说谭鑫培（京剧卷） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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中国戏剧出版社 编

图书标签:

• 京剧
• 谭鑫培
• 戏曲
• 传统戏曲
• 表演艺术
• 文化艺术
• 戏曲史
• 京剧艺术
• 名家
• 艺术传承

出版社： 中国戏剧出版社

ISBN：9787104033394

版次：1

商品编码：10620463

包装：平装

开本：16开

出版时间：2010-12-01

用纸：胶版纸

页数：284

字数：294000

内容简介

　　 1990年，为了弘扬民族文化、振兴京剧艺术，文化部举行了纪念徽班进京二百周年盛大演出活动。各地京剧院团纷纷进京献艺，一时间你方唱罢我登场，首都戏曲舞台上可谓名角荟萃、流派纷呈、争奇斗艳、蔚为大观。值此之际，中国戏剧出版社也出版了一套”戏曲流派艺术研究丛书”，旨在对京剧流派表演艺术进行评价和总结。正如丛书的出版前言所说：“我国戏曲艺术的发展历史培育了艺术流派，反之，艺术流派的竟芳争妍和春华秋实，又丰富和充实了戏曲艺术的宝库。因此，从各种各类艺术流派的研究入手，将会是继承戏曲的传统艺术经验，总结表演艺术体系，探索戏曲美学的有效途径之一。”
　　 正基于以上宗旨，中国戏剧出版社推出了谭鑫培、杨小楼、马连良、余叔岩、周信芳、王瑶卿、海兰芳、程砚秋、侯喜瑞、裘盛荣、萧长华等人的艺术评论集。今天看来，这套评论集的价值在于：1．选择的评论对象都是彪炳史册、卉宗立派的—代宗师，具有流派代表性。2．评论者均为表演艺术家或评论大家。对于评论对象，他们或亲眼目睹其表演，或亲身参与过合作，或亲耳聆听过其艺术教诲。所以，书中所涉事实均为第一手资料。述，能使人有身临其境之感：评，能抓住对象之神韵；论，则行家里手、语中肯綮。因而其史料与学术价值得到了业内人士与戏曲爱好者的认可。二十年过去了，该套丛书早已在市场上脱销，却仍有很多人询问、查找。为满足读者的需要，我们决定将这套丛书再行出版，并纳入我社”十一五”国家重点图书出版规划项目——“中国戏曲艺术大系”中。但此次出版，绝非简单的照抄、重印，而是茌“中国戏曲艺术大系”整体编辑思路的观照下，对原有丛书做重新的修订与设计：1．在体例上，以“说”为新版丛书的风格、定位，以生平?迹、艺术评价、逸闻轶事等板块对文章重新分类、组合：2．在内容上，顺应当下读者的接受需求，删去原丛书带有明显时代局限性的文章，补充了一些具有新材料、新观点的评论文章；3．在形式上，对开本、封面、版式做重新设计，使其更富现代感，力争给读者带来赏心悦目的阅读体验。
　　 这套丛书，只是我们”中国戏曲艺术大系·剧人部·评论篇”的酋批出版计划，今后还会陆续推出其他表演艺术家的评论专集。在此．诚恳地希望这套以全新面貌以飨读者的系列丛书，继续得到专家和广大读者的指教与喜爱。

目录

壹 谭氏生平
谭鑫?传略
谭鑫培专记
谭叫天之一生
谭鑫培的艺术生平
京剧艺术大师谭鑫培

贰 潭派艺术
谭派艺术溯源
谭鑫培表演艺术概说
谭鑫培舞台艺术浅谈
京剧老生流派综说

叁 谭腔新声
说潭
谭鑫培之演唱
谭剧演唱之精微
谭鑫培的唱本
述研究谭调之心得
谭鑫培的革旧创新
谭鑫培对唱腔的革新
一脉相承三代风流——简谈谭鑫培、余叔岩、杨宝森的唱腔特点

肆 谭剧漫议
谭派戏路之变迁
谭鑫培演戏之特点
谭戏之艺术特点
谭鑫培当锏不同之点
谭鑫培之《碰碑》、《哭灵》
记谭英秀演《南阳关》
谭大王《举鼎》
谭鑫培之《空城计》
京剧的生命在于创新——从谭鑫培改革《失·空·斩》谈起
伍 谭门流芳
陆 遗闻轶事
附录

