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[美] 梅利莎·布鲁德（MelissaBruder） 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550262386

商品编码：10089472018

出版时间：2016-02-01

作  者:(美)梅利莎·布鲁德(Melissa Bruder) 等 著;刘亚,马潇婧 译 著作 定  价:42 出 版 社:北京联合出版公司 出版日期:2016年02月01日 页  数:91 装  帧:精装 ISBN:9787550262386 ●暂无

内容简介

暂无

舞台之光：演员的内在修行与技术革新 书籍简介 本书并非一部侧重于舞台走位、台词技巧或特定流派（如斯坦尼斯拉夫斯基体系、梅耶荷德形体剧等）的实用指南。它深入探讨的是表演艺术更深层的哲学根基、演员的心理构建，以及在当代多元媒介环境中，如何保持表演艺术的生命力与真实性。本书旨在引导有志于此道的学习者，跳脱出单纯的“技术模仿”范畴，转而进行一场彻底的“自我认知”与“世界理解”的修行。 第一部分：存在的剧场——重塑演员的本体论 本部分将表演的场域从物理舞台拓展至存在的空间。我们探讨的不是如何“扮演”角色，而是如何“成为”角色——在特定的时空维度下，使自我的意识与角色的命运产生共振。 1. 沉默的语言与身体的潜意识 表演的张力往往存在于被抑制的部分。本章将分析身体如何存储记忆与情绪，以及演员如何通过深度的放松与专注，激活这些深埋的潜意识材料。我们将考察形体训练的真正目的：并非为了增加柔韧性，而是为了消除身体的“习惯性防御”，使身体成为一个更加敏感、更少过滤的接收器。探讨非语言交流中，微表情、呼吸的细微变化如何承载比台词更丰富的信息。 2. “在场”的悖论：真实与虚构的交界 什么是“在场感”？它不是一种技巧，而是一种精神状态——一种对当下瞬间的绝对接纳。本书将深入分析亚里士多德以来对“模仿”的定义，并提出在当代语境下，演员如何在高度结构化的剧本中，保持即兴的、鲜活的“生命力”。我们将引入“观看者的凝视”理论，探讨观众的期待如何反作用于演员的表演，以及如何平衡这种外部压力，保持内在的驱动力。 3. 时间的感知与节奏的解构 戏剧或电影的节奏并非完全由导演或剪辑决定。演员对内部时间的感知，即“心流时间”，是决定表演松弛或紧张的关键。本章将通过分析经典悲剧与现代荒诞剧中的时间处理差异，指导演员如何根据情境、人物的心理状态，自由伸缩和扭曲感知上的时间流速，从而创造出具有独特韵律感的表演。 第二部分：符号的构建——媒介与角色的适应性 随着媒介的演进，演员需要掌握的不再是单一维度的表演法则。本部分聚焦于如何将内在的“真实性”有效地转化为适应不同传播载体的语言。 4. 镜头的冷峻审视：从舞台到银幕的尺度革命 舞台表演需要扩张和投射，而电影表演则要求极致的内敛和精确。本书将详细剖析景别（特写、中景、全景）对表演能量的截取方式。重点探讨“眼戏”的训练方法，即如何通过眼神的聚焦和散焦，在不移动面部肌肉的情况下，传递复杂的情感层次。分析声音如何在麦克风前被“放大”或“扭曲”，以及如何根据收音距离调整发声的密度。 5. 虚拟现实与未来表演空间 本章探讨新兴技术对表演的冲击。在动作捕捉（Mo-Cap）、虚拟角色（Avatar）的表演中，演员的“身体”被数字化的“皮肤”所取代。我们探讨的是，当演员的物理形体不再是唯一的媒介时，表演的“灵魂”——意图、情感的轨迹——如何被有效地“编码”和“传递”。这要求演员发展出一种更为抽象和概念化的表演思维。 6. 集体创作的去中心化：当演员成为叙事者 当代戏剧越来越强调非线性叙事和打破“第四堵墙”的尝试。本书将分析在集体创作（Devised Theatre）中，演员如何从被动的“角色诠释者”转变为主动的“意义建构者”。讨论即兴生成材料（Improvisation Generation）的结构化方法，以及演员如何在没有固定剧本的情况下，维持叙事的连贯性和主题的深度。 第三部分：角色的伦理与演员的责任 表演不仅是技术实践，更是对人类境况的深刻反思。本部分关注演员在扮演边缘化或复杂人性时所承担的道德与文化责任。 7. 历史的幽灵：扮演“他者”的审慎 扮演基于真实历史人物或特定文化背景的角色，要求演员超越简单的模仿或“代入感”。本章侧重于研究者的心态，强调对背景材料的深度挖掘、对文化敏感度的培养。