，训练我们观察物体的基本能力。一块水果、一束花、一个陶罐，这些平凡的物体，在艺术家眼中却能幻化出无穷的魅力。 静物写生，是认识和理解形体、结构、质感、光影的绝佳途径。通过对不同材质、不同形状的静物进行细致观察和描绘，我们可以逐步掌握物体在三维空间中的体积感，理解光线如何照射在物体表面，产生明暗、高光和投影，以及不同材料（如光滑的金属、粗糙的布料、晶莹的玻璃）所呈现出的独特质感。这些最基础的绘画语言，是构建一切复杂绘画的基础。 更重要的是，静物写生能够培养我们耐心、细致的观察习惯和严谨的造型能力。在追求形似的过程中，我们不得不放下主观的臆想，去“看”物体真实的样子。这种“看”并非简单的目光扫过，而是深入到物体的每一个细节，体会它的轮廓、它的转折、它的纹理。这种专注与投入，不仅能提升绘画技巧，更能涵养一颗宁静而敏锐的心。 二、 速写的魅力：捕捉稍纵即逝的灵感 相较于精雕细琢的写生，速写更像是一场与时间的赛跑，一次与灵感的亲密接触。它要求我们在短时间内，用最简洁的线条和最概括的笔触，捕捉对象的 essence（本质）和 dynamic（动态）。静物速写，同样如此。它并非粗糙的草稿，而是经过思考和提炼后的画面。 速写的精髓在于“写”。“写”是动词，是主动的出击，是线条的奔跑，是情绪的宣泄，是思想的表达。速写不是机械的复制，而是画家对对象经过一番快速判断、取舍后，用线条转化为视觉语言的过程。在静物速写中，这种“写”体现在对物体轮廓线的快速把握，对体积和动态的迅速判断，以及在最关键的位置点上，用简洁的笔触传达出物体的体量感和生命力。 速写可以帮助我们打破对细节的过度纠缠，学会抓住事物的关键特征。在有限的时间里，我们必须学会取舍，知道什么重要，什么可以忽略。这种训练，对于培养画家的画面组织能力、构图能力以及快速反应能力至关重要。一张成功的静物速写，不需要事无巨细的刻画，它能够通过寥寥数笔，让我们感受到水果的饱满，布料的垂坠，花朵的娇嫩，甚至空气中弥漫的微妙光影。 三、 从零开始：静物速写的实用入门 1. 认识你的工具： 铅笔： 从HB到2B，甚至4B，不同硬度的铅笔可以满足不同的线条需求。HB适合勾勒轮廓，2B和4B则能画出更丰富、更深邃的调子，表现暗部和体积。 素描纸： 稍有纹理的素描纸更能承载铅笔的痕迹，产生丰富的表现力。 橡皮： 一块好用的橡皮，不仅能擦除错误，更能擦出亮部，塑造高光。 2. 从简单的静物开始： 单一物体： 从最基本的几何体开始，如球体、方体、圆柱体。这些物体能帮助我们理解最基本的形体和体积。 水果和蔬菜： 苹果、梨、橙子、番茄等，它们的形态各异，质感也丰富，是练习形状和质感的绝佳素材。 简单的器皿： 杯子、碗、花瓶等，它们的线条相对规律，有助于练习造型和透视。 3. 速写的基本步骤： 构图与取景： 快速确定画面中物体的摆放位置和大小。考虑画面的平衡感和视觉焦点。 概括轮廓： 用轻而流畅的线条，快速勾勒出物体的大致轮廓。不要被细节束缚，先抓住整体形状。 确定基本体积： 通过辅助线或明暗交界线，快速表达物体的三维感。理解光线来源，区分亮部、灰部和暗部。 添加关键细节： 在基本形体确立后，用更肯定、更具表现力的线条，添加能体现物体特征的关键细节，如纹理、折痕、高光等。 调整与完善： 快速检查画面整体效果，对比例、透视、虚实关系进行微调。适当地利用橡皮提亮暗部。 四、 深入探索：让你的静物速写“活”起来 1. 质感的表现： 光滑表面： 金属、玻璃等，用干净利落的线条，配合精准的高光，来表现其反射性和光泽感。 粗糙表面： 布料、木头、石头等，通过点、线、面的结合，以及不同方向的排线，来模拟其肌理和粗糙的触感。 半透明与透明： 玻璃杯中的液体、水果内部的纹理，需要通过不同程度的灰调和留白来表现。 2. 光影的运用： 光源方向： 明确光源来自何方，以及它如何影响物体的受光面、背光面、投影。 明暗对比： 运用深浅不一的铅笔，以及擦拭、揉搓等手法，制造丰富的明暗层次。 投影的绘制： 投影是连接物体与画面的重要纽带，画好投影能增强画面的空间感和稳定感。 3. 动态的捕捉： 物体之间的关系： 静物并非孤立存在，它们之间会相互遮挡、相互呼应。要注意表现这种空间关系。 “生命感”的注入： 即使是静止的物体，也可以通过巧妙的构图、微妙的笔触，赋予它们一种“呼吸感”或“姿态”。例如，倾斜的杯子，错落的花瓣，都能打破僵硬，增添生机。 速度的象征： 在速写中，线条的快慢、虚实本身就带有速度感。流动的线条可以表现布料的飘逸，粗犷的线条可以表现物体的厚重。 4. 构图的巧思： 黄金分割与三分法： 运用这些经典的构图原则，让画面更具视觉冲击力和美感。 主次关系： 明确画面中的主体和陪体，突出主体，烘托陪体。 引导线： 利用物体本身的线条或投影，引导观者的视线在画面中游走。 打破对称： 适当地打破对称，增加画面的趣味性和变化。 五、 持续的练习：从量变到质变 绘画是一门实践的艺术，再多的理论也无法替代亲手的描绘。静物速写，更是一个需要长期坚持和反复练习的过程。 坚持每日速写： 哪怕只是几分钟，也要每天拿起笔来画。从身边最简单的物品开始，积累素材和经验。 带着问题去画： 在练习中，随时思考：这次我在表现什么？哪里做得不够好？下次如何改进？ 学习与模仿： 欣赏优秀的静物速写作品，分析它们的构图、用线、明暗处理。从中汲取灵感，但切记不要照搬，而是理解其精髓，融会贯通。 勇于尝试： 不要害怕犯错，每一次的尝试都是一次进步。敢于挑战更复杂的物体和更具挑战性的光影。 保持热情： 绘画的乐趣在于创造和表达。找到你对静物写生的热情所在，享受在这个过程中获得的成就感。 《静物速写：捕捉瞬间的生命力》这本书，将引领你从最基础的笔触开始，一步步探索静物速写的奥秘。它不仅仅是技法的传授，更是对你观察力、造型能力和艺术感觉的全面提升。通过对静物的细致描绘，你将学会如何在平凡中发现美，如何在瞬间捕捉生命力，并将这份感悟转化为独具个性的视觉语言。这是一条充满挑战但同样充满惊喜的艺术之路，愿你在这条路上，找到属于自己的那份纯粹与快乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书，尤其是它的“修订版”名头，让我觉得它一定是在原有基础上做了不少改进和深化，这对于一个希望在素描技法上有所突破的读者来说，是极具吸引力的。我一直在寻找那种能够真正触及素描“本质”的材料，而非流于表面的技巧堆砌。《素描的极限-静物素描的技法与教学》这本书，恰恰满足了我这种需求。我尤其关注书中关于“极限”二字的解读，它不仅仅是技术上的极致，更是对观察力、理解力以及表现力的全方位提升。我花了大量时间去研究书中关于“空间塑造”的部分，作者是如何通过明暗、虚实、冷暖等多种元素，将原本平面的二维画面转化为具有深度和层次感的立体空间。书中对不同景深的处理，比如前景的清晰锐利与后景的模糊柔和，以及它们之间光影的呼应和对比，都给了我极大的启发。我记得有几页专门讲解了如何通过笔触的质感来表现环境的氛围，比如空气的湿度、光线的强弱，这些细微之处的描绘，往往是决定一幅作品是否生动的关键。我一直在思考，如何将书中关于“虚实结合”的理念运用到我自己的创作中，让画面既有扎实的细节，又不失灵动的气息。这本书的深度和广度，让我觉得它不仅仅是一本技法指南，更像是一场关于视觉语言的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

