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崔锦 著

图书标签:

• 天津
• 民间美术
• 传统工艺
• 民俗文化
• 地域艺术
• 杨柳青年画
• 泥人张
• 风筝
• 剪纸
• 非物质文化遗产

出版社： 天津人民美术出版社

ISBN：9787530567982

版次：1

商品编码：11727713

包装：平装

开本：32开

出版时间：2015-06-01

用纸：胶版纸

页数：148

正文语种：中文

内容简介

　　天津民间美术的一些老品种因为种种原因已经不存在了，如通草画、章线、铁机缎、龙凤箱、面具、麦秆玩具、砖雕等。但是，现在却有更多的民间美术品涌现出来，如王王勺的面塑，李岳林的微缩景观，尔宝瑞的蜡像以及常诚的布艺，谭春蕾的微画，王金义的蛋雕，赵宝国的烙画，王富瑞的锯末画，岳鸿桂、王强的皮画，张福海的糖画，李如田的内雕烟壶等，据统计，约有近百个新作品问世，正如冯骥才说的那样，现在的天津民间美术是“新人新作新面目，昨年去年皆不知”。

内页插图

目录

前言
第一章 独领风骚的杨柳青年画
第二章 出类拔萃的泥人张彩塑
第一节 精美绝伦的天津面塑
第二节 王廷章巧手塑羊
第三节 墨稼斋与娃娃李
第四节 津门扎彩甲天下
第五节 独具风格的天津面具
第六节 王文会的玩具娃娃
第三章 技艺奇特的天津风筝
第四章 彪炳史册的天津木雕艺术
第五章 回族艺人的拿手绝活儿——刻砖
第六章 载誉清官的绒绢花
第七章 “进宝斋”刻纸不能成绝响
第八章 刘海空竹响彻云天
第九章 元宵节和灯笼王
第十章 麦秆玩具国际折桂
人物介绍
名作赏析
苏小妹三难新郎
桃源问津图
鹰风筝
风筝
木雕四条屏春
木雕四条屏夏
木雕四条屏秋
木雕四条屏冬
泥塑吹糖人儿
泥人儿白蛇传
少女
和合二仙
南村访友
钟馗嫁妹
钟馗嫁妹（局部一）
钟馗嫁妹（局部二）
渔樵问答
渔妇
渔归
三娘教子
蓟县独乐寺
天津吊钱儿
剪纸蝴蝶
剪纸山水
后记

