日本寫真50年 日本寫真50年日本摄影大师介绍 森山大道中平卓馬荒木經惟篠山紀信等等 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 日本摄影
• 写真
• 森山大道
• 中平卓馬
• 荒木經惟
• 篠山紀信
• 摄影大师
• 纪实摄影
• 艺术摄影
• 摄影史

店铺： 艺力图书专营店

出版社： 臉譜出版

ISBN：9789862353424

商品编码：14734751456

包装：平装

出版时间：2014-04-02

页数：320

正文语种：繁体中文

书名：日本寫真50年

作者：大竹昭子(Otake Akiko)

出版: 臉譜

页数：320

装帧：平装

尺寸：14.8cm×21cm

ISBN:9789862353424

出版日期：2014-04-02縱觀日本寫真五十年發展全貌的di一本書

透過十位大師的生命和作品深入攝影的核心

攝影是「生命?機器?外在」間的搏鬥現場。

雖然各種攝影作品都存在著機器與外在世界之間的往返運動，

但是攝影師如何接納生命物的主張，會造成攝影表現的微妙不同。

花道家中川幸夫每天早上出門散步，沿路摘草帶回家插花的習慣，

這個行為與「日本寫真」十分相近，

不僅是單存的採集而已，更為採集而來的材料賦予新的生命。

現在讓我們透過森山大道、中平卓馬、荒木經惟、篠山紀信、

佐內正史、藤代冥砂、長島有里枝、蜷川實花、大橋仁、Takashi Homma

十位當代攝影家的生命經驗及工作思考

進入兼具意識與無意識的渾沌眾生相——「日本寫真」

攝影的力量、語言的力量、生命的力量

攝影十大家用活著的本體和鏡頭思考「日本當代攝影」是怎麼一回事

立體呈現日本五十年寫真歷史的發展全貌

本書以10位前衛攝影大師的成長脈絡為經緯，盡寫日本戰後起的攝影黃金年代。從名家森山大道、中平卓馬的《挑釁Provoke》開始，到本間崇的〈New Documentary〉攝影展為止，將中生代大師森山大道、中平卓馬、荒木經惟、篠山紀信，以及次世代閃亮的佐內正史、藤代冥砂、長島有里枝、蜷川實花、大橋仁、Takashi Homma等名家的核心思考，生存和意念全數記錄，立體展現日本五十年來攝影的豐富樣貌與發展歷程。

攝影評論家大竹昭子與十位攝影師深談攝影的價值和感受性，他們針對「活著的本體」與「攝影」的關係，深入攝影核心，翻來覆去的辯證與獨特的世界觀，是當代攝影中少見且魅力滿點的攝影評論，堪稱是中平卓馬發表的各種攝影論之後，擁有強烈論點和觀察的一本書。

本書開宗明義就將日本攝影與歐美攝影的特殊性一切為二。大竹認為，日本當代攝影風格延續了典型的民族審美，某些作品甚至是以一種極端的方式在進行這種延續，但這樣的極端放到日本文化中卻又顯得如此理所當然，這是個矛盾的民族，擁有自己極其獨特的審美文化。並強調日本攝影對「生命」與「存在」的強度驚人，並以此與其他攝影所主張的世界一分為二。

書中認為民族性和社會性對日本攝影黃金年代的推波助瀾，有著莫大的吸力。戰後日本從一個二戰的戰敗國向經濟大國崛起的步伐看齊，這是日本社會經歷了從民族文化到社會政治經濟全面變化的時代。一如森山大道著名的作品「野狗」，反映的正是因戰敗被佔領所感受的屈辱，和經濟高速增長而生出的自信與自滿交織在一起的騷動與不安。這個集屈辱與狂妄於一體的野狗的形象不光反映了他個人的心情，在某一方面，也是處於特殊時期的日本民族自畫像。

攝影的行為，就是生命、機器、外在，三股激流互衝而成的格鬥漩渦，一種深入感情與無意識領域中，混沌不清的人性本質正面衝突的意志。攝影術一定要將鏡頭對準外在世界才能成立，與現實和肉體間的接觸較之其他類型的藝術更加直接。在本書中以「日本寫真」統稱這種傾向，並想在當今攝影師們的工作中探究這種精髓。

