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[匈] 安德拉斯·祖约西 蓝澜 著

图书标签:

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• 铅笔画

店铺： 悦读时代图书专营店

出版社： 北京美术摄影出版社

ISBN：9787805017891

商品编码：29578581216

包装：平装-胶订

出版时间：2017-01-01

基本信息

书名：素描技法大全

定价：99.90元

作者：安德拉斯·祖约西 蓝澜

出版社：北京美术摄影出版社

出版日期：2017-01-01

ISBN：9787805017891

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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★包含安德拉斯·祖约西超过1000幅素描作品，图文结合逐步详尽剖析。

★囊括基本绘画技巧、透视和明暗、静物和风景、肖像和人体、或静或动的全身像等内容。

★全书印刷精美，纸张细腻，图片清晰，易于读者临摹。

★416页海量内容，并随书附赠绘图网格与灰度图等实用工具，*物超所值。

从广义上讲，素描是人类历*早出现的绘画形式，也是*古老的艺术语言。作为一切绘画的基础，素描在绘画学习中的重要地位毋庸置疑。

本书从*基本的几何图形讲起，到静物素描，再到风景、动植物、建筑、人体，题材全面，内容环环相扣，一步步帮你找到*适合自己的素描之路。光影与色调、结构与透视，精心设置的案例让你在练习实践中掌握这些看上去高深的知识，帮助你解决自学过程中遇到的各种的问题，进而画出属于你自己的素描作品。

这本经典之是安德拉斯·祖约西一生经验的积累和艺术创作的总结，不仅能够拓宽你的绘画思路，提升你的素描技艺，更能让你体会到素描的乐趣。书中包含了祖约西的1000多幅素描作品，416页的厚度*物超所值。全书印刷精美，纸张细腻，图片清晰，易于读者临摹。认真领悟，你肯定会获益非浅，受到启发。无论是对于那些已走上绘画这条道路的人，还是对喜爱绘画的初学者来说，本书都是必不可少的参考资料。

“学习绘画不是一朝一夕就能完成的。训练绘画技巧，了解诸多相关规矩和规则，这是你必须要去做的事情。有的音乐家一天花八个小时来练习曲子，只为了能更好、更熟练地演奏自己的乐器，视觉艺术家们也是如此。唯有全身心地研究和练习你的绘画技法，你才能训练自己的眼力，从而注意到所有的细微之处，才能让你的手画出更柔和的形状。即便是大学绘画导师，也会每天把自己关在工作室里至少一个小时，除了练习绘画，什么都不做。”祖约西在引言中如此说道。

是的，认真读完这本书，并勤加练习，你会惊喜地发现，原来素描离你是这么的近，你已经不知不觉地掌握了它。言多而无益，现在就开始我们美妙的素描之旅吧！

内容提要

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素描是一切绘画的基础。本书通过大量的作品范例，系统地介绍了素描的入门知识、基本技法和步骤要领，从基本的几何形状、透视规则、素描静物、风景、动植物到人物肖像，全面地介绍了素描技法的画法和要点。全书共分27章，图文并茂，理论阐述由浅入深，技法运用由易到难，绘画步骤清晰易学，通过本书的学习与基础技法的训练，可以使读者打下良好的素描基础。

本书适合美术爱好者自学及临摹使用，也是美术培训及院校相关专业非常适用的教材。

目录

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引言

章空间、平面、正方形和圆

第2章第2章测量

第3章绘图网格

第4章绘画技巧

第5章简单的图形

第6章对称

第7章灰度图

第8章物体绘画

第9章布料

0章静物

1章云

2章花和树

3章光与影

4章风景

5章城镇风景

6章内部

7章完工图

8章头

9章手

第20章脚和腿

第21章人体

第22章穿衣服的人物画

第23章哺乳动物

第24章鸟

第25章昆虫

第26章蜗牛

第27章两栖动物和爬行动物

作者介绍

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安德拉斯·祖约西（生于1946年），平面艺术家和画家，布达佩斯应用艺术学院解剖绘画学院的教授。他在布达佩斯艺术大学学习绘画技巧，师 从美术解剖学的泰斗——耶诺·布尔乔伊。同时，他也在布达佩斯兽医大学学习动物解剖学。安德拉斯的作品在很多国家都做过专题展览，他在国外的知名度远远超过在匈牙利本土。曾出版过《解剖学绘画教程》和《艺术家用人体解剖》等著作。