前言/序言

《千年古韵：中国传统服饰的演变与文化解读》 一、引言：衣冠之上的文明轨迹 服饰，不仅仅是遮体御寒的物质存在，更是凝固的历史、流动的文化符号。它以最直观的方式，映照着一个民族的审美取向、社会结构、礼仪规范乃至哲学观念。《千年古韵：中国传统服饰的演变与文化解读》以宏大的历史视野和精微的文化剖析，带领读者穿越数千年的时光长河，探寻中国服饰自原始萌芽至清末民初的完整演变脉络。本书聚焦于“衣冠”这一核心载体，阐释其如何成为华夏文明的物质载体和精神图腾。 二、上古洪荒：雏形初现与礼制奠基（史前至夏商） 本书的开篇追溯至服饰的“零点”。在原始社会，兽皮和树叶构成了最基础的覆盖物，但很快，随着纺织技术的出现，服饰开始具备了明确的社会意义。 麻与丝的诞生： 详细考证了中国古代先民掌握植物纤维（麻）和动物纤维（丝）的过程，以及这两种材质在早期社会中扮演的不同角色——麻的普及性与丝的贵族性。 “衣”与“裳”的区分： 阐述了上衣下裳制如何在夏商时期确立为中华服饰的基本形制。这不仅仅是搭配的变化，更是对天地秩序模仿的体现。 色彩的初始语境： 商代甲骨文中对不同祭祀场合的色彩记载，揭示了原始宗教信仰与服饰色彩之间早期的强关联性。黑色、红色在这一阶段被赋予了神圣的意义。 三、礼乐之邦：周制的确立与服饰的制度化（西周至春秋战国） 周代是中华礼乐制度的奠基时期，服饰随之被纳入严苛的宗法等级体系之中。本书将重点分析周代服饰如何成为“辨等列位”的工具。 深衣的出现与推广： 详细解析了深衣（曲裾、直裾）的结构特点，探讨其如何象征“被覆以合身”的儒家理想，以及其成为士人阶层标志性服饰的过程。 冕服的礼仪功能： 重点剖析了冕服（如玄冕）的各个部件——冕板、旒、玉藻、衣裳、蔽膝、韡韡——及其所代表的天圆地方、五色定位等宇宙观。这些服饰元素是活的哲学教材。 百家争鸣中的服饰流变： 战国时期，诸侯争霸，不同地域的文化开始渗透到服饰中。例如，楚服的浪漫奔放与中原服饰的端庄持重形成了鲜明对比，反映了文化张力的加剧。 四、大一统的融合与革新：秦汉的恢弘气象 秦汉时期，国家大一统，服饰体系也迈向成熟与规范化，尤其是在等级区分和官员服饰上。 秦代尚黑与权力象征： 分析秦始皇统一六国后，推行“以水德”的尚黑色理论，如何渗透到官服体系中。 汉代襕衫与袍服的定型： 探讨汉代襕衫（或称“直裾”、“曲裾”）如何成为常服的主流，以及“袍服”体系对后世官服的影响。重点分析了“章服制度”的初步建立。 丝绸之路的影响： 丝绸的大量外销，使得中国服饰的材料学和工艺水平达到了前所未有的高度，并开始影响西域文化。 五、魏晋风骨：个性解放与服饰的审美转向 魏晋南北朝是中国历史上一个特殊的时期，玄学盛行，士人追求精神的自由，这种“魏晋风度”深刻地体现在服饰上。 褒衣博带的哲学表达： 详细描摹了宽大飘逸的“褒衣博带”的形象，解析其如何反抗汉末以来的繁琐束缚，体现了对个体精神自由的追求。 “褶”的流行： 探讨源自北方游牧民族的“褶”——即在衣外加穿的短外套——如何被汉族士人接纳并融入日常装束，展现了民族融合的早期迹象。 “襦裙”的雅致化： 梳理了女性服饰中襦裙搭配的变化，如何从实用性向审美性过渡。 六、隋唐气象：开放、多元与盛世的华彩 唐代是中国古代服饰的黄金时代，其特点是兼容并蓄、雍容华贵，展现了盛世的自信与开放。 “圆领袍”的官服化： 详述了源自胡服的圆领袍如何被采纳为唐代官服的常服，成为影响后世千年的基础形制。 女性服饰的革命： 深度解析了唐代女装的创新，如低胸装（袒领）、窄袖、以及“帔帛”的佩戴方式，反映了唐代女性地位的提升和审美取向的大胆。 异域风情与“胡化”： 记录了琵琶髻、幞头、靴子等外来元素如何被本土化，成为大唐服饰的组成部分，体现了海纳百川的文化胸襟。 七、宋代的内敛与理学的影响 宋代服饰风格在唐代的华丽奔放之后，转向了清雅、内敛与重理性的方向，与程朱理学的兴起紧密相关。 褙子与宋裤的流行： 分析了宋代女性常服褙子的简洁线条，以及下身搭配的“宋裤”，展现了生活化的实用美学。 官服的重规范： 宋代对官服制度的细化达到了前所未有的程度，如公服的“绯、紫、绿、青”的严格区分，体现了“重文抑武”的时代特点。 文人审美的情趣化： 探讨宋代士大夫阶层对服饰“古朴”与“雅致”的追求，比如对“直裰”等中古服饰的追溯和改良。 八、蒙元影响与明代的复古与定型 元代的服饰体系带有强烈的游牧民族色彩，而明朝的建立则标志着一次大规模的“汉族服饰复古运动”。 元代服饰的并存： 描述了蒙古服饰（如辫线袄）与汉族服饰在社会中的并存状态。 明代“章服之美”的回归： 重点分析了明初对周汉唐宋服饰制度的整理和继承，尤其是对曳撒、道袍、比甲等服饰形制的规范，将服饰的等级制度推向了封建社会的顶峰。 补子与纹样的细化： 详述了明代官服上“补子”（文禽武兽）的制度，及其在信息传达上的精确性，并探讨了“织金”、“妆花”等复杂工艺的巅峰成就。 九、清代服饰的终章：满汉融合与晚清的转型 清代服饰是中华传统服饰史的句点，是满汉文化激烈冲突与最终融合的产物。 “剃发易服”的文化冲击： 分析了满族服饰体系（如马褂、坎肩、袍褂）如何取代汉族传统形制，成为主流。 旗装的普及： 详细描绘了清代男女常服——旗装（马褂、长袍）的特征，及其在社会各个阶层中的应用。 晚清的“中西合璧”： 随着西方文化进入，晚清时期的服饰开始出现燕尾服、西装的影响，为民国服饰的诞生埋下了伏笔。 十、结语：服饰背后的文化密码 本书最后总结了贯穿数千年中国服饰史的三大核心主题：礼制秩序、阴阳五行观念、以及审美变迁。通过对“衣冠”的系统梳理，读者将能理解中国古代社会如何通过服饰这一媒介，实现了对人、对自然、对宇宙的认知和表达。本书旨在为读者提供一个清晰、深入的中国传统服饰文化全景图，而非局限于地方性、阶段性的民间工艺研究。

