大色彩：静物篇 9787539861555 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

郑诗本 著

图书标签:

• 绘画
• 静物
• 色彩
• 艺术
• 技法
• 教程
• 美术
• 设计
• 素描
• 油画

店铺： 博学精华图书专营店

出版社： 安徽美术出版社

ISBN：9787539861555

商品编码：29623109343

包装：平装

出版时间：2015-06-01

基本信息

书名:大色彩：静物篇

：68.00元

售价：49.6元,便宜18.4元,折扣72

作者:郑诗本

出版社：安徽美术出版社

出版日期：2015-06-01

ISBN：9787539861555

字数：

页码：80

版次：1

装帧：平装

开本：8开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

内容提要

《大色彩：静物篇》深入浅出、循序渐进地设置了不同的课题和练习，规范而系统地介绍了色彩静物造型艺术的专业知识，使绘画爱好者少走弯路，尽快掌握绘画基础知识和技能，为早日考入大艺术院校，成为素质全面、富有创造力的专业人才打好基础。

目录

章 整体色调练习
色调训练的意义
色调的练习内容

第二章 局部塑造练习
局部单体训练的意义
局部练习的方向
陶罐的画法
可乐瓶的画法
不锈钢茶壶的画法
酒坛的画法
黄苹果的画法
香蕉的画法
红苹果的画法
葡萄的画法
柠檬的画法
西红柿的画法
萝卜的画法
黄色彩椒的画法
黄梨的画法
香梨的画法
高脚杯的画法
玻璃杯的画法

第三章 八开作业练习
八开作业训练要点
短期作业训练的日的

第四章 色彩写生训练
水果专题色彩写生
蔬菜专题色彩写生
生活用品专题色彩写生
花卉专题色彩写生

第五章 色影写生出骤解析
雪碧瓶静物组合步骤示范
浅色陶罐水果静物组合步骤示范
重色茶壶水果静物组合步骤示范
重色陶罐蔬菜静物组合步骤示范
黑色瓷瓶蔬菜静物组合步骤示范

第六章 写生作品对照

第七章 作品示范

作者介绍

郑诗本，从事美术高考教学15年，曾获得广州美术学院术科考试全国第九名，至今培养大批学生进入清华大学美术学院、中央美术学院、中国美术学院、广州美术学院等各美术院校，个人油画作品被多家私人机构收藏。

文摘

序言

章 整体色调练习
色调训练的意义
色调的练习内容

第二章 局部塑造练习
局部单体训练的意义
局部练习的方向
陶罐的画法
可乐瓶的画法
不锈钢茶壶的画法
酒坛的画法
黄苹果的画法
香蕉的画法
红苹果的画法
葡萄的画法
柠檬的画法
西红柿的画法
萝卜的画法
黄色彩椒的画法
黄梨的画法
香梨的画法
高脚杯的画法
玻璃杯的画法

第三章 八开作业练习
八开作业训练要点
短期作业训练的日的

第四章 色彩写生训练
水果专题色彩写生
蔬菜专题色彩写生
生活用品专题色彩写生
花卉专题色彩写生

第五章 色影写生出骤解析
雪碧瓶静物组合步骤示范
浅色陶罐水果静物组合步骤示范
重色茶壶水果静物组合步骤示范
重色陶罐蔬菜静物组合步骤示范
黑色瓷瓶蔬菜静物组合步骤示范

