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张绍敦 著

图书标签:

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• 中国画
• 艺术研究
• 绘画技法
• 艺术史
• 美术理论
• 艺术风格
• 写意画
• 油画技法

店铺： 华下博文图书专营店

出版社： 文化艺术出版社

ISBN：9787503961786

商品编码：29565746366

包装：平装

出版时间：2016-08-01

基本信息

书名：油画写意性研究

定价：39.00元

作者：张绍敦

出版社：文化艺术出版社

出版日期：2016-08-01

ISBN：9787503961786

字数：

页码：342

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《油画写意性研究》作者侧重于中西方绘画理论框架的中国部分，对原生于中国文化本源的“写意”在油画的时代风采和艺术语言、油画写意性的典范作品与当代油画写意性实践中所显现出的主体倾向进行分析和考证，在比较与研究中进一步找到认识这种艺术规律的正确途径，为今后油画的发展建立了理论根据和实践基础。

目录

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序
导论：研究范围与研究目的

章 中国油画的写意性
节 油画写意性的艺术特色
一、定义油画写意性的方法与途径
二、经典作品研究
三、相关理论及艺术主张
第二节 油画写意性的文化内涵
一、对传统文人绘画思想的继承
二、对自然物象的诗意表达
三、油画写意性与地域环境的关系
第三节 源自文化品格的评介体系
一、民族审美意识的存在与发展
二、油画写意性的实践进程
三、油画的时代风采与艺术语言

第二章 油画写意性的形式语言与艺术风格
节 油画写意性的风格特点
一、“风格即人”
二、风格与格调
三、各种艺术在联系中发展
第二节 油画写意性的审美特征
一、气象与意韵
二、写形与写意
三、情绪与节奏
四、抒情与象征
第三节 油画写意性的艺术手法
一、结构服从主题的需要
二、语言的情感性与形象性
三、形象的可感性与概括性

第三章 油画写意性现状分析
节 对中国油画写意性的不同理解
一、融汇与互通的观点
二、处于初级阶段的说法
三、“民族化”的继续发展
四、传统写意精神的重释
第二节 油画写意性的研究现状
一、油画写意性与中国美术的本体发展
二、油画写意性与东西方艺术传统
三、油画写意性与现实社会的关系
第三节 油画写意性的学术化
一、以传承与发展为主导的理论前提
二、油画写意性的文化选择与知识比较
三、油画写意性作为术语的问题

第四章 在界定与追问中不断发展
节 油画写意性的方法论与艺术观
一、“写意”油画与油画的“写意性”
二、矛盾与“矛盾的统一性”
三、理解“真实”与要求“真实”
第二节 油画写意性的时代贡献及意义
一、以人文主义精神孕育的审美理想
二、油画的新形式与多样化
三、文化多元格局中的民族传统理念
第三节 油画写意性的当代发展
一、20世纪90年代后的写意群体
二、目前存在的主要问题

结语
附录 中国油画作品图例
参考文献
后记

作者介绍

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张绍敦，1967年生。1987—1988年在中央美术学院油画系进修班学习。1988—1992年在天津美术学院油画系学习，获学士学位。1997—1999年在中央美术学院油画系第十届油画研修班学习。2007—2013年在中央美术学院造型艺术研究所攻读艺术实践类博士研究生。研究方向为中国美术发展与传承的理法。现为新疆艺术学院美术学院副教授。油画作品先后参加“可见之诗一第二届中国油画写生作品展”、中央美术学院造型艺术研究所“2007届毕业作品观摩展”、“拓展与融合——中国现代油画研究展”、“中央美术学院油画系第十届油画研修班毕业作品展”等，并举办个人画展。论文及油画作品发表于《美术研究》、《美术观察》、《中国油画》、《美术》、《美术界》、《新疆艺术》、《新疆艺术学院学报》等。