◎大師這樣想攝影

「照片不是憑自覺就能拍得出來的，對我來說，應該是更踉蹌的行為下才有的產物。你必須走走停停，甚至還得走回頭路。」

——森山大道

「攝影不是所謂的表現，而是紀錄，這是我唯yi的主張；但是在此我指的紀錄，並非普通所說的客觀記錄，毋寧是以自我面對世界，自我生命記錄為前提的紀錄。」

——中平卓馬

「玩攝影不要自命清高。拍照片的時候，如果還想拿掉現場感和現實感，去完成一個作品的話，是行不通的。之前的攝影師都盡力在排除低俗，而我想要模糊攝影與現實的境界。」

——荒木經惟

「如果想靠攝影訴說什麼故事的話，攝影只能成為工具。」

——篠山紀信

「如果我不拍照的話，是不會知道這回事的。我們有空間，有時間，也有自我，卻不曾意識到這些東西的存在。」

——佐內正史

「我想表現是一種選擇。不是想展露什麼，而是把今天吃了什麼、日子怎麼過之類的大小事當成一種表現，並且站在一個定點上。」

——藤代冥砂

「不管花幾年的時間，仔細想絕對可以找出理由，但是照片的爆發力僅限於按下快門那一瞬間，不能拍過就放著不管。」

——長島有里枝

「不要過度拘泥於作家性格。」

——蜷川實花

「我總是覺得，自己是被攝影救活的。為了不被攝影拋棄，就緊緊抓著攝影不放，並想辦法活下來。」

——大橋仁

「照片只能拍出景物的表面。」

——Takashi Homma

大竹昭子(Otake Akiko)

日本戰後集攝影家、攝影評論家、作家、畫家等多重身分於一生的創作者。一九五○年生於東京。七九年至八一年旅居紐約，並展開文筆活動，涉足非文學、隨筆、小說、攝影評論等各種類型。同時在日本各地展開《說故事的人在此（Katarikoko）》朗讀座談會。著書包括《用眼睛打獵的人》（新潮社，一九九四／筑摩文庫，二○○四）、《這張照片真厲害2008》（編著，朝日出版社，二○○八）、《隨時歡迎觀摩》（みすず書房，二○○九）、《鼠京東京》（ポプラ社，二○一○）、《圖鑑少年》（小學館，一九九九／中央公論文庫，二○一○）等。