第六章 写生作品对照

第七章 作品示范

纸上光影的沉思：西方艺术史中的静物画传统 一、 引言：静物之境的界定与演变 静物画，作为一种独立而成熟的绘画类型，其历史渊源深植于西方艺术对物质世界与精神意蕴的持续探索之中。它摒弃了宏大的历史叙事与神圣的宗教主题，转而将焦点投向日常可见的器皿、食物、花卉乃至死亡的象征物。这种艺术形式的演变，不仅仅是描绘“物象”本身的技术进步，更是时代精神、哲学思潮与社会变迁在微观层面的折射。 本书旨在梳理西方艺术史中静物画从萌芽期到成熟期，再到现代主义转型的关键节点，深入剖析不同历史时期静物画所承载的文化密码与美学诉求。我们将跨越地域与流派，考察那些沉默的物体如何被赋予了超越其实用价值的哲学重量。 二、 早期根源与象征的萌发（古代至文艺复兴早期） 虽然严格意义上的“静物画”在早期并不独立存在，但其元素已散见于壁画、祭坛画的背景装饰之中。古罗马庞贝古城的壁画中，已出现对水果和器皿的逼真描绘，这展现了对世俗生活细节的关注。 进入中世纪，静物元素更多地服务于宗教叙事。例如，圣母的服饰边缘、圣徒手中的圣物，都带有高度符号化的意味。文艺复兴时期，随着人文主义的兴起和对自然观察的重视，静物的写实技巧得到了显著提升。然而，此时的静物仍是附属品，它们通常位于肖像画或宗教场景的角落，用于烘托主题或暗示人物的身份地位。例如，在佛兰德斯画派的早期作品中，对金质圣物和织物的精细刻画，已预示了未来对光影和质感的极致追求。 三、 荷兰黄金时代的辉煌：静物画的独立与繁荣 十七世纪的荷兰共和国，独特的社会结构、强大的商业能力以及新教伦理的盛行，为静物画的独立发展提供了沃土。富裕的市民阶层取代了教会和贵族，成为艺术的主要赞助人，他们偏爱能够反映自身财富、品味与道德观念的题材。 1. 奢华的展示：盛宴静物（Pronkstilleven） 这一时期，以威廉·卡尔夫（Willem Kalf）和扬·达维德斯·德·海姆（Jan Davidsz. de Heem）为代表的画家，热衷于描绘堆满异国情调水果、精美瓷器、银器和东方地毯的“炫耀性静物”。这些画作不仅是炫技的舞台——展现对反光、纹理和色彩的精确把握，更是对新近积累的全球贸易财富的直观展示。然而，在这片物质的繁荣之下，往往潜藏着强烈的道德反思。 2. 道德的警钟：虚空派（Vanitas） 与“盛宴静物”相对，虚空派静物是静物画中最具哲学深度的分支。它们以骷髅头、熄灭的蜡烛、腐烂的水果、沙漏、音乐乐器或紧闭的书籍等元素，直白地提醒观者“万物皆空”（Vanitas vanitatum, et omnia vanitas）。这些作品并非单纯宣扬虚无，而是引导人们将注意力从短暂的物质享乐转向永恒的灵魂救赎。彼得·克拉斯（Pieter Claesz）和扬·桑雷达姆（Jan Sandersz. Saenredam）的精妙构图，将这种宗教警示融入日常可见的物件之中，达到了技法与寓意的高度统一。 3. 日常的诗意：餐桌上的寻常物 从宏大的宴会转向更贴近普通市民生活的场景，皮特·克拉斯（Pieter Claesz）和扬·德·赫姆（Jan de Heem）也创作了朴素的“早餐静物”或“面包和奶酪”系列。这些作品以柔和的光线和简约的布局，强调了荷兰人对秩序、节俭和适度的赞美，展现出一种宁静、内省的美学倾向。 四、 洛可可与新古典主义的回响：情感与秩序的再平衡 进入十八世纪，静物画在法国的地位有所提升，但更多地作为装饰艺术或学院派练习而存在。 在洛可可的轻盈氛围中，以让·巴蒂斯特·西梅翁·夏尔丹（Jean-Baptiste-Siméon Chardin）为代表的画家，却逆流而上，发展出一种极其内敛、充满人性温度的静物风格。