日本寫真50年 日本寫真50年日本攝影大師介紹 森山大道中平卓馬荒木經惟篠山紀信等等 下載 mobi epub pdf 電子書 2025

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• 篠山紀信
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店鋪： 藝力圖書專營店

齣版社： 臉譜齣版

ISBN：9789862353424

商品編碼：14734751456

包裝：平裝

齣版時間：2014-04-02

頁數：320

正文語種：繁體中文

書名：日本寫真50年

作者：大竹昭子(Otake Akiko)

齣版: 臉譜

頁數：320

裝幀：平裝

尺寸：14.8cm×21cm

ISBN:9789862353424

齣版日期：2014-04-02縱觀日本寫真五十年發展全貌的di一本書

透過十位大師的生命和作品深入攝影的核心

攝影是「生命?機器?外在」間的搏鬥現場。

雖然各種攝影作品都存在著機器與外在世界之間的往返運動，

但是攝影師如何接納生命物的主張，會造成攝影錶現的微妙不同。

花道傢中川幸夫每天早上齣門散步，沿路摘草帶迴傢插花的習慣，

這個行為與「日本寫真」十分相近，

不僅是單存的採集而已，更為採集而來的材料賦予新的生命。

現在讓我們透過森山大道、中平卓馬、荒木經惟、篠山紀信、

佐內正史、藤代冥砂、長島有裏枝、蜷川實花、大橋仁、Takashi Homma

十位當代攝影傢的生命經驗及工作思考

進入兼具意識與無意識的渾沌眾生相——「日本寫真」

攝影的力量、語言的力量、生命的力量

攝影十大傢用活著的本體和鏡頭思考「日本當代攝影」是怎麼一迴事

立體呈現日本五十年寫真歷史的發展全貌

本書以10位前衛攝影大師的成長脈絡為經緯，盡寫日本戰後起的攝影黃金年代。從名傢森山大道、中平卓馬的《挑釁Provoke》開始，到本間崇的〈New Documentary〉攝影展為止，將中生代大師森山大道、中平卓馬、荒木經惟、篠山紀信，以及次世代閃亮的佐內正史、藤代冥砂、長島有裏枝、蜷川實花、大橋仁、Takashi Homma等名傢的核心思考，生存和意念全數記錄，立體展現日本五十年來攝影的豐富樣貌與發展歷程。

攝影評論傢大竹昭子與十位攝影師深談攝影的價值和感受性，他們針對「活著的本體」與「攝影」的關係，深入攝影核心，翻來覆去的辯證與獨特的世界觀，是當代攝影中少見且魅力滿點的攝影評論，堪稱是中平卓馬發錶的各種攝影論之後，擁有強烈論點和觀察的一本書。

本書開宗明義就將日本攝影與歐美攝影的特殊性一切為二。大竹認為，日本當代攝影風格延續瞭典型的民族審美，某些作品甚至是以一種極端的方式在進行這種延續，但這樣的極端放到日本文化中卻又顯得如此理所當然，這是個矛盾的民族，擁有自己極其獨特的審美文化。並強調日本攝影對「生命」與「存在」的強度驚人，並以此與其他攝影所主張的世界一分為二。

書中認為民族性和社會性對日本攝影黃金年代的推波助瀾，有著莫大的吸力。戰後日本從一個二戰的戰敗國嚮經濟大國崛起的步伐看齊，這是日本社會經歷瞭從民族文化到社會政治經濟全麵變化的時代。一如森山大道著名的作品「野狗」，反映的正是因戰敗被佔領所感受的屈辱，和經濟高速增長而生齣的自信與自滿交織在一起的騷動與不安。這個集屈辱與狂妄於一體的野狗的形象不光反映瞭他個人的心情，在某一方麵，也是處於特殊時期的日本民族自畫像。

攝影的行為，就是生命、機器、外在，三股激流互衝而成的格鬥漩渦，一種深入感情與無意識領域中，混沌不清的人性本質正麵衝突的意誌。攝影術一定要將鏡頭對準外在世界纔能成立，與現實和肉體間的接觸較之其他類型的藝術更加直接。在本書中以「日本寫真」統稱這種傾嚮，並想在當今攝影師們的工作中探究這種精髓。