探讨如何避免“文化挪用”或“刻板印象化”的陷阱，确保表演是对复杂人性的尊重，而非肤浅的标签化。 8. 情绪的边界与自我保护机制 表演艺术要求演员反复进入强烈的情感状态。本书审视了这种高强度的情感劳动对演员心智的潜在风险。讨论“情感记忆”的局限性与危险性，并提出一套成熟的“情感回收”机制，确保演员能在谢幕或杀青后，有效地区分自我与角色，维持心理健康和艺术的长期可持续性。 9. 艺术的非功利性追求 在商业化日益深入的演艺生态中，如何坚守艺术的纯粹性？本章鼓励演员将目光投向那些不为市场或流量驱动的项目，关注那些能够拓展人类想象边界、挑战既有认知结构的作品。探讨如何培养一种“内在的标尺”，以衡量作品的艺术价值，而非仅仅是商业回报。 结语：永不止息的探寻 表演艺术的魅力在于其永恒的动态性。这本书并非提供终极答案，而是一份邀请——邀请每一位阅读者，将自身的生命经验作为最核心的“剧本”，持续地、勇敢地，走向未知的舞台。真正的训练，是日复一日对“我是谁”和“世界如何运作”的深入追问。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本书的时候，心里其实是抱着一丝怀疑的。市面上关于表演的书籍汗牛充栋，大多是故作高深或者老生常谈。然而，这本书的叙事风格却出乎意料地平易近人，它更像是一位经验老到的导师在咖啡馆里跟你进行一次深入的对谈。作者的笔触非常细腻，特别是在探讨“即兴创作中的‘给予与接受’”这部分，简直是神来之笔。他没有用那些晦涩难懂的术语来堆砌篇幅，而是用一系列生活化的场景来阐述核心理念。我记得书中有一个观点让我醍醐灌顶：最好的即兴不是“创造”什么，而是“发现”什么。这完全颠覆了我过去认为即兴就是靠“抖机灵”的看法。书里还穿插了许多排练室里的“失败案例”，这些坦诚的分享比任何完美的范本都来得有价值，它让你明白，犯错并不可怕，可怕的是不知道为什么会错。阅读过程中，我常常需要停下来，不是因为内容太难，而是因为触动太深，需要时间去消化和反思自己过往的表演片段。对于那些在角色构建中感到迷茫的同行来说，这本书就像一盏指路的明灯，它不仅教你如何表演，更引导你如何去“成为”那个角色，关注点从技巧转向了内在的生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性绝对是教科书级别的，但奇怪的是，读起来却一点都不枯燥，这得益于它巧妙地融合了心理学和人类学的一些前沿理论。我尤其欣赏它对“非语言沟通的文化差异”这一块的深入剖析。作者非常敏锐地指出了在跨文化交流的舞台表演中，手势、空间距离（Proxemics）乃至色彩的象征意义是如何产生巨大偏差的。这对于我们这些经常需要参与国际合作项目的演员来说，简直是雪中送炭。书中引用了大量的研究数据和图表来佐证观点，使得论述逻辑链条非常完整，让人无法反驳。此外，它对“潜意识驱动力在角色选择中的作用”这一章节的探讨，更是引发了我对自身表演偏好的深刻反思。它不仅仅停留在“我喜欢演什么”，而是追问“我为什么会倾向于选择这类角色”，这种由外向内的探索，极大地拓宽了我的戏路。如果你只是想找一本速成的“表演秘籍”，这本书可能不太适合，但如果你想构建一个坚实、有理论支撑的表演体系，并愿意投入时间进行深度学习，那么这本书的价值是无可估量的。它提供的不是捷径，而是通往卓越的真正蓝图。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏爱形体剧和肢体表达的剧场工作者，对那些过度依赖台词的表演理论一直心存保留。所以，当朋友向我推荐这本“表演训练手册”时，我其实是半信半疑的。然而，这本书在“动作的意图性与能量流动”这部分内容的处理上，完全俘获了我。作者非常精辟地阐述了“身体是思想的第一个发声器官”，并详细介绍了一系列基于默剧和现代舞的训练方法，强调如何将内在的情绪转化为清晰、有目的性的物理运动。书中的“空间切割与角色定位”练习，让我明白了舞台上的每一个站位和移动都不是随意的装饰，而是叙事的一部分。我记得有一个段落，描述了如何通过调整脊柱的紧张度来瞬间切换角色的社会地位，这个细节的捕捉能力，让我叹为观止。它真正做到了将“技术”与“艺术性”无缝衔接，教你如何让你的身体摆脱僵硬，真正成为故事的载体。对于注重身体表现力的艺术家来说，这本书无疑是一份极具启发性的工具箱，里面的工具不仅精致，而且锋利实用。