这本关于素描的书，我当初是带着一股冲劲买回来的，想着要突破自己的瓶颈。我一直觉得自己的静物素描总是少了点“灵魂”，画面总是显得呆板，缺乏那种触手可及的质感。这本书的书名《素描的极限》和副标题《静物素描的技法与教学》听起来就非常专业，而且还是修订版，这让我觉得作者在不断打磨和完善内容。我花了很长时间翻阅，尤其是关于光影的处理，书中很多案例都展示了如何通过细腻的光影变化来塑造物体的体积感和空间感，比如金属的反射、丝绸的光泽、水果的透明感等等，这些细节的处理让我大开眼界。我特别留意了其中关于不同材质表现的章节，作者用了大量的篇幅去讲解不同材料的纹理、反光度以及如何用笔触去模拟它们。我记得其中有一个例子，描绘的是一组老旧的铜器，铜器表面的氧化痕迹、磨损的纹路，以及那种深沉而又带有微弱反光的质感，作者的讲解非常到位，让我对如何用炭笔或铅笔去刻画这些细节有了更清晰的认识。另外，在构图方面，书里也提供了不少经典的构图范例，并且分析了不同构图方式所带来的视觉效果，这对我之前随意摆放物体的情况有了很大的改观，让我开始思考如何在画面中引导观众的视线。虽然我还没有完全消化书中的所有内容，但仅仅是阅读和学习这些技法，就已经让我对静物素描有了新的理解和方向，感觉离“极限”又近了一步。