◎大師這樣想攝影

「照片不是憑自覺就能拍得齣來的，對我來說，應該是更踉蹌的行為下纔有的產物。你必須走走停停，甚至還得走迴頭路。」

——森山大道

「攝影不是所謂的錶現，而是紀錄，這是我唯yi的主張；但是在此我指的紀錄，並非普通所說的客觀記錄，毋寧是以自我麵對世界，自我生命記錄為前提的紀錄。」

——中平卓馬

「玩攝影不要自命清高。拍照片的時候，如果還想拿掉現場感和現實感，去完成一個作品的話，是行不通的。之前的攝影師都盡力在排除低俗，而我想要模糊攝影與現實的境界。」

——荒木經惟

「如果想靠攝影訴說什麼故事的話，攝影隻能成為工具。」

——篠山紀信

「如果我不拍照的話，是不會知道這迴事的。我們有空間，有時間，也有自我，卻不曾意識到這些東西的存在。」

——佐內正史

「我想錶現是一種選擇。不是想展露什麼，而是把今天吃瞭什麼、日子怎麼過之類的大小事當成一種錶現，並且站在一個定點上。」

——藤代冥砂

「不管花幾年的時間，仔細想絕對可以找齣理由，但是照片的爆發力僅限於按下快門那一瞬間，不能拍過就放著不管。」

——長島有裏枝

「不要過度拘泥於作傢性格。」

——蜷川實花

「我總是覺得，自己是被攝影救活的。為瞭不被攝影拋棄，就緊緊抓著攝影不放，並想辦法活下來。」

——大橋仁

「照片隻能拍齣景物的錶麵。」

——Takashi Homma

大竹昭子(Otake Akiko)

日本戰後集攝影傢、攝影評論傢、作傢、畫傢等多重身分於一生的創作者。一九五○年生於東京。七九年至八一年旅居紐約，並展開文筆活動，涉足非文學、隨筆、小說、攝影評論等各種類型。同時在日本各地展開《說故事的人在此（Katarikoko）》朗讀座談會。著書包括《用眼睛打獵的人》（新潮社，一九九四／築摩文庫，二○○四）、《這張照片真厲害2008》（編著，朝日齣版社，二○○八）、《隨時歡迎觀摩》（みすず書房，二○○九）、《鼠京東京》（ポプラ社，二○一○）、《圖鑑少年》（小學館，一九九九／中央公論文庫，二○一○）等。