文摘

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序言

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笔墨间的诗意：一部深入探究传统中国画的艺术宝典 图书名称：《墨韵流光：中国传统绘画的传承与创新》 图书简介： 本书并非关于素描技法的工具手册，而是一部饱含深情的艺术史诗，聚焦于中国传统绘画——水墨艺术的博大精深与不朽魅力。我们旨在带领读者穿越千年历史的长河，深入领略中国画独特的审美哲学、精妙的笔墨语言，以及当代艺术家们在坚守传统根基上所进行的激动人心的创新实践。 第一部：溯源与定格——中国画的千年根脉 本书伊始，将带领读者回到中国绘画的源头。我们不会探讨透视、光影的西式解构，而是侧重于中国画“写意”精神的形成。 一、从岩画到魏晋：气韵生动的哲学基石 我们将详尽梳理中国绘画从原始的图腾符号，过渡到士人阶层审美觉醒的历程。重点分析“气韵生动”这一核心概念的哲学内涵。这并非简单的形象描摹，而是画家如何将个体生命体验与宇宙万物之“气”相沟通，并将其转化为笔端流动的精神力量。我们将深入研读顾恺之的“传神论”，探讨线描如何成为承载精神而非仅仅是勾勒形体的载体。 二、山水精神的崛起：天地与人的对话 中国画的灵魂在于山水，而山水画的兴盛，标志着人对自然的敬畏与融入。本章将剖析唐、宋时期山水画的流派差异。 荆浩、关仝的北方山水： 探讨其雄伟壮阔的格局如何体现盛唐气象与对天地力量的敬畏。笔法上，重点分析“斧劈皴”、“披麻皴”等技法的结构意义，而非其表面的用笔技巧。 南宋李唐、刘松年的院体绘画： 侧重分析其如何将画面的焦点集中于对具体景物的精微观察，并用“小斧皴”等方式，在有限的空间内营造出深远的意境。 三、文人画的觉醒：诗意与自我表达 元代“文人画”的兴起，是中国绘画史上一次重大的转向。它确立了“以书入画”的原则，使绘画从服务于帝王或宗教的工具，转变为士大夫的自我抒发。 “四王”的集大成： 详细解析董源、巨然以来的“董北苑”一脉如何演变为后世所推崇的“元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、赵孟頫）的笔墨趣味。我们聚焦于倪瓒的“折带皴”及其所代表的萧疏、简淡的生命态度，而非其描绘的实际景观。 水墨的五色： 探讨传统水墨中“黑、白、干、湿、浓、淡”的微妙变化，如何超越了色彩的限制，构建出丰富而含蓄的视觉效果。 第二部：笔墨的奥秘——传统技法的“写”与“韵” 本书的第二部分，将避开对工具本身的机械化描述（如纸张的吸水性、笔锋的粗细），转而探讨这些工具在传统美学指导下如何被赋予生命力。 一、线条的叙事性：骨法用笔的内涵 我们不讲解如何“画一条线”，而是探究“如何通过线条讲述一个故事”。 十八描： 简要梳理古代仕女画中对不同质感的衣纹处理方式，例如“曹衣带水”、“吴带当风”的意境差异，它们体现的是人物的性格与时代风尚，而非仅仅是衣褶的形态。 书法的介入： 深入阐述“笔墨当随时代”的内在逻辑，分析书法中的“中锋”与“侧锋”如何对应到皴法和点苔之中，使画面具有节奏感和内在的结构力量。 二、点景与留白：意境的营造术 中国画的空间处理是极其特殊的，它不依赖于焦点透视，而是通过“计白当黑”来构建虚实相生的世界。 虚实相生的哲学： 讲解中国画中“留白”的意义，它不仅是未画之处，更是“未尽之意”的载体。云雾、江海的留白，如何引导观者的想象力，达到“咫尺之内再造乾坤”的效果。 点景的哲学： 探讨山水画中点缀的树木、茅屋、人物的尺寸比例，它们是如何被用来确立画面的宏大感和诗意的尺度的。 第三部：薪火相传与时代的回响 在坚实地回顾了传统之后，本书将目光投向近现代，探讨中国画如何面对西方艺术思潮的冲击，并找到新的生命力。 一、近现代的变革与坚守 解析齐白石、徐悲鸿、潘天寿等大师如何在中西艺术的碰撞中，为中国画确立了新的现代性。 徐悲鸿的中西融合观： 探讨他如何以素描基础来“改造”中国画的结构，但其最终目的仍是为了强化中国画的表现力，而非简单地嫁接写实技巧。 齐白石的“红花墨叶”： 分析他如何从民间艺术中汲取营养，将传统文人画的“雅”与民间艺术的“俗”进行有机结合，使水墨艺术重新贴近生活气息。 二、当代水墨的探索与未来 本书的最后，将呈现当代水墨艺术家们在抽象表达、材料革新、观念介入等方面的最新探索。我们关注的焦点是：在当代语境下，如何保持“笔墨精神”的纯粹性，同时拓展水墨语言的边界，使之成为与当代世界对话的有效媒介。探讨的不是如何“画得像”，而是如何“画得出”——画出当代人的精神困境与审美追求。 结语： 《墨韵流光》不是教人如何握笔的指南，而是邀您进入一个充满哲学思辨、历史纵深与笔墨激情的艺术殿堂。它旨在培养读者对中国画审美价值的深刻理解，体会水墨如何在宣纸之上，完成一次穿越时空的对话，实现“计白当黑，以有寓无”的东方艺术最高理想。