评分☆☆☆☆☆

整本书的语言风格给我的感觉是，它不是写给艺术评论家看的，而是写给对生活怀有深厚情感的普通人阅读的。它探讨了那些与日常生活紧密交织的实用艺术，比如彩绘的家具、刻花的器具，甚至是用来储存食物的陶罐上的装饰花纹。作者的叙事视角非常平易近人，没有故作高深的术语，而是用一种讲述邻里故事的口吻，娓娓道来。例如，它描述了一种在特定地区流行的“嫁妆家具”的彩绘传统，提到新嫁娘会亲手在自己的箱子上画上象征爱情和福气的图案，这些图案如何结合了宗教符号和个人情感的表达。书中提到一个细节，说有些家庭会故意在图案的角落留下一个“不完美”的小瑕疵，据说是为了提醒后代，生活和艺术都应保持谦逊，永远留有进步的空间。这种对民间“不完美哲学”的阐释，非常触动人心。它让我意识到，真正的民间艺术，不是殿堂里供奉的完美展品，而是渗透在柴米油盐中的，带有温度和生命力的文化载体。读完，心中充满了对那种质朴而深刻的生活哲学的向往。

评分☆☆☆☆☆

这本书的后半部分，聚焦于传统节庆中的“装置艺术”，也就是那些搭台唱戏用的背景、游行花车上的雕塑装饰等等。这些内容，在我看来，是最具时代烙印和地方特色的部分。我特别震撼于它对“临时性建筑美学”的记录。在那些特定的日子里，人们会用最易得的材料——竹篾、纸糊、彩绸——在极短的时间内搭建起宏大而华丽的场景。书中收录了许多老照片，记录了这些“快闪式”的艺术品从搭建到被拆除的全过程。最妙的是，作者竟然找到了当年设计这些花车的人留下的草图和笔记，上面写满了诸如“这个转轴的受力点需要加强”或者“晚上灯笼的光线要打在龙眼上才能显得有神”之类的技术批注。这表明，即便是看似随意的民间创造，背后也蕴含着极其严谨的结构力学和视觉设计原则。这本书让我们看到了，在没有现代工程支持的情况下，民间艺人是如何凭借经验和智慧，创造出兼具美观和稳定性的复杂结构。这是一种对“在地智慧”的最高礼赞，让人由衷敬佩。