夏尔丹摒弃了荷兰静物中常见的炫技元素，专注于描绘厨房里的鸡蛋、陶罐、未去皮的桃子或简单的餐具。他的画面光线沉静，构图稳固，通过对物体体积和重量的深刻理解，赋予了寻常物品以尊严与永恒感，这被后世视为对现代朴素主义的先声。 新古典主义时期，静物画再次退居次要地位，其描绘趋于刻板和精确，强调清晰的轮廓和理性化的组合，服务于学院派对古典理想的推崇。 五、 印象派与后印象派的视觉革命 十九世纪中叶，随着绘画核心从历史叙事转向对“视觉经验”的捕捉，静物画迎来了新的解放。 1. 印象派的光与色：瞬间的捕捉 爱德华·马奈（Édouard Manet）和早期印象派画家开始将户外光线和直接观察引入静物创作。然而，真正将静物提升到现代绘画核心地位的是保罗·塞尚（Paul Cézanne）。 2. 塞尚的形体构造：几何的永恒 塞尚是理解静物画演变的关键人物。他不再满足于描绘物体的“表象”，而是试图揭示其“结构”。他挑战了传统的单点透视法，通过多重视角观察苹果、盘子和桌布，使物体呈现出一种微妙的倾斜和“不稳定感”。对他而言，静物是研究几何体（圆柱体、球体、圆锥体）的理想载体。塞尚的静物实践，直接预示了立体主义的诞生，将静物从“描绘对象”转变为“构建空间”的实验场。 六、 现代主义的解构与重塑 二十世纪初，静物画成为现代艺术流派检验其理论和美学主张的最常用工具。 1. 立体主义的革命 毕加索（Pablo Picasso）和布拉克（Georges Braque）将塞尚的几何化倾向推向极致。在分析立体主义和综合立体主义阶段，他们将小提琴、吉他、酒瓶和报纸等静物元素打碎、分解，并在二维平面上重新组合，探索时间的维度和物体的多重侧面。静物不再是三维空间的错觉，而是平面上线条、形状和色彩的自主排列。 2. 超现实主义的梦境物语 超现实主义画家如萨尔瓦多·达利（Salvador Dalí）和雷内·马格里特（René Magritte），则将静物带入潜意识的领域。他们以极其精确的古典写实技巧，描绘出与现实逻辑相悖的组合——融化的时钟、漂浮的石头或突然出现的巨型物体。这些静物探索了日常物品的陌生化（Verfremdungseffekt），迫使观众质疑他们所认为的“真实”。 七、 结语：静物画的当代回响 进入战后和当代，静物画的边界继续拓展。波普艺术如安迪·沃霍尔（Andy Warhol）的汤罐系列，将批量生产的消费品提升为艺术主题，是对早期荷兰“盛宴静物”主题的戏谑性当代回应。而抽象表现主义和后来的极简主义，虽然表面上抛弃了传统静物，但其对画布上的物质性、形式与边缘关系的探索，在某种程度上继承了静物画中对“物体存在本身”的关注。 静物画的历史，就是一部西方艺术如何处理物质与精神、短暂与永恒、观察与构建的编年史。它证明了，最微不足道的日常之物，也能在艺术家的凝视下，成为承载深刻哲学思考的载体。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的感觉，不仅仅是一本画册，更像是一位经验丰富的艺术导师在娓娓道来。它没有枯燥的理论讲解，而是通过精美的画面，将艺术的语言直接传递给我。我能感受到作者对于静物画的热爱，以及他对色彩和光影的独特见解。当我仔细观察那些作品时，我仿佛能听到画家在创作时的呼吸声，感受到他们倾注在画作中的心血。书中有些作品的构图非常巧妙，将不同的物体以一种意想不到的方式组合在一起，却又显得和谐统一，引人深思。我常常会停下来，想象这些物体在现实生活中的场景，它们又是如何被画家发现并搬上画面的。我尤其喜欢那些描绘生活气息浓郁的静物画，比如餐桌上的食物，或是窗台上的盆栽，它们总能唤起我内心深处对生活的美好回忆。这本书让我重新审视了身边的生活，发现原来那些司空见惯的物件，也可以如此富有诗意和艺术价值。