评分☆☆☆☆☆

说实话，《素描技法大全》这本书，在我看来，最值得称道的地方在于它对“透视”这一概念的深入浅出解读。以前我对透视的理解，停留在“近大远小”这个最浅显的层面，画出来的建筑、场景总是显得歪歪扭扭，缺乏空间感。这本书则系统地讲解了一点透视、两点透视，甚至三点透视的原理，并用大量的实例来展示如何在不同的角度下观察和绘制物体，让整个画面呈现出逼真的立体感。它的讲解方式非常注重逻辑性，从消失点、视平线等基本概念出发，一步步引导读者理解透视是如何影响我们所看到的物体形态的。而且，书里还特别提到了如何通过透视来增强画面的纵深感和空间层次，这一点对于我这种喜欢画风景和建筑的爱好者来说，简直是福音。我尝试着按照书中的方法练习，画出的立方体、圆柱体，以及简单的房间内部，都比以前要真实得多，仿佛真的可以走进画面一样。这本书的讲解过程，就像是在给我搭建一个坚实的“空间框架”，让我不再对绘制复杂场景感到畏惧，而是充满了尝试的信心。

评分☆☆☆☆☆

我最近在尝试着从绘画入门，看遍了市面上不少关于素描的书籍，但《素描技法大全》这本书，却给了我一种前所未有的“陪伴感”和“引导感”。它不像其他一些书那样，上来就讲复杂的理论，而是用非常温和、循序渐进的方式，一步步带着我认识素描这个世界。书中对于“构图”的讲解，是我之前从未细致了解过的。它不仅教会我如何将画面中的物体合理地安排，如何运用黄金分割、对角线构图等原则来让画面更具美感和吸引力，还深入分析了不同构图方式所能传达的不同情绪和意境。尤其令我惊喜的是，书中还提供了一些“练习范例”，并且详细地讲解了完成这些范例的“思路”和“步骤”，这对于我这种缺乏独立构图能力的新手来说，简直是及时雨。我按照书中的范例进行练习，发现自己的画面整体感一下子增强了，不再是零散的元素堆砌，而是形成了一个有机的整体。这本书让我觉得，学素描，原来可以如此“有章可循”，并且充满了乐趣。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我接触素描有一段时间了，但总觉得自己的画面“死气沉沉”，缺乏那种“灵动”的感觉，《素描技法大全》这本书，为我打开了一扇新的大门。它在讲解“笔触”和“肌理”的处理上，简直是教科书级别的。我以前总是用一种单一、刻板的方式来画，画面显得平淡乏味。这本书则详细介绍了各种不同质感的笔触，比如用硬朗的线条来表现金属的坚硬，用柔和的晕染来表现丝绸的顺滑，用粗犷的笔触来刻画岩石的沧桑。