中国美术史(插图珍藏版)——郑昶专著，蔡元培盛赞，一本书全面了解中国美术，名家名篇 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

郑昶 著

图书标签:

• 中国美术史
• 美术史
• 艺术史
• 中国艺术
• 绘画
• 书法
• 雕塑
• 建筑
• 郑昶
• 蔡元培

店铺： 天乐图书专营店

出版社： 团结出版社

ISBN：9787801309655

商品编码：29575780360

包装：平装

出版时间：2011-01-01

基本信息

书名：中国美术史(插图珍藏版)——郑昶专著，蔡元培盛赞，一本书全面了解中国美术，名家名篇

定价：36.80元

作者：郑昶

出版社：团结出版社

出版日期：2011-01-01

ISBN：9787801309655

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.400kg

编辑推荐

---

郑昶先行划中国美术史为四期；自太古历唐虞三代而迄于秦汉；自隋唐五代以迄宋，为“繁荣时代”；自元至清，为“沉滞时代”。

内容提要

---

本书扼要地发挥艺术的本质，诸相以及发展的轮廓，精语甚多，为近一本值得讽诵的好书。不过说里德论中国艺术千趄万确，那也未免过分。
　　郑昶先生划中国美术史为四期：自太古历唐虞三代而迄于秦汉，为“滋长时代”；魏晋南北朝，为“混交时代”；自隋唐五代以迄宋，为“繁荣时代”；自元至清，为“沉滞时代”。
　　阅读本书的理由：一九二九年，郑昶先生统计出中国美林专著二千余种，外加温肇桐《历代中国画学著述目录》增订本收录东晋至清代画学著述达八百十四种，已知世界上无任何一民族，在美主之理论深度与著作数量上，可与中国相匹致。
　　“中国的”，是一种独特的境界。中国美术，在同外域文明不间断的有限度的交涉中，一步步踏上这境界的*。
　　建议以下人群阅读本书：美术家或美术爱好者，中西文化交流史之专家或爱好者，不推崇中国文化但至少不全盘否定中国文化之中西人士、大中小学生。

目录

---

章 绪论
第二章 雕塑
第三章 建筑
第四章 绘画
第五章 书法
第六章 陶瓷
参考书

作者介绍

---

郑昶（1894－1952），字午昌，号弱龛，嵊县人。画家、美术史家。早年就读于杭州府中学堂，与徐志摩同学。工山水，兼擅花果，善画杨柳。曾任中华书局美术部主任。汉文正楷字模，创办汉文正楷印书局，任总经理。历任杭州艺专、上海美专及新华艺专教授，并与谢公展等组织蜜蜂画社等，任中国画会常务理事。著有《中国美术史》、《中国画学全史》、《中国壁画史》等。