评分☆☆☆☆☆

最近淘到一本关于某个地方传统手工艺的书，装帧得很朴实，封面那种略微泛黄的纸张质感，一下子就把人带回了那种充满烟火气的年代感里。这本书的内容详实得惊人，简直像是一部活的民间艺术史。它没有大谈阔论那些宏大的艺术理论，而是专注于描绘那些在乡村巷陌间世代传承下来的技艺。比如，它用了好几页纸细致地讲解了某种特定的泥塑造型是如何从早期的祭祀用途，一步步演变成后来的日常装饰，每一个细节的比例变化，甚至所用颜料的来源和配方，都被考据得清清楚楚。我特别喜欢它对“匠人精神”的侧面刻画，通过访谈一些年迈的艺人，记录下了他们在物资匮乏的年代里，如何坚持使用最原始的工具，反复打磨一件作品的心路历程。文字里透着一股子对这份传统文化近乎虔诚的敬畏，读起来让人忍不住想亲自去那个地方，看看那些依然健在的老手艺人是如何工作的。它不仅仅是记录，更像是一种抢救性的文化保存，把那些随时可能失传的口述技艺和实物样本，用文字和照片的形式，牢牢地钉在了历史的底片上。这本书的价值，远超出了一个普通读者的期待，它提供了一个深入了解特定地域文化肌理的绝佳切口。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是一本视觉盛宴，那些关于地方戏曲服装和脸谱的章节，看得我目不转睛。摄影师的功力毋庸置疑，光影的运用非常到位，把布料的纹理、刺绣的针脚，甚至是老旧舞台道具上细微的磨损痕迹，都捕捉得淋漓尽致。尤其是介绍几种特定剧种的脸谱绘制过程那一段，简直是技术手册级别的详尽。它没有简单地罗列出不同脸谱的意义（忠奸善恶），而是深入到绘制工具的挑选，比如哪种动物毛的笔尖最适合勾勒“开脸”的线条，以及调色的过程中，如何通过水分的控制来影响颜色的厚重感和层次感。读到后来，我甚至能想象出画师在案前屏息凝神，一笔一划勾勒出那复杂纹样的专注状态。而且，这本书的编排也很有巧思，它将静态的图样和动态的演出剧照穿插在一起，让读者能够直观地感受到这些服装和脸谱在舞台上的生命力。这种从“物”到“用”的转换，极大地提升了阅读的沉浸感。对于任何一个对舞台艺术、纺织工艺或者色彩学感兴趣的人来说，这本书都是一本不可多得的参考书，信息量大到需要反复翻阅才能消化。

评分☆☆☆☆☆

我一直对地域性的民俗符号比较好奇，这本书在解读那些看似简单的图腾和纹饰时，展现出了令人震撼的文化深度。比如，书中花了大量的篇幅来剖析一种特定的窗花剪纸图案——“连年有余”。它不仅仅解释了“鱼”和“莲”的谐音意义，更是追溯了这种组合图案在不同朝代、不同社会阶层中寓意的微妙变化。在宋代，它可能更多地指向丰收的祈愿；而在清代，则明显加入了更多家族繁衍和子嗣绵延的祝福色彩。作者的考据工作做得极其扎实，大量引用了地方志和民间歌谣作为佐证，使得每一项解读都有据可循，绝非空泛猜测。这本书的行文风格非常冷静、学术，但又不失趣味性。它采用了大量对比分析的方法，将同一主题在邻近几个不同地区的表现形式进行横向比较，突显了地域文化在交流与隔绝中的独特演变路径。这让我明白，即便是最简单的民间艺术，背后也蕴含着复杂的社会心理和历史脉络。读完这部分内容，再看任何一个地方的民俗剪纸，都会有一种“洞悉本质”的满足感。