它还非常注重讲解如何在画面中制造“对比”，不仅仅是明暗对比，还有线条的粗细对比、疏密对比，以及肌理的粗糙与光滑之间的对比。这些“微小的细节”看似不起眼，但在实际绘画中却能产生巨大的视觉冲击力，让画面立刻鲜活起来。我尝试着运用书中的一些笔触技巧，画出的物体，即使是同一个对象，也比以前要生动有趣得多，仿佛有了生命力。这本书让我明白，素描不仅仅是“复制”现实，更是“再创造”现实。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，素描的魅力在于捕捉物体的“形体”和“质感”，而《素描技法大全》恰恰在这两方面给予了我极大的启发。这本书在讲解人像和静物的刻画上，真的可以说是“面面俱到”。它并没有简单地告诉你“画眼睛要像眼睛，鼻子要像鼻子”，而是深入分析了人脸的骨骼结构、肌肉走向，以及不同表情下脸部细微的变化，让你理解“为什么”要那样画。对于静物，它则非常细致地讲解了不同材质的固有色、反光、投影以及它们之间的相互影响，比如如何表现陶瓷的光泽感，如何刻画水果表面的细微纹理，如何通过阴影的深浅变化来区分不同物体之间的层次。我最欣赏的一点是，书里不仅仅是教授绘画技巧，还融入了大量的“观察之道”。它教会我如何用“素描的眼睛”去审视世界，如何去发现物体隐藏的体积和光影规律。每次阅读，都像是在进行一场心灵的“洗礼”，让我对日常生活中司空见惯的物体，有了全新的认识和感受。

评分☆☆☆☆☆

我最近入手了一本《素描技法大全》，说实话，拿到书的那一刻，我的内心是期待又有点忐忑的。我一直对绘画有着浓厚的兴趣，但苦于基础不牢，很多时候画出来的东西总是不够“写实”，或者说，感觉缺少了一种灵魂。尤其是对光影的处理，常常让我头疼不已。翻开这本书，我最先被吸引住的是它的排版设计，整体风格朴实而不失专业感，大量的插图和案例分析，直观地展现了素描的各种基本技法。作者似乎非常懂得如何引导初学者，从最基础的线条、明暗关系讲起，循序渐进，一点点地构建起对素描的理解。我尤其喜欢它对不同材质的描绘技巧的讲解，比如金属的反射、布料的褶皱，以前觉得很难把握的地方，在这本书里都有详尽的步骤和技巧演示，看完之后，仿佛一下子打开了新世界的大门。而且，书里还穿插了不少绘画大师的经典作品分析，结合技法讲解，让我不仅学到了“怎么画”，更体会到了“为什么这么画”，这对于提升我的艺术审美和创作思路有着非常重要的意义。虽然我才刚刚开始深入学习，但这本书已经在我心中种下了一颗希望的种子，相信通过不断的练习和这本书的指导，我一定能迈出扎实的一步。