评分☆☆☆☆☆

当我拿到这本【XH】 素描的极限-静物素描的技法与教学-(修订版) 的时候，我的第一反应是它厚重而又充满了专业性，感觉像一本武林秘籍。我一直觉得自己的素描水平停滞不前，就像被困在一个瓶颈里，怎么努力都无法突破。这本书从标题就透着一股“挑战极限”的意味，让我跃跃欲试。我一开始就冲着“技法”的部分去的，书中关于不同材料的质感表现，简直是我的福音。我之前画金属总是画得死板，画布料也缺乏飘逸感。书中对不同笔触的运用，对光影的细腻分析，让我学到了很多。特别是关于金属的刻画，作者详细讲解了如何通过高光的处理，以及阴影部分的微妙变化，来表现金属的光泽感和体积感。我花了很长时间去模仿书中的案例，比如画一个金属质地的水果盘，如何表现出它光滑的表面和反射出的周围景物。还有关于不同纹理的描绘，比如木头的纹理，石头表面的粗糙感，我都从书中得到了很多启发。我发现，原来很多之前看起来很困难的细节，都有其内在的规律和表现方法，只要掌握了这些方法，就能事半功倍。这本书让我觉得，素描不仅仅是画得像，更重要的是要画出物体的“灵魂”和“质感”，而这本书恰恰是在这方面给予了我极大的帮助。

评分☆☆☆☆☆

这本《素描的极限》给我带来了全新的视角。我一直认为素描的练习应该是枯燥乏味的，是机械地重复和模仿，但这本书打破了我的这种认知。它强调的“教学”过程，更多的是一种启发和引导，让我学会用“眼睛”去观察，用“心”去感受。我非常喜欢书中关于“情感注入”的章节，作者是如何通过对静物的细致描绘，传达出一种情绪或者故事感。我记得书中有几幅作品，描绘的是一些日常的静物，比如一个空的咖啡杯，一个泛黄的日记本，但通过作者精准的笔触和光影处理，却能让人感受到一种淡淡的忧伤或者温暖的回忆。这让我意识到，素描不仅仅是形和色的游戏，更是情感的载体。我一直在努力尝试将这种“注入情感”的理念融入到我的练习中，不再仅仅是机械地复制物体的外形，而是去揣摩物体的“性格”和“故事”。书中的许多案例，都展示了作者如何将自己的观察和理解，巧妙地融入到笔触和构图中，让画面充满生命力。我还在学习书中关于“动态平衡”的构图原理，如何让画面中的元素在视觉上保持一种和谐而又充满张力的状态，而不是死板地排列。这本书让我看到了素描的更多可能性，也让我对自己的创作有了更深的期待。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《素描的极限》时，我其实有点忐忑。我一直对素描的“技法”这两个字有点望而却步，总觉得那是需要天赋和多年苦练才能掌握的东西，而我总觉得自己是属于那种“手残党”的行列。不过，书名里的“教学”二字又给了我一丝希望，我希望这本修订版的书能像一位耐心的老师，一点一点地教我怎么画。翻开书，我首先被那些精美的插图吸引住了，每幅作品都非常写实，而且非常有力量感。我尝试着跟着书中的一些步骤来练习，比如关于线条的运用，之前我总是凭感觉画，线条粗细、虚实都不太讲究。书里详细讲解了不同笔触所能产生的效果，比如用轻柔的线条勾勒轮廓，用果断的线条表现物体边缘的硬度，再用细腻的擦拭来表现光滑的表面。我记得有个小练习是画一个简单的玻璃杯，作者一步步教我如何通过线条的疏密和粗细来表现玻璃的透明度和折射，还有如何用擦笔去晕染，让光影过渡得更自然。虽然我的初次尝试并不完美，但相比之前，我能明显感觉到画面有了立体感。让我印象深刻的是，书中并没有一上来就讲复杂的静物组合，而是从最基础的物体（比如球体、立方体、圆柱体）的光影表现入手，循序渐进，这种教学方式对我这种初学者非常友好。我还在揣摩书中关于“形体概括”的章节，如何用简单的几何体去理解复杂的物体形状，这对我建立整体的观察能力非常有帮助。