文摘

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序言

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探寻色彩的呼吸与光影的律动：西方现代绘画的视觉哲学 一、 绪论：现代艺术的视觉觉醒 本书旨在深入剖析自印象派兴起以来，西方现代绘画在形式语言、笔触运用以及观念表达上所经历的深刻变革与哲学转向。我们不再仅仅满足于对客观物象的精确摹写，而是将画布视为内心世界的投射场域，是艺术家个体精神与时代精神激烈碰撞的熔炉。从对光线的科学解析到对内在情感的强烈释放，现代绘画的演进史，就是一部视觉认知不断被拓宽、艺术本体论被持续颠覆的历史。我们将聚焦于那些奠定现代艺术基石的关键运动，探究它们如何挑战既有的美学范式，并为后世艺术的无限可能铺设了道路。 二、 印象派的瞬间捕捉与感官解放 印象主义的诞生，标志着绘画从传统学院派的束缚中挣脱出的第一声呐喊。莫奈、雷诺阿等先驱者，将画架从室内搬至户外，他们的关注点不再是描绘事物的固有色彩，而是捕捉光线在特定时间、特定天气下投射在物体上的瞬时色彩变化。 本章将细致分析印象派画家如何运用分离色法与并置法，使颜料在观众的视网膜上重新融合，创造出前所未有的视觉“振动感”。我们将深入研究特纳（J.M.W. Turner）晚期作品中对光与大气近乎抽象的处理，这已经预示了未来对形式的解放。印象派的革命在于，它确立了主观的视觉感受在艺术创作中的首要地位，肯定了“眼睛所见”的真实性高于“头脑所知”的既有观念。这种对感官经验的重视，极大地拓宽了绘画的题材与表现范围，使日常景象焕发出惊人的生命力。 三、 后印象主义的结构重塑与情感注入 如果说印象派是关于“看”的科学，那么后印象主义则是对“看”的心理学和结构学的回归。塞尚、梵高和高更，在吸收了印象派的色彩成就后，开始反思其过于松散的结构性弱点，试图在感官愉悦与理性秩序之间建立新的平衡。 塞尚对几何形体的还原（圆柱体、球体、圆锥体）不仅是形式上的探索，更是对客观世界深层结构的哲学追问，他的多重视角预示了立体主义的到来。梵高的色彩运用则彻底转向了内在精神的表达，他的笔触不再是描绘光影，而是成为情感的直接流淌，扭曲的线条和强烈的对比色，构筑了一个燃烧的内心宇宙。高更则转向了象征主义，他运用平面化的色块和非自然的色彩，探索异域文化和原始情感，强调“色彩的象征性”而非“色彩的写实性”。本章将重点分析这些艺术家如何通过对笔触、线条和色彩的“有目的的变形”，为现代艺术注入了强大的情感张力与结构张力。 四、 野兽派与表现主义：色彩的内在爆发力 进入20世纪，艺术的表达进入了彻底的自由阶段。野兽派（Fauvism）以其大胆、近乎暴力的色彩运用震惊了巴黎画坛。