Prologue

攝影術的神秘、攝影師的神奇

1993-94

英雄?低迷?逃離　森山大道

從失憶癥中活過來的人　中平卓馬

一九九三年六月，中平卓馬沖繩攝影之旅

身為「超二流」的自由　荒木經惟

篠山就是寫真　篠山紀信

新潮流的齣現

2008-09

「踏入」攝影狂野地帶　佐內正史

調校世界的纔能　藤代冥砂

做什麼都有攝影感的人　長島有裏枝

平衡移動自我的內在與外在　蜷川實花

提高生命轉速不斷拍照　大橋仁

2011

攝影與當代藝術之間　本間崇

epilogue 1

【日本寫真】芻論

epilogue 2

中平卓馬對攝影人生的覺悟

跨越時代的影像敘事：世界攝影史上的經典瞬間與流派探索 圖書名稱： 影像的變奏：從暗房到數位時代的全球攝影流派解析 圖書簡介： 本書旨在為讀者提供一部深入淺齣、涵蓋全球視野的攝影藝術發展史論著。我們不再聚焦於某一特定地域或特定年代的攝影實踐，而是將目光投嚮攝影技術誕生伊始直至當代數位革命浪潮中，那些塑造瞭人類視覺文化格局的關鍵流派、理論思潮與代錶性人物群像。 本書的核心目標是梳理攝影語言在不同曆史語境下所經曆的“變奏”——從最初對現實的忠實記錄，到對主觀情感的強烈錶達，再到對媒介本質的深刻反思。 第一部分：紀實與構建——攝影的早期身份危機（19世紀中葉至20世紀30年代） 本部分深入探討瞭攝影術自發明以來，如何在“科學記錄工具”與“藝術錶達媒介”的雙重身份中進行自我定位的過程。 1. 早期紀實與科學的凝視： 我們將追溯阿爾弗雷德·史蒂格裏茨（Alfred Stieglitz）早期緻力於將攝影提升至“純藝術”地位的努力，分析“畫意攝影”（Pictorialism）如何試圖模仿繪畫的審美趣味。同時，本書也將探討像約翰·湯姆森（John Thomson）等早期旅行攝影師，如何在異域風光與民族誌記錄中，無意中構建瞭西方凝視下的“他者”形象。 2. 現代主義的浪潮與新客觀性： 隨著一戰的爆發，攝影的重心轉嚮瞭對機器時代、都市生活和全新社會結構的冷靜審視。本書將詳細解析德國的“新客觀性”（New Objectivity）流派，特彆是奧古斯特·桑德（August Sander）宏大的“二十世紀德國人”肖像計劃，如何以近乎社會學調查的精度，去編織一個時代的群像。我們還將分析拉茲洛·莫霍利-納吉（László Moholy-Nagy）在包豪斯（Bauhaus）語境下對光綫、形態和非傳統攝影技術（如拼貼、光繪）的激進探索，這些嘗試極大地拓寬瞭攝影的造型語言邊界。 3. 美國的“直接攝影”與清晰度的迴歸： 在美國，以愛德華·韋斯頓（Edward Weston）為代錶的“純粹攝影”（Straight Photography）復興，強調攝影的本質在於精確的曝光、銳利的焦點和對物體形態的深刻洞察。本書會通過對韋斯頓辣椒係列等作品的細緻分析，闡釋如何通過對自然形態的極緻簡化，達到一種近乎抽象的審美高度。 第二部分：社會批判與主觀構建——戰後攝影的身份重塑（1940年代至1970年代） 二戰及其後的社會動蕩，迫使攝影師不再滿足於單純的記錄，轉而尋求更深層次的社會介入和個體心理的挖掘。 1. “決定性瞬間”的哲學基礎與人文主義的黃昏： 我們將迴顧亨利·卡蒂埃-布列鬆（Henri Cartier-Bresson）對“決定性瞬間”的理論闡釋，分析其如何將瞬間的幾何構圖與事件的內在張力完美結閤，塑造瞭戰後人文主義紀實攝影的高峰。同時，本書也會探討在社會矛盾日益尖銳的背景下，如羅伯特·弗蘭剋（Robert Frank）的《美國人》所代錶的，對主流敘事的質疑和對邊緣群體的敏銳捕捉，標誌著傳統人文主義紀實開始嚮更具批判性和疏離感的視角過渡。 2. 紀實轉嚮與社會生態學： 在美國，隨著城市重建和郊區化的加速，攝影開始關注廣闊的社會景觀。本書將著重分析“美國景觀攝影”的興起，特彆是對大規模人造環境和自然界限被打破的記錄，這些作品預示瞭生態意識的覺醒。 3. 法國理論的介入與圖像的解構： 1960年代後期，受結構主義和後結構主義思潮影響，攝影理論開始轉嚮對“圖像權力”的審視。羅蘭·巴特（Roland Barthes）的理論對攝影界産生瞭深遠影響，本書將解析“刺點”（Punctum）和“知麵”（Studium）的概念，探討攝影如何成為一種充滿私密性與不確定性的文本。 第三部分：觀念的爆發與媒介的自我指涉（1970年代至今） 隨著藝術市場的擴張和攝影技術進入彩色化、大規模生産的階段，攝影的重點徹底轉嚮瞭觀念的錶達和對“什麼是攝影”這一根本問題的探討。 1. 杜塞爾多夫學派與“類型化”的冷峻力量： 伯恩德·舒爾（Bernd and Hilla Becher）夫婦開創的“類型學”方法，通過係統化、無錶情的並置拍攝工業遺跡，極大地影響瞭後來的觀念攝影。本書將深入分析他們的學生，如安德烈亞斯·古爾斯基（Andreas Gursky）如何運用超大畫幅和數位技術，構建齣令人目眩、近乎超現實的全球資本主義景觀，探討其背後宏大敘事的構建與瓦解。 2. 身體、性彆與後現代的解構： 70年代末期至今，攝影成為探討身份政治、性彆認同和身體政治的有力工具。辛迪·捨曼（Cindy Sherman）通過不斷扮演和模仿流行文化中的刻闆女性形象，對“作者性”和“女性凝視”進行瞭顛覆性的批判。本書會分析這些作品如何將攝影從記錄工具徹底轉化為觀念的載體。 3. 數位時代的衝擊與後攝影的未來： 最後一章聚焦於數位影像的普及如何徹底改變瞭圖像的生産、傳播與觀看方式。我們討論瞭攝影與新媒體的融閤，以及圖像的“可篡改性”如何挑戰瞭我們對“真實”的傳統信念。從檔案的數字化到虛擬現實中的影像構建，本書將展望攝影在未來媒介生態中可能扮演的新角色。 本書特色： 本書不僅是流派的編年史，更是一場關於“觀看”與“被觀看”的哲學思辨。通過對不同時期理論文本的精選摘錄與影像案例的深度剖析，讀者將能夠構建起一個跨越時間與國界、完整而富有洞察力的世界攝影圖景，理解每一張照片背後的文化代碼與時代精神。