文摘

---

序言

---

泱泱中华，艺海拾贝：一部探索中国艺术精神与流变的宏篇 书名：《中华艺术精神溯源：从新石器到近现代的视觉文化之旅》 作者： [虚构的权威学者名称，例如：林思远、陈怀瑾] 出版社： [虚构的知名出版社，例如：翰墨轩文化、文物出版社] 开本与装帧： 精装，大16开，全彩印刷，附赠高清图版集。 --- 导言：穿越时空的艺术对话 中华文明绵延五千年，其艺术成就如同璀璨的星河，照亮了人类文明的进程。然而，要真正领悟这些艺术作品背后的时代精神、哲学思辨乃至社会变迁，绝非简单的图像罗列所能企及。本书并非一部罗列名家、总结流派的浅尝辄止之作，而是一次深入肌理、追溯源流的系统性考察。我们旨在构建一个宏大而精微的叙事框架，探寻贯穿中国艺术史的主线——“艺术精神的传承与嬗变”，并以此为锚点，解析不同历史阶段的视觉语言是如何建构起中华民族的审美范式与宇宙观。 本书着重于宏观脉络的梳理、深层文化语境的剖析以及中西艺术比较下的自我审视，力求超越对特定时期、特定画种的细致描摹，转而关注艺术形态背后的“道”与“理”。 --- 第一编：文明的胎动与远古的符号——史前至秦汉的艺术原型 本篇聚焦于中国艺术最古老、最神秘的开端。我们不满足于仅展示彩陶或青铜器皿的造型，而是深入探究这些早期符号所蕴含的萨满信仰、氏族图腾以及早期宇宙观的投射。 重点探讨方向： 1. 新石器时代的“意象”构建： 聚焦于仰韶、马家窑文化中的几何纹饰与动物形象，分析其如何从实用功能逐步过渡到宗教、权力象征的视觉代码。探讨“人面鱼纹”等关键符号背后的文化密码。 2. 夏商周青铜礼器中的“威权美学”： 深入剖析饕餮纹、云雷纹的象征意义，研究礼器形制如何服务于周礼制度的构建。重点分析铭文的书法性与图像性的结合，揭示早期“文”与“物”的统一性。 3. 秦汉雕塑与帝国意志的表达： 考察兵马俑群像的组织结构，分析其在写实与程式化之间的平衡点。同时，梳理汉代画像石、画像砖中对世俗生活、神仙世界的描绘，探究儒家、道家思想在视觉艺术中的早期渗透。 --- 第二编：士人精神与文人绘画的勃兴——魏晋至宋代的哲学渗透 魏晋南北朝至宋代，是中国艺术史上一次深刻的“内化”过程。艺术不再仅仅是服务于宫廷或宗教的工具，它开始成为个体生命体验和哲学思辨的载体。 重点探讨方向： 1. “气韵生动”的理论建构与早期实践： 详尽梳理谢赫“六法”的哲学基础，重点分析顾恺之、陆探微等早期人物画家的“传神写照”技巧，探讨“道家超逸”精神对人物形象塑造的影响。 2. 山水画的“主体化”： 分析王维、李思训父子的“青绿山水”与“水墨山水”的对立与融合，阐释山水画如何从“可游”转向“可居”，最终成为士人安顿心灵的“精神家园”。 3. 宋代院体画的精微与意境的张力： 比较徽宗朝的院体画对自然细节的极致捕捉（如花鸟画的“写生”），与文人画强调“胸中丘壑”的内在张力。探讨宋代美学中对“理”与“象”的追求。 4. 宋瓷的“釉色哲学”： 专题分析汝窑、官窑、哥窑等名窑的审美转向，研究素雅、内敛的釉色变化如何体现宋代文人士大夫的审美趣味与对“天人合一”境界的向往。 --- 第三编：技艺的巅峰与世俗的繁盛——元明清的专业化与地域流变 元代遗民身份的转变、明中后期市民阶层的崛起以及清代南北画坛的持续争论，构成了这一时期艺术图景的复杂性。本书将重点分析艺术的“专业化”与“地方化”趋势。 重点探讨方向： 1. 元代文人画的“出世”与“入世”： 深入剖析“元四家”的风格分野，探讨他们如何通过笔墨的个人化语言，对抗政治压迫，完成对传统笔墨语言的彻底解放。 2. 明代学院派的“规范”与民间艺术的“活力”： 分析浙派、吴门画派在技法上的继承与创新。同时，专题考察江南织锦、版画等世俗艺术的繁荣，揭示其对市民审美趣味的满足。 3. 清代“笔墨意识”的极化： 重点分析董其昌的“南北宗论”在清初的深化影响，以及“四王”对传统笔墨范式的继承与僵化。继而探讨“金陵画派”、“扬州八怪”等地方流派如何通过反叛传统、强调个性化表达，为近现代艺术变革积蓄力量。 --- 第四编：审美的转向与现代的挑战——艺术形态在近代的变迁与再定位 本书的终结部分，关注中国艺术在面对西方强势文化冲击时的内部挣扎与主动求变。这不是简单地介绍西学东渐，而是考察中国艺术家如何“消化”外来经验，试图重塑本土艺术的现代性。 重点探讨方向： 1. 对“照相写实”的警惕与回应： 分析早期留洋画家在学习西方写实技巧时，如何努力在“形似”与“神似”之间找到新的平衡点。 2. “美术”概念的引入与传统学科的重构： 考察“绘画”向“美术”转变过程中，对国画（传统绘画）在学科地位上的冲击与自我革新。分析如何通过引入素描、透视等技法，重塑中国画的造型基础。 3. 艺术体制的建立与艺术家的社会角色定位： 研究民国时期各类艺术社团、院校的成立，分析艺术家群体如何从传统士大夫向现代知识分子转型的过程中，对自身艺术使命的重新界定。 --- 结语：当代语境下对“中国性”的再思考 本书最终导向对“中国艺术精神”这一核心概念的当代解读。我们认为，中国艺术的精髓并非某种固定的风格，而是一种持续不断的“在路上”的创造性转化过程。