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皮道坚 邵宏 著

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• 修订版

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出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787559806949

商品编码：29576232290

包装：平装-胶订

出版时间：2018-03-01

图书基本信息
图书名称	艺术教室：中外美术简史（修订版）
作者	皮道坚 邵宏
定价	39.80元
出版社	广西师范大学出版社
ISBN	9787559806949
出版日期	2018-03-01
字数
页码
版次	2
装帧	平装-胶订
开本	24开
商品重量	0.4Kg

内容简介

《中外美术简史（修订版）》从中国、古埃及等人类文明发源地的远古艺术入手，探讨美术的起源，并以时间为经线介绍了中西方美术史的发展历程（亘古的图景→青铜时代→人神之美→信仰的建立→千载华章），以地域为纬线介绍了玛雅文化、希腊艺术、中国秦汉艺术等内容，还以一百多幅插图直观地呈现典型的美术作品。视角独特、文字通俗生动，一卷在手，如沐春风。

作者简介

皮道坚，华南师范大学美术系教授；广州艺术博物院学术委员会特聘研究员。著有《当代美术与文化选择》、《楚艺术史》等书。邵宏，广州美术学院美术史教授，暨南大学文艺学博士。已出版专著有《艺术史的意义》、《美术史的观念》、《衍义的气韵》等。

目录

目录 章 亘古的图景 节 艺术的起源 1 第二节 石头的故事 4 第三节 中国的远古艺术 12 第四节 古代埃及艺术 22 第五节 美索不达米亚艺术 29 第六节 克里特迈锡尼艺术 33 第七节 玛雅艺术 38 第二章 青铜时代 节 苏美尔人的青铜艺术 43 第二节 中国的青铜艺术 48 第三节 古希腊青铜艺术 56 第三章 人神之美 节 希腊古典艺术 66 第二节 罗马艺术 74 第三节 中国秦汉艺术 84 第四章 信仰的建立 节 佛教艺术的起源与发展 95 第二节 佛教东渐与中国石窟寺艺术 106 第三节 早期基督教艺术与拜占庭艺术 116 第四节 伊斯兰教美术 125 第五章 千载华章 节 教化人伦 137 第二节 卧游山水 149 第三节 花鸟画的世界 168 第四节 工艺之美 174 第六章 基督的世界 节 西罗马式艺术 185 第二节 哥特式艺术 191 第七章 人性的光辉 节 佛罗伦萨的繁荣 203 第二节 从罗马到威尼斯 213 第三节 文艺复兴在欧洲的传播 225 第四节 中国的人文情怀 237 第八章 激扬的时代 节 激情与理性 247 第二节 革命与浪漫 266 第三节 摹古与创新 283 第九章 新视觉 节 与传统决裂 296 第二节 寻找“新艺术” 306 第三节 实验的艺术 314 第四节 西方的冲击 329