Prologue

攝影術的神秘、攝影師的神奇

1993-94

英雄?低迷?逃離　森山大道

從失憶症中活過來的人　中平卓馬

一九九三年六月，中平卓馬沖繩攝影之旅

身為「超二流」的自由　荒木經惟

篠山就是寫真　篠山紀信

新潮流的出現

2008-09

「踏入」攝影狂野地帶　佐內正史

調校世界的才能　藤代冥砂

做什麼都有攝影感的人　長島有里枝

平衡移動自我的內在與外在　蜷川實花

提高生命轉速不斷拍照　大橋仁

2011

攝影與當代藝術之間　本間崇

epilogue 1

【日本寫真】芻論

epilogue 2

中平卓馬對攝影人生的覺悟

跨越时代的影像叙事：世界摄影史上的经典瞬间与流派探索 图书名称： 影像的变奏：从暗房到数位时代的全球摄影流派解析 图书简介： 本书旨在为读者提供一部深入浅出、涵盖全球视野的摄影艺术发展史论著。我们不再聚焦于某一特定地域或特定年代的摄影实践，而是将目光投向摄影技术诞生伊始直至当代数位革命浪潮中，那些塑造了人类视觉文化格局的关键流派、理论思潮与代表性人物群像。 本书的核心目标是梳理摄影语言在不同历史语境下所经历的“变奏”——从最初对现实的忠实记录，到对主观情感的强烈表达，再到对媒介本质的深刻反思。 第一部分：纪实与构建——摄影的早期身份危机（19世纪中叶至20世纪30年代） 本部分深入探讨了摄影术自发明以来，如何在“科学记录工具”与“艺术表达媒介”的双重身份中进行自我定位的过程。 1. 早期纪实与科学的凝视： 我们将追溯阿尔弗雷德·史蒂格里茨（Alfred Stieglitz）早期致力于将摄影提升至“纯艺术”地位的努力，分析“画意摄影”（Pictorialism）如何试图模仿绘画的审美趣味。同时，本书也将探讨像约翰·汤姆森（John Thomson）等早期旅行摄影师，如何在异域风光与民族志记录中，无意中构建了西方凝视下的“他者”形象。 2. 现代主义的浪潮与新客观性： 随着一战的爆发，摄影的重心转向了对机器时代、都市生活和全新社会结构的冷静审视。本书将详细解析德国的“新客观性”（New Objectivity）流派，特别是奥古斯特·桑德（August Sander）宏大的“二十世纪德国人”肖像计划，如何以近乎社会学调查的精度，去编织一个时代的群像。我们还将分析拉兹洛·莫霍利-纳吉（László Moholy-Nagy）在包豪斯（Bauhaus）语境下对光线、形态和非传统摄影技术（如拼贴、光绘）的激进探索，这些尝试极大地拓宽了摄影的造型语言边界。 3. 美国的“直接摄影”与清晰度的回归： 在美国，以爱德华·韦斯顿（Edward Weston）为代表的“纯粹摄影”（Straight Photography）复兴，强调摄影的本质在于精确的曝光、锐利的焦点和对物体形态的深刻洞察。本书会通过对韦斯顿辣椒系列等作品的细致分析，阐释如何通过对自然形态的极致简化，达到一种近乎抽象的审美高度。 第二部分：社会批判与主观构建——战后摄影的身份重塑（1940年代至1970年代） 二战及其后的社会动荡，迫使摄影师不再满足于单纯的记录，转而寻求更深层次的社会介入和个体心理的挖掘。 1. “决定性瞬间”的哲学基础与人文主义的黄昏： 我们将回顾亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）对“决定性瞬间”的理论阐释，分析其如何将瞬间的几何构图与事件的内在张力完美结合，塑造了战后人文主义纪实摄影的高峰。同时，本书也会探讨在社会矛盾日益尖锐的背景下，如罗伯特·弗兰克（Robert Frank）的《美国人》所代表的，对主流叙事的质疑和对边缘群体的敏锐捕捉，标志着传统人文主义纪实开始向更具批判性和疏离感的视角过渡。 2. 纪实转向与社会生态学： 在美国，随着城市重建和郊区化的加速，摄影开始关注广阔的社会景观。本书将着重分析“美国景观摄影”的兴起，特别是对大规模人造环境和自然界限被打破的记录，这些作品预示了生态意识的觉醒。 3. 法国理论的介入与图像的解构： 1960年代后期，受结构主义和后结构主义思潮影响，摄影理论开始转向对“图像权力”的审视。罗兰·巴特（Roland Barthes）的理论对摄影界产生了深远影响，本书将解析“刺点”（Punctum）和“知面”（Studium）的概念，探讨摄影如何成为一种充满私密性与不确定性的文本。 第三部分：观念的爆发与媒介的自我指涉（1970年代至今） 随着艺术市场的扩张和摄影技术进入彩色化、大规模生产的阶段，摄影的重点彻底转向了观念的表达和对“什么是摄影”这一根本问题的探讨。 1. 杜塞尔多夫学派与“类型化”的冷峻力量： 伯恩德·舒尔（Bernd and Hilla Becher）夫妇开创的“类型学”方法，通过系统化、无表情的并置拍摄工业遗迹，极大地影响了后来的观念摄影。本书将深入分析他们的学生，如安德烈亚斯·古尔斯基（Andreas Gursky）如何运用超大画幅和数位技术，构建出令人目眩、近乎超现实的全球资本主义景观，探讨其背后宏大叙事的构建与瓦解。 2. 身体、性别与后现代的解构： 70年代末期至今，摄影成为探讨身份政治、性别认同和身体政治的有力工具。辛迪·舍曼（Cindy Sherman）通过不断扮演和模仿流行文化中的刻板女性形象，对“作者性”和“女性凝视”进行了颠覆性的批判。本书会分析这些作品如何将摄影从记录工具彻底转化为观念的载体。 3. 数位时代的冲击与后摄影的未来： 最后一章聚焦于数位影像的普及如何彻底改变了图像的生产、传播与观看方式。我们讨论了摄影与新媒体的融合，以及图像的“可篡改性”如何挑战了我们对“真实”的传统信念。从档案的数字化到虚拟现实中的影像构建，本书将展望摄影在未来媒介生态中可能扮演的新角色。 本书特色： 本书不仅是流派的编年史，更是一场关于“观看”与“被观看”的哲学思辨。通过对不同时期理论文本的精选摘录与影像案例的深度剖析，读者将能够构建起一个跨越时间与国界、完整而富有洞察力的世界摄影图景，理解每一张照片背后的文化代码与时代精神。