马蒂斯（Henri Matisse）及其同侪，彻底抛弃了自然色，将色彩作为独立于物象的情感载体。红色可以用来表达激情，绿色可以用来表达宁静，色彩的功能完全被解放，成为画面中最直接的叙事者。 紧随其后，源自德国的“桥社”（Die Brücke）和“蓝骑士”（Der Blaue Reiter）等表现主义团体，则将这种内在的张力推向了更深层次的焦虑与反思。他们的作品充斥着对都市异化、社会压迫以及个体孤独的深刻体验。基希纳、席勒和蒙克（虽稍早，但影响深远）的作品中，人物形象的夸张、线条的粗粝、以及病态的色调，构建了一个充满内在冲突和精神痛苦的艺术空间。本章将对比野兽派的“装饰性解放”与表现主义的“痛苦性宣泄”，探讨色彩如何从描绘外部世界转向剖析人类深层心理结构。 五、 立体主义的维度解构与形式革命 立体主义（Cubism）是20世纪艺术史上最激进的哲学和视觉革命之一。毕加索和布拉克对传统单点透视的颠覆，并非仅仅是形式的趣味游戏，而是对西方文艺复兴以来主导视觉艺术的“可知论”的深刻质疑。 我们将细致考察从分析立体主义到综合立体主义的演变过程。分析立体主义通过将物体分解为无数个相互关联的几何碎片，并在二维平面上重新组合，尝试在同一画面中呈现物体在不同时间点和不同视角下的所有信息，这实质上是对人类时间与空间认知的一次维度挑战。综合立体主义引入拼贴（Collage）元素，模糊了“绘画材料”与“现实材料”的界限，进一步探讨了艺术的真实性边界。立体主义的贡献在于，它使“观看”成为一个主动的、智力构建的过程，将画布转化为一个思考物体的结构与存在方式的实验室。 六、 抽象艺术的诞生与纯粹形式的追求 随着具象的逐渐瓦解，艺术的目光最终聚焦于线条、形状和色彩本身的内在逻辑。康定斯基的抒情抽象和马列维奇的至上主义，代表了对“非再现性”艺术的终极探索。 康定斯基（Wassily Kandinsky）认为色彩和线条具有与音乐相通的“精神震动”，他的作品旨在唤起观者无需依赖任何外部参照物的纯粹情感共鸣。而马列维奇的《白底上的黑方块》，则是将艺术语言简化到极致，追求一种超越物质世界、达到纯粹精神境界的“零度形式”。本章将探讨这些先驱者如何通过彻底放弃对世界的模仿，将画布变成一个展示形式自身规律和精神本体的纯粹场域，从而为抽象表现主义及后来的极简主义奠定了不可磨灭的理论和视觉基础。 七、 结语：现代绘画遗产的持续影响 现代绘画的历程是一部不断“否定之否定”的辩证发展史。从对光线的捕捉到对结构的解构，再到对内在精神的呐喊和对纯粹形式的追求，每一场运动都以独特的方式挑战了我们对“什么是绘画”的既有认知。这些探索不仅丰富了视觉艺术的词汇表，更深刻地影响了我们理解世界、感知现实的方式。它们共同构建了一个充满活力、永不停歇的当代视觉哲学体系。本书的阅读，将引导读者领略这些伟大艺术家如何在画布上，以色彩和线条为武器，完成了对人类视觉经验的深刻革命。