编辑推荐

本书稿对中外美术史做了简要的梳理，对美术史上的名家、名作提点分析，深入浅出，适合大众阅读。

文摘

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序言

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穿越时空的艺术之旅：一部宏大而精微的西方美术史画卷 书名：艺术的殿堂：西方艺术史纲要与经典解读 作者： 艺术史研究集体 出版社： 理想之光文化 出版日期： 2024年6月 --- 【内容简介】 本书并非对既有美术史的简单复述，而是一次深刻的、批判性的重访与建构。我们致力于在浩瀚的西方艺术长河中，提炼出那些塑造了人类视觉文化和精神图景的核心转折点、关键思潮以及不朽杰作。它是一部雄心勃勃的导览，带领读者穿越古希腊的理想之光，历经中世纪的信仰构建，直抵文艺复兴的理性觉醒，并最终抵达现代艺术对既有范式的颠覆与重塑。 第一部分：秩序与神性——古代文明的曙光（约400页） 本部分将焦点集中于艺术在早期文明中作为社会结构和宇宙观载体的角色。我们不会泛泛而谈，而是深入剖析美索不达米亚神庙的叙事功能、古埃及法老陵墓的永恒性追求，尤其侧重于古希腊雕塑如何从早期的“僵硬模仿”演化为对“理想化人体”的极致探索。 雅典黄金时代的辩证法： 详细考察帕特农神庙的建筑逻辑，以及菲狄亚斯、波留克列特斯如何通过“对立统一”原则确立了西方古典美学的基石——“黄金分割”与“适度原则”。我们辨析“古典的冷峻”与“希腊化的感性”之间的张力。 罗马的实用主义与权力的符号： 区别于希腊对“理念”的追求，罗马艺术的核心在于“记录”与“宣传”。重点分析万神殿的结构力学奇迹，以及纪念碑式雕塑（如马可·奥勒留骑马像）如何将艺术工具化，为帝国的统治合法性服务。 第二部分：信仰的穹顶——中世纪的精神景观（约350页） 中世纪的艺术常被误解为“停滞不前”，但本书揭示了其内在的神学逻辑和技术革新。这里的艺术不再是描绘可见的世界，而是可视化信仰的不可见维度。 拜占庭的马赛克语言： 深入解读圣索菲亚大教堂中马赛克圣像所使用的平面化、符号化表现手法，阐释其如何通过“非自然主义”表达对永恒天堂的向往。 哥特式建筑的“向上攀升”： 详细解析肋拱、飞扶壁和彩色玻璃窗的工程学突破，它们如何共同创造出一种“光之建筑”。分析圣但尼修道院与沙特尔大教堂，探讨光线如何在精神体验中扮演的媒介角色。我们关注中世纪手抄本插图中那些充满民间智慧和叙事活力的独特风格。 第三部分：人性的回归与科学的萌芽（约500页） 文艺复兴是艺术史上最宏大的一次范式转移，本书将重点放在技术革新如何催生了新的世界观。 早期文艺复兴的透视革命： 不仅介绍布鲁内莱斯基的发明，更要深入分析马萨乔在湿壁画中如何首次运用精确的单点透视，将神圣场景“拉入”观众的现实空间。 盛期文艺复兴的巨匠与意图： 聚焦达·芬奇的解剖学研究、米开朗基罗对“形体潜力”的执着、以及拉斐尔对和谐构图的完美追求。我们细致解构《最后的晚餐》中的心理群像与空间布局，以及西斯廷天顶画中“人”与“神性”的复杂对话。 威尼斯画派的色彩哲学： 对比佛罗伦萨的线条（Disegno）与威尼斯的色彩（Colorito），剖析提香如何通过油画媒介的层次感，展现出前所未有的感官愉悦和世俗的生命力。 第四部分：从巴洛克到启蒙——情感的张力与理性的光辉（约450页） 本阶段的艺术是戏剧性、动感与哲学思辨的交织。 巴洛克的动势与感召力： 阐释卡拉瓦乔的“明暗对比法”（Tenebrism）如何将戏剧性的瞬间定格，服务于反宗教改革的动员需求。深入剖析贝尼尼的雕塑（如《圣特蕾莎的狂喜》）如何模糊了雕塑、建筑与舞台艺术的界限，达到情感的高峰。鲁本斯的肉体赞歌与伦勃朗的内在光芒，将作为巴洛克内部对立张力的代表进行对比研究。 洛可可的精致与“趣味”： 分析法国宫廷艺术如何从巴洛克的庄严转向轻盈、私密和享乐主义，探讨其对社会阶层变迁的微妙反映。 新古典主义与启蒙的回响： 重点关注大卫如何借助古典母题，为法国大革命提供道德和视觉上的蓝图。分析其如何摒弃洛可可的奢靡，重新拥抱“理性”与“公民德行”，确立了学院派的规范。 第五部分：浪漫的抗争与现代的开端（约300页） 艺术开始挣脱学院和赞助人的束缚，转向个体经验和内在世界的探索。 浪漫主义的激情与想象： 探究戈雅对战争残酷的直面，德拉克洛瓦对色彩与运动的狂热运用，以及透纳对光线和大气现象的近乎抽象的捕捉，如何标志着主观感受对客观再现的胜利。 现实主义的社会批判： 库尔贝如何以“坦诚”为武器，将日常的劳动者和被忽视的场景提升到历史画的高度，直接挑战了既有的艺术等级制度。 结语：现代性的内在逻辑 本书在收尾部分将简要勾勒印象派的诞生，而非全面覆盖现代艺术。我们的目标是展示艺术史如何一步步从对“外部世界”的忠实摹写，转向对“观看方式”和“媒介本身”的实验。我们着重强调，每一次风格的转变，都是对前一个时代哲学基础的深刻质疑与修正。 --- 本书特色与价值： 1. 结构性聚焦： 本书摒弃了简单的时间线罗列，而是围绕“视觉语言的范式转移”和“艺术背后的权力/宗教/科学思潮”两大主线进行编织，确保内容紧密围绕核心概念展开。 2. 拒绝“百科全书式”的冗余： 我们精选最具代表性的案例和技术突破点进行深度剖析，力求在有限篇幅内，提供最大的洞察力，避免对次要艺术家的平均化处理。 3. 批判性视角： 鼓励读者不仅“看”到作品，更能“理解”作品诞生的时代背景、社会压力和艺术家的明确意图。全书贯穿着对艺术史叙事中“宏大叙事”的审视与反思。 适合读者： 艺术史专业学生、对西方文明发展脉络有强烈求知欲的文化爱好者、以及希望系统性梳理西方视觉艺术核心概念的初学者。