評分☆☆☆☆☆

這本厚厚的影集剛到手，光是沉甸甸的重量就讓人心生敬畏。我迫不及待地翻開，撲麵而來的是一種既熟悉又陌生的視覺衝擊。那些黑白照片，質感粗糲得像是直接從舊膠片上拓印下來的，每一粒顆粒都在訴說著時代的風霜。我尤其被其中一組街頭抓拍所吸引，那種近乎粗暴的紀實感，仿佛能把我瞬間拽迴到上世紀七八十年代東京澀榖的某個街角，空氣中彌漫著煙草和汗水的味道。攝影師的視角是如此的尖銳和不加修飾，他捕捉到的不是擺拍的美好，而是活生生的、帶著瑕疵的日常。這種直接撞擊心靈的錶達方式，讓人在欣賞之餘，不得不停下來反思自己對“美”的定義，以及我們是如何被主流媒體馴化瞭審美觀的。這本書的排版設計也十分考究，大開本的印刷讓畫麵有瞭足夠的呼吸空間，即便是那些看似雜亂無章的構圖，在精心安排的留白中也呈現齣一種獨特的韻律感。閱讀的過程，與其說是看照片，不如說是一場與時代精神的深度對話。

評分☆☆☆☆☆

我一直對戰後日本社會文化變遷抱有濃厚的興趣，而這本書提供的不僅僅是藝術欣賞，更像是一份視覺人類學的報告。我注意到其中幾位大師的作品，風格迥異，但都精準地捕捉瞭日本在快速現代化進程中，個體精神狀態的微妙變化。比如，有幾幅作品中那種極度私密、近乎侵犯性的肖像，它們挑戰瞭觀者與被攝者之間的界限，迫使我們直麵人性的幽暗與欲望的真實麵貌。這種對禁忌主題的大膽觸碰，無疑是那個時代先鋒藝術傢的標誌。我發現自己被深深地捲入瞭這些影像構建的敘事迷宮中，試圖從那些模糊不清的背景、強烈的陰影和不自然的肢體語言中，解碼齣創作者試圖傳達的社會情緒。這種閱讀體驗是高度智性的，它要求讀者具備一定的文化背景知識，纔能真正領會那些被省略、被暗示的深層含義。對於初次接觸日本攝影史的人來說，這本書的深度可能會帶來一定的門檻，但對於資深愛好者而言，這無疑是一部值得反復咀嚼的珍藏。

評分☆☆☆☆☆

我注意到書中對不同攝影傢的介紹篇幅分配得相當平衡，這使得整本書的閱讀體驗非常流暢，沒有因為某位超級巨星的光芒而掩蓋瞭其他同樣重要的聲音。尤其是對於一些相對低調但技藝精湛的攝影傢的收錄，體現瞭編纂者的專業態度和對攝影史全貌的追求。那些相對舒緩、更具人文關懷的作品，為全書的激昂和先鋒性提供瞭一個必要的緩衝地帶，讓讀者的情緒得以平復和消化。這種張弛有度的編排，使得整部作品集不僅僅是視覺的盛宴，更像是一場精心組織的交響樂，有高亢的樂章，也有悠揚的間奏。它成功地構建瞭一個完整且立體的日本攝影圖景，讓讀者在走齣書頁之後，對這個領域的熱情被重新點燃，並且充滿瞭繼續探索的動力。

評分☆☆☆☆☆

翻到後半部分，影像的色調開始變得豐富起來，那些彩色作品帶來的衝擊感和衝擊力完全是另一種維度。如果說前半段的黑白是沉鬱的內心獨白，那麼彩色部分則像是對現實世界無節製的、近乎迷幻的捕捉。我尤其欣賞其中幾位攝影師對光綫的運用，那種近乎飽和的色彩，仿佛把夏日午後東京街道上熱浪的溫度都凝聚在瞭相紙上。它們不再是冷靜的記錄者，而更像是狂熱的體驗者，他們的鏡頭如同一個高倍放大的棱鏡，摺射齣都市生活那種既絢爛又虛無的本質。我感覺自己像是喝下瞭某種強效興奮劑，大腦皮層被這些強烈的視覺信息過度刺激，産生瞭一種眩暈感。這種風格上的巨大跨越，清晰地展現瞭這五十年間，攝影技術、社會觀念以及藝術傢個人心境的全麵迭代，非常具有研究價值。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，這本書的裝幀和內容厚度讓人望而生畏，但我一旦開始閱讀，時間仿佛就被抽離瞭。最讓我感到震撼的是，這些大師的作品跨越瞭不同的題材——從極端的私密到廣闊的社會景觀，從對美的顛覆到對日常的詩意化——但它們共同指嚮一個核心：對“在場”的執著。無論鏡頭對準的是一張疲憊的臉，還是一片被遺忘的廢墟，那種強烈的“此時此刻”的臨場感是無法復製的。這讓我思考，在如今這個數字圖像泛濫的時代，這種用化學定影的、需要耗費巨大體力與心力的傳統攝影作品，究竟擁有怎樣不可替代的重量感和真實性。這本書不僅僅是作品集，它更像是一部關於“如何觀看世界”的教科書，教導我們如何穿透錶象，直抵事物存在的核心。