评分☆☆☆☆☆

初读《油画写意性研究》，我以为它会是一本关于油画技术实践的书籍，可能会包含大量的作画步骤、色彩理论或者构图分析。然而，这本书的内容远远超出了我的预期，它更像是一次深刻的艺术哲学探讨。作者并没有局限于技法层面，而是将“写意”这一概念置于更广阔的文化和哲学语境下进行考察。书中对中国传统哲学中“道”与“象”、“形”与“神”的阐释，以及这些观念如何影响了中国绘画的发展，都有着详尽的论述。随后，作者便将这种写意精神的内核，与西方油画艺术史上的诸多重要转折点进行对比分析。他并没有简单地将西方油画比作“形似”，而是挖掘出其中同样存在的对“意”的追求，比如印象派对瞬间感受的捕捉，野兽派对色彩的主观运用，以及表现主义对情感的强烈抒发。这种跨文化的对话，让我看到了不同艺术体系之间共通的精神追求，也让我重新审视了油画作为一种艺术语言的无限可能性。书中的论证严谨，引证丰富，读来既有学术的深度，又不失艺术的感染力，是一本值得反复品读的佳作。

评分☆☆☆☆☆

我最近翻开了一本名为《油画写意性研究》的书，虽然书名让我对油画的某些技法和理念产生了好奇，但实际阅读后，我发现它所探讨的远不止是简单的笔触和色彩堆叠。作者以一种相当宏观的视角，将写意精神与中国传统哲学思想巧妙地融合。书中反复提及的“气韵生动”并非一个空洞的口号，而是通过对历代画论的梳理，以及对西方油画发展脉络的反思，层层递进地揭示了这种内在精神如何体现在绘画创作之中。让我印象深刻的是，作者并非简单地罗列理论，而是穿插了大量的案例分析，从梵高的狂放笔触，到莫奈的光影变幻，再到近现代中国油画家的探索，都成为了论证其观点的生动注脚。读者在阅读过程中，会被引导去思考，究竟是什么让一幅画不仅仅是“像”，而是能够“传神”，能够触动观者的心灵深处。这种跨越文化和时代的对比分析，极大地拓展了我对绘画艺术的理解边界，让我意识到写意性并非局限于水墨，而是可以渗透到任何一种艺术媒介之中，关键在于如何把握那种“遗貌取神”的创作精髓。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书名《油画写意性研究》让我联想到一些关于油画技法或者色彩运用方面的学术著作，我以为它会详细介绍如何运用油画媒介去表现某种“写意”的风格，比如笔触的粗犷、色彩的碰撞，或者对物象的简化处理。然而，实际阅读后，我才发现这本书的立意更为宏大和深入。作者并没有止步于对油画“写意”的表面现象进行描述，而是将其上升到了对艺术本体和创作精神的探讨。他首先梳理了“写意”在中国传统艺术中的渊源和发展，并深入剖析了其中蕴含的哲学思想和文化基因。接着，他便将目光投向了西方油画艺术，试图从中发掘出同样存在的“写意”的特质。这种跨文化的对比并非简单的“形似”或“神似”的比较，而是着重于挖掘不同艺术形式背后对生命、情感和精神世界的独特表达。作者通过大量的艺术史案例和理论分析，展现了写意精神如何在油画的演变过程中悄然渗透，并成为连接东西方艺术的一条隐秘的线索。阅读过程让我不断跳出固有的思维模式，去重新理解艺术的本质和表达的多样性。

评分☆☆☆☆☆

拿到《油画写意性研究》这本书时，我首先想到的是它可能会介绍一些油画的特殊表现手法，比如说如何通过概括性的笔触或者大胆的色彩来营造一种“写意”的氛围，类似于中国水墨画的写意风格在油画中的应用。然而，这本书的内容却远远超出了我对“技法”的狭隘理解。它更像是一次对“写意”精神内涵的深度挖掘，并将这种精神的普适性置于东西方艺术的宏观视角下进行考察。作者首先回溯了“写意”在中国艺术史上的深厚根基，并将其与中国传统哲学中的美学观念紧密联系。随后，他则以一种开放的姿态，将油画艺术作为重要的论述对象，试图在西方油画的发展脉络中寻找与“写意”精神相契合的痕迹。他并不是强行将写意概念套用在油画上，而是通过分析诸如印象派、表现主义等流派对色彩、笔触以及情感表达的独特处理方式，来论证“写意”作为一种超越具体媒介的艺术追求，是如何在不同文化语境下以不同的面貌呈现出来的。这本书极大地拓宽了我对油画艺术的理解，让我认识到艺术的生命力在于其精神内核，而不仅仅是表面的技巧。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来了非常大的启发，让我对油画的理解进入了一个全新的维度。我原以为《油画写意性研究》会聚焦于某种具体的绘画技法，比如如何运用排笔、刮刀，或者不同颜料的调和技巧。但它却将重心放在了“写意”二字所蕴含的精神层面。作者深入浅出地阐释了“写意”在中国艺术史中的重要地位，并试图将其与西方油画的某些表现手法进行对话。他并没有生硬地将两者嫁接，而是通过分析油画在不同时期、不同流派中体现出的“意”的痕迹，来论证写意精神的普遍性和生命力。比如，在谈到印象派对光影瞬间的捕捉时，作者就将其与中国画中对“神”的追求联系起来，强调了对客观物象背后内在生命力的关注。这种跨文化的解读，让我对许多耳熟能详的西方油画作品有了新的认识，仿佛打开了一扇扇尘封的窗户，看到了它们背后更深层的文化意涵。阅读过程并非轻松的知识灌输，而是充满了引导性的思考，促使我去审视自己对艺术的固有认知，并不断进行内观和反思。