评分☆☆☆☆☆

读这本书的过程中，我最大的感受就是它极大地拓宽了我的视野。之前我总觉得美术史离我的生活很遥远，以为就是一些古老画作的堆砌。但这本书用一种非常生动的方式，将美术史与社会、文化、思想等等方方面面都联系了起来。它不仅仅在介绍“谁在什么时候画了什么”，更重要的是在探讨“为什么会这样画”，以及这些艺术作品背后所折射出的时代精神和人类的情感。我从中了解到，艺术的发展从来都不是孤立的，而是与当时的科技、哲学、宗教、政治环境息息相关。比如，某个时期的战争和动荡，是如何催生出写实主义的；或是某个思想流派的兴起，又是如何影响了抽象艺术的诞生。这种宏观的视角，让我重新审视了艺术的意义，它不再是高高在上的殿堂，而是与我们每个人息息相关的表达方式，是人类情感和智慧的结晶。

评分☆☆☆☆☆

这本书所构建的知识体系，真的有一种循序渐进，层层递进的美感。它并没有一开始就抛出大量晦涩难懂的理论，而是从最基础的概念入手，一点点地引导读者去理解。一开始，作者花了相当大的篇幅去解释一些基本的美术术语和概念，并且用了很多非常生活化的例子来辅助说明，让我这种之前对美术了解不多的读者也能迅速get到。随着阅读的深入，内容开始变得更加丰富，开始涉及到各个时期、各个流派的代表作品和艺术家，但即便是这样，作者也并没有失去那种娓娓道来的叙事风格。每讲到一个新的时期或流派，都会与之前的内容进行关联，点出它们之间的发展脉络和相互影响，这种“承前启后”的处理方式，让整个美术史的知识链条非常清晰，不会让人感到杂乱无章。感觉就像是在跟着一位经验丰富的导游，一步步地探索艺术的殿堂，每到一个新的展厅，都能学到新的知识，并且能把新知识和之前的见闻联系起来，形成一个完整的认知图谱。

评分☆☆☆☆☆

这本书在解释一些复杂的艺术理论和现象时，用了很多巧妙的比喻和类比，让那些原本可能让人生畏的概念变得容易理解。比如，作者在讲解印象派的色彩运用时，就用了“光影的舞蹈”来形容，让读者立刻就能脑海中浮现出那种斑驳陆离、充满动感的画面。又比如，在解释某个抽象艺术流派的创作理念时，并没有直接去分析笔触和构图，而是从艺术家个人的生活经历和哲学思考入手，这样一来，读者就能更容易理解其作品背后的情感驱动和艺术追求。这种“化繁为简”的处理方式，让我在阅读过程中几乎没有遇到难以逾越的障碍，反而充满了“原来如此”的豁然开朗。它让我觉得，即使是看起来非常“高冷”的艺术，也可以用一种贴近生活的方式去领悟和欣赏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容让我觉得既充实又充满了惊喜，它像一本百科全书，又像一位循循善诱的良师益友。每一次翻开，都能在不同的章节中发现新的乐趣和收获。我尤其喜欢它在介绍不同艺术流派时，所呈现出的那种鲜明的个性和独特的魅力。比如，当读到古希腊雕塑时，感受到的是那种严谨的比例和对人体美的极致追求；而当进入到文艺复兴时期，又会被达芬奇和米开朗琪罗的巨匠之风所折服，体会到人性的光辉和对知识的渴望。再到后来的印象派、野兽派，甚至是更现代的艺术形式，每一种风格都像是在讲述一个独特的故事，展现着不同时代的人们如何看待世界，如何表达情感。这本书让我意识到，艺术的世界是如此的多元和丰富，值得我们用一生去探索和品味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和设计真的太棒了！我拿到的时候就被它沉甸甸的质感吸引住了，封面选用的是一种哑光纸，摸上去非常舒服，图案的设计也很简洁大气，一点也不落俗套。打开来，纸张的厚度也恰到好处，不是那种薄得透光的，也不是厚重到难以翻阅的。印刷的色彩还原度非常高，无论是画面细节还是色彩的层次感，都处理得非常到位，看插图的时候，感觉就像是直接在欣赏原作一样，那种细腻的笔触和微妙的光影变化都清晰可见。整体来看，这本书不仅内容有价值，在视觉和触觉上也带来了一种享受，无论是放在书架上还是随手翻阅，都能感受到它的品质感。它让我觉得，一本好的图书，不仅仅是知识的载体，更是一件值得珍藏的艺术品。这种对细节的用心，在如今快餐式的出版物中真是难能可贵，也让我对接下来要阅读的内容充满了期待。