评分☆☆☆☆☆

翻到后半部分，影像的色调开始变得丰富起来，那些彩色作品带来的冲击感和冲击力完全是另一种维度。如果说前半段的黑白是沉郁的内心独白，那么彩色部分则像是对现实世界无节制的、近乎迷幻的捕捉。我尤其欣赏其中几位摄影师对光线的运用，那种近乎饱和的色彩，仿佛把夏日午后东京街道上热浪的温度都凝聚在了相纸上。它们不再是冷静的记录者，而更像是狂热的体验者，他们的镜头如同一个高倍放大的棱镜，折射出都市生活那种既绚烂又虚无的本质。我感觉自己像是喝下了某种强效兴奋剂，大脑皮层被这些强烈的视觉信息过度刺激，产生了一种眩晕感。这种风格上的巨大跨越，清晰地展现了这五十年间，摄影技术、社会观念以及艺术家个人心境的全面迭代，非常具有研究价值。

评分☆☆☆☆☆

我注意到书中对不同摄影家的介绍篇幅分配得相当平衡，这使得整本书的阅读体验非常流畅，没有因为某位超级巨星的光芒而掩盖了其他同样重要的声音。尤其是对于一些相对低调但技艺精湛的摄影家的收录，体现了编纂者的专业态度和对摄影史全貌的追求。那些相对舒缓、更具人文关怀的作品，为全书的激昂和先锋性提供了一个必要的缓冲地带，让读者的情绪得以平复和消化。这种张弛有度的编排，使得整部作品集不仅仅是视觉的盛宴，更像是一场精心组织的交响乐，有高亢的乐章，也有悠扬的间奏。它成功地构建了一个完整且立体的日本摄影图景，让读者在走出书页之后，对这个领域的热情被重新点燃，并且充满了继续探索的动力。

评分☆☆☆☆☆

我一直对战后日本社会文化变迁抱有浓厚的兴趣，而这本书提供的不仅仅是艺术欣赏，更像是一份视觉人类学的报告。我注意到其中几位大师的作品，风格迥异，但都精准地捕捉了日本在快速现代化进程中，个体精神状态的微妙变化。比如，有几幅作品中那种极度私密、近乎侵犯性的肖像，它们挑战了观者与被摄者之间的界限，迫使我们直面人性的幽暗与欲望的真实面貌。这种对禁忌主题的大胆触碰，无疑是那个时代先锋艺术家的标志。我发现自己被深深地卷入了这些影像构建的叙事迷宫中，试图从那些模糊不清的背景、强烈的阴影和不自然的肢体语言中，解码出创作者试图传达的社会情绪。这种阅读体验是高度智性的，它要求读者具备一定的文化背景知识，才能真正领会那些被省略、被暗示的深层含义。对于初次接触日本摄影史的人来说，这本书的深度可能会带来一定的门槛，但对于资深爱好者而言，这无疑是一部值得反复咀嚼的珍藏。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的装帧和内容厚度让人望而生畏，但我一旦开始阅读，时间仿佛就被抽离了。最让我感到震撼的是，这些大师的作品跨越了不同的题材——从极端的私密到广阔的社会景观，从对美的颠覆到对日常的诗意化——但它们共同指向一个核心：对“在场”的执着。无论镜头对准的是一张疲惫的脸，还是一片被遗忘的废墟，那种强烈的“此时此刻”的临场感是无法复制的。这让我思考，在如今这个数字图像泛滥的时代，这种用化学定影的、需要耗费巨大体力与心力的传统摄影作品，究竟拥有怎样不可替代的重量感和真实性。这本书不仅仅是作品集，它更像是一部关于“如何观看世界”的教科书，教导我们如何穿透表象，直抵事物存在的核心。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的影集刚到手，光是沉甸甸的重量就让人心生敬畏。我迫不及待地翻开，扑面而来的是一种既熟悉又陌生的视觉冲击。那些黑白照片，质感粗粝得像是直接从旧胶片上拓印下来的，每一粒颗粒都在诉说着时代的风霜。我尤其被其中一组街头抓拍所吸引，那种近乎粗暴的纪实感，仿佛能把我瞬间拽回到上世纪七八十年代东京涩谷的某个街角，空气中弥漫着烟草和汗水的味道。摄影师的视角是如此的尖锐和不加修饰，他捕捉到的不是摆拍的美好，而是活生生的、带着瑕疵的日常。这种直接撞击心灵的表达方式，让人在欣赏之余，不得不停下来反思自己对“美”的定义，以及我们是如何被主流媒体驯化了审美观的。这本书的排版设计也十分考究，大开本的印刷让画面有了足够的呼吸空间，即便是那些看似杂乱无章的构图，在精心安排的留白中也呈现出一种独特的韵律感。阅读的过程，与其说是看照片，不如说是一场与时代精神的深度对话。