评分☆☆☆☆☆

这本新近入手的大部头，简直是为我这种舞台新秀量身定做的宝典！我得说，光是翻开目录，那种扑面而来的扎实感就让人信心倍增。它不是那种空泛地讲“要自信”、“要放开”的成功学小册子，而是真正深入到技巧层面。比如，书中对“身体语言的微调”那一章，简直是打开了我新的世界大门。它细致地分析了眼神、手势甚至呼吸的频率如何影响观众的情绪感知。我以前总觉得表演就是“演”，但读完这一章，我才明白，真正的表演是建立在对自身和角色的精微控制之上的。书中列举了大量经典剧目的片段进行案例分析，让你能清晰地看到理论是如何在实践中落地的。比如对哈姆雷特“独白”的解读，它没有简单地告诉你该如何悲伤，而是从声音的共鸣点、停顿的节奏、甚至身体的重心转移这几个维度进行了拆解，非常具有操作性。我尝试着按照书中的建议调整了一个小练习，效果立竿见影，我感觉自己对角色的理解不再停留在表面，而是深入到了骨髓。这本书的结构安排也极其合理，从基础的呼吸控制到复杂的情感调度，层层递进，绝不会让你感到迷茫。对于任何想在舞台上真正站稳脚跟的人来说，这本书绝对是案头必备的参考书。

评分☆☆☆☆☆

老实讲，阅读这本书的过程，就像进行了一次漫长而彻底的自我“去魅”过程。作者毫不留情地揭示了许多舞台上的“潜规则”和我们常常习以为常的“坏习惯”。例如，书中用很大篇幅批判了“过度表演”（Overacting）的根源——往往源于演员对自身真实感受的逃避，而非技巧不足。它引导我们回归到表演最核心的命题：真诚。但这种真诚不是任由情绪泛滥，而是在严格的艺术框架内对人性进行精确的描摹。我特别欣赏它对“幕后工作与舞台呈现的闭环关系”的论述，强调灯光、音效、布景对演员状态的相互塑造作用，这种全局观的训练，是很多纯粹的演员培训课程所缺失的。读完后，我不再仅仅关注“我演得怎么样”，而是开始思考“这个角色在整个戏剧结构中起到了什么作用”以及“我如何与其他元素协同合作”。这本书的深度和广度都超出了我的预期，它不仅是一本训练指南，更像是一部关于戏剧精神的哲学思辨录，让你对舞台艺术的敬畏之心油然而生。