理解了其深厚的历史积淀和不断应对挑战的内在精神，才能真正欣赏到其不朽的魅力。 本书特点概述： 重理论建构，轻个案罗列： 强调艺术史背后的哲学、社会学和美学原理。 跨学科视野： 融合考古学、宗教学、文学史的最新研究成果。 图文结合的深度分析： 精选的关键图像不仅用以展示，更作为论证的核心材料，进行细致的结构与笔墨分析。 贯穿始终的“精神脉络”： 确立一条清晰的主线，避免历史断裂感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，在看这本书之前，我对中国美术史的了解仅限于一些零散的知识点，知道一些著名的画家和作品，但总觉得缺乏系统性。这本书就像一位博学多才的向导，把我带进了一个浩瀚而迷人的艺术世界。从史前时代的岩画，到商周青铜器的神秘纹饰，再到秦汉时期的雄浑气魄，魏晋南北朝的飘逸写意，唐宋的精工细致，元明清的文人风骨，每一个时期都有精彩的呈现。郑昶先生的讲解深入浅出，即使是对于一些比较复杂的艺术理论，也能用易于理解的语言来阐释，让我这个非专业人士也能轻松入门，并且乐在其中。 最令我印象深刻的是，作者在描述每一件作品时，不仅仅是简单地介绍其创作年代和背景，还会深入挖掘其艺术价值、美学意蕴，甚至背后蕴含的时代精神。比如，他对于宋代山水画中“可行、可望、可游、可居”的描绘，让我对“意境”有了全新的理解，不再是抽象的概念，而是触手可及的体验。而且，书中的插图选择非常到位，每一幅都恰到好处地印证了文字的描述，让人观图时仿佛能听到历史的回响，感受到艺术家的心跳。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，一开始我被“插图珍藏版”这个标签吸引，想着能有个精美的画册看看，但没想到这本书的内容远比我想象的要丰富和深刻。郑昶先生作为一代大家，其学识和洞察力在这本书中得到了淋漓尽致的体现。他并非仅仅在梳理历史的表象，而是试图挖掘中国美术内在的逻辑和精神内核。对于那些耳熟能详的名家名篇，他都能给出独到的见解，让我们从新的角度去审视和欣赏。 我特别喜欢书中对不同流派、不同风格的比较分析。比如，他能够清晰地梳理出文人画的发展脉络，以及它与院体画之间的差异与联系。这种细致入微的对比，让我对中国美术的多样性和复杂性有了更深刻的理解。而且，书中的文字并非枯燥的学术论述，而是充满着艺术的灵气，读起来既增长知识，又享受审美。每次阅读，都像在与大师对话，受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国美术史》给我带来了太多惊喜！我一直对中国传统文化情有独钟，但总觉得美术史这块儿总是隔靴搔痒，直到遇到了郑昶先生的这本专著。书的装帧就很显格调，插图丰富精美，不愧是“插图珍藏版”，光是翻阅那些历代经典画作、器物、建筑的清晰图像，就已经是一种享受了。最让我感动的是，书的前言部分引用了蔡元培先生对这本书的极高评价，这无疑为这本书增添了分量，也让我更加坚信这绝对是一本值得深入研读的经典之作。 整本书的叙述脉络清晰，从远古时期的萌芽，到各个朝代的辉煌，再到近现代的转型，都描绘得淋漓尽致。郑昶先生的文笔流畅且富有感染力，他不仅仅是罗列史实，更是将每一件艺术品、每一位艺术家都赋予了鲜活的生命。我尤其喜欢他对历代美术发展趋势的分析，能够让人深刻理解不同历史时期社会背景、思想观念如何影响艺术创作，这种宏观的视野让我对中国美术史有了更立体、更深入的认识。读这本书，感觉就像在与中国数千年的艺术灵魂对话，每一次翻页，都能感受到那种跨越时空的文化震撼。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，首先就被它的厚重感和精美的设计所折服。翻开书页，扑面而来的就是那些精选的、清晰度极高的艺术品插图，让人瞬间就被中国悠久而灿烂的艺术史所吸引。郑昶先生的笔触严谨而生动，他以极其专业的视角，带领读者穿越时空，领略中国美术的千年风华。 让我特别受触动的是，书中的每一个章节都像一个独立的艺术画廊，展示着不同时期、不同地域的艺术瑰宝。从遥远的史前壁画，到令人惊叹的古代雕塑，再到意境悠远的古典绘画，每一部分都进行了深入的解读和分析。我尤其欣赏作者在分析山水画时，那种对意境和精神层面的阐述，让我能更深层次地理解中国传统绘画的独特魅力，它不仅仅是形似，更是神似，是艺术家内心世界的抒发。

评分☆☆☆☆☆

《中国美术史（插图珍藏版）》这本书，真的是一本让人爱不释手、反复品读的艺术宝典。我被其内容之丰富、考证之严谨、文笔之优美深深吸引。郑昶先生的专著，将中国美术的发展历程，从远古的洪荒时代，一路梳理至近现代的艺术革新，脉络清晰，逻辑严谨，却又不失艺术的灵动与趣味。 我尤其喜欢他对各个时期代表性艺术品的解读。那些耳熟能详的画作，在郑昶先生的笔下，仿佛焕发了新的生命。他不仅仅是描述其技法和风格，更能深入挖掘其背后的历史文化背景、哲学思想，以及艺术家的个人情怀。这种解读方式，让我对每一件艺术品都有了更深层次的理解和共鸣，不再是隔着一层“看热闹”，而是能够真正“品味”艺术的精髓。书中的插图更是无可挑剔，每一张都恰到好处地呼应着文字，让阅读体验更加直观和震撼。