评分☆☆☆☆☆

这本《大色彩：静物篇》的封面设计就深深吸引了我，那种浓郁而富有层次感的色彩运用，仿佛能透过纸张扑面而来，让人立刻感受到一种艺术的气息。我一直对静物画情有独钟，觉得它们虽然描绘的是日常的物件，但却蕴含着画家对生活最细致入微的观察和情感的表达。看到这本书的名字，我便好奇地想象其中会收录怎样的静物作品，是古典的油画，还是现代的水彩？是写实的描摹，还是抽象的意境？我期待着能看到那些被精心布置过的水果、花卉、器皿，在画家的笔下焕发出别样的生命力。静物画总给人一种宁静致远的感觉，让人在喧嚣的生活中找到片刻的安宁，去欣赏那些平凡之中的不凡。这本书的“大色彩”名号，更是激起了我想要一窥究竟的欲望，想要看看书中是如何运用色彩来构建静物的灵魂，如何通过色彩的冷暖、明暗、对比来营造出不同的氛围和情绪。我尤其希望能在这本书里找到一些能够启发我自身创作灵感的作品，学习大师们是如何处理光影、质感以及色彩之间的和谐统一的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的色彩运用，是我最想深入探讨的部分。它所呈现的“大色彩”，并非简单意义上的色彩鲜艳，而是一种对色彩的深刻理解和大胆运用。我看到了一些作品，大胆地使用了高饱和度的色彩，却一点也不显得突兀，反而营造出一种强烈的视觉冲击力。又或者是一些作品，巧妙地运用了对比色，让画面中的物体更加突出，充满活力。更让我着迷的是，书中一些作品对色彩的微妙变化处理得非常到位，比如在描绘白色物体时，画家并没有简单地用白色颜料，而是巧妙地融入了周围环境的色彩，让白色也拥有了丰富的层次感和生命力。我一直在思考，色彩是如何影响观者的情绪的，如何通过色彩的搭配来传达画家的情感和意图。这本书无疑为我提供了宝贵的范例，让我对色彩的运用有了更深层次的认识。我希望能将这些从中汲取的灵感，应用到我自己的色彩感知和表达中。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我首先被那些细节的处理所震撼。静物画的魅力，很多时候就体现在那些极其细微之处，比如水果表面光滑的纹路，花瓣边缘细腻的绒毛，或是金属器皿反射出的微妙光泽。我在这本书中看到的画作，仿佛能够让我伸手触摸到那些材质的真实感，感受到它们在光线下散发出的不同质感。我尤其欣赏画家们对于光影的把握，一道柔和的光线打在苹果上，勾勒出饱满的轮廓，投下淡淡的阴影，让整个画面立刻生动起来。又或者是透过玻璃杯折射出的光线，在桌面上投下斑斓的色彩，为画面增添了梦幻般的色彩。我一直在思考，画家是如何捕捉到这些转瞬即逝的光影变化的，又是如何用画笔将其凝固在画布上的。这本书中的作品，给了我许多新的理解。那些看似简单的静物，在画家眼中却是充满无限可能性的世界，每一个角度，每一次光线的变化，都能赋予它们新的生命。我希望能从中学习到更多关于构图和色彩搭配的技巧，让我在欣赏和创作中都能有所提升。

评分☆☆☆☆☆

在我看来，这本书更像是一场关于“看见”的盛宴。它教会我如何去“看见”那些被我们忽略的美好。静物画的魅力，在于它将平凡的物品升华为艺术。这本书中的每一个画面，都是一个独立的，充满故事的世界。我看到了一束阳光穿过窗户，洒在桌面上，唤醒了一盘水果的生机；我看到了一束鲜花，在瓶中静静绽放，诉说着生命的短暂与绚烂。我被那些画作中细腻的笔触和丰富的色彩所打动，它们让我感受到了一种前所未有的宁静与喜悦。我常常会在这本书中流连忘返，反复品味每一幅画作的细节。它让我明白，艺术并非遥不可及，它就存在于我们生活的点滴之中，等待着我们去发现，去感受。这本书，为我打开了一扇通往静物艺术世界的窗户，让我看到了更多关于美，关于生活的可能性。