前言/序言

梨园旧影：京剧艺术的传承与革新 一部深邃的京剧史诗，回望百年前的舞台风云，聚焦于那些塑造了国粹辉煌的艺术巨匠。 本书并非单纯的剧目汇编或演员传记，而是一部深入剖析京剧艺术发展脉络的文化史著作。我们试图穿透历史的迷雾，重现晚清至民国时期，京剧在吸收融合中走向成熟的全过程。全书以详实的史料为骨架，以生动的舞台场景为血肉，展现了国粹艺术如何汲取昆曲、徽班、汉调的精华，最终熔铸成今日我们所熟知的“京剧”这一独特的艺术形式。 第一章：徽班进京与初创之基 京剧的起源，是清代“徽班进京”这一历史事件的必然结果。本章追溯了以程长庚为代表的徽班艺人，如何将安徽的声腔艺术带到北京的戏曲舞台。 一、徽汉合流的文化碰撞： 详细考察了徽班如何与京城原有的昆曲、花部乱弹等剧种进行剧目、声腔、表演的交流与融合。重点分析了“老生唱法”在这一时期的奠基工作，以及如何在吸收昆曲“韵”的同时，注入徽调的“劲”。 二、初立格局的舞台现象： 分析了早期京剧班社的组织形式、市场竞争以及观众构成。记录了在道光、咸丰年间，京剧如何在民间和宫廷的夹缝中艰难求生，并逐步确立以“四功五法”为核心的表演体系雏形。我们通过翻阅当时的奏折、报刊和私人信件，力求还原舞台上初步形成的“生、旦、净、丑”的角色分工。 三、声腔体系的骨架搭建： 深入探讨了京剧声腔——西皮、二黄的早期形态。并非简单罗列曲牌，而是着重研究了如何将这些腔调与板式（如慢板、快板、流水板）结合，赋予其表达人物情感的逻辑性。这一时期的声腔，尚显粗犷，却蕴含着未来爆发的巨大能量。 第二章：四大名旦的时代烙印 京剧的黄金时代，离不开对角色行当的极致探索。本书的第二部分，聚焦于那些定义了各自行当巅峰的艺术大师，探讨他们的创新如何成为后世学习的圭臬。 一、老生的典范与流派的形成： 此部分将深入探讨“谭派”的艺术特征。通过对早期剧本、演出手稿的梳理，揭示谭派老生在“唱、念、做、打”上的独特处理。重点分析了谭派在处理帝王将相、文人雅士等不同类型角色时，如何运用嗓音的厚重感、韵味的醇厚以及身段的稳健，构建出一种“大气磅礴、圆润饱满”的舞台形象。我们将分析其在“哭腔”、“念白”上的精妙之处，这些技法如何影响了后来的马连良等大家。 二、青衣的典雅与程派的深沉： 程砚秋的艺术，是京剧对女性内心世界刻画的巅峰。本章细致剖析了程派青衣标志性的“水袖功”与“扼颈提气”的唱法。我们试图探究程腔如何从传统青衣的甜美走向一种“凄婉、低回、幽咽”的境界，以及这种风格的形成与其个人对时代悲剧感悟的关联。 三、武生的雄健与杨派的刚劲： 杨小楼代表的武生艺术，是京剧“武戏”力量与美感的结合。本书将通过对《狮子楼》、《界碑》等代表剧目的分析，阐释杨派武生如何将武术动作提炼、升华，使其具有强烈的戏剧表现力，而非单纯的杂技展示。着重分析其“亮相”中的静止美学。 四、花旦的灵动与尚派的绚丽： 尚小云的花旦，以其泼辣又不失娇媚的特质独树一帜。本章将详细介绍尚派在身段设计、服装运用（如“云雀尾”）以及特殊指法上的创新，展现花旦如何在有限的舞台空间内，表现出极大的情绪张力与灵巧的步伐。 第三章：文武场的协奏与剧目改编的哲学 京剧的魅力，不仅在于演员的表演，更在于其高度成熟的乐队伴奏体系和对传统叙事文学的改编智慧。 一、板鼓、京胡的对话： 考察了京剧伴奏乐队（文场与武场）的定型过程。重点阐述了京胡在引导演员情绪、烘托气氛中的核心作用，以及板鼓在控制节奏、烘托冲突中的决定性地位。分析了不同锣鼓点（如“急急风”、“三换辙”）如何服务于特定的戏剧冲突。 二、从民间故事到舞台经典： 研究了京剧在“借古讽今”中的改编策略。很多经典的京剧剧目，如《搜孤救孤》、《玉堂春》，其文本基础来自地方戏曲或说部。本书分析了编剧家们如何通过删减、强化矛盾点，使故事更适应京剧“程式化”的表演要求，达到了“雅俗共赏”的艺术高度。 三、舞台美学的程式化解读： 对京剧“一桌二椅”的极简主义舞台哲学进行探讨。分析了人物的“走边”、上下马、“望月”等基本程式，如何通过高度凝练的肢体语言，完成对时空转换、情景交代的复杂叙事功能。 结语：不辍的薪火 本书旨在提供一个审视京剧艺术发展历程的全面视角，重点聚焦于那些奠基性的创新与成熟期的典范。我们深知，任何对历史的追溯都无法完全还原现场的辉煌，但期望这些深入的分析，能让今天的读者，更深刻地理解国粹艺术的来之不易及其不朽的艺术生命力。它是一面镜子，映照出艺术如何通过严苛的训练与不懈的创造，成就永恒的经典。

评分☆☆☆☆☆

初读这书，我的感觉像是在攀登一座艺术的高峰，每走一步都需要全神贯注，甚至需要停下来，反反复复咀嚼那些关于身段、做功的描述。特别是其中对于“水袖”的运用，简直是令人叹为观止的文字实验。书里没有使用太多生涩的行话，但即便是最外行的读者，也能感受到那份对细节的偏执。作者似乎对谭派艺术的每一个关节都进行了显微镜式的解剖，从眼神的流转到步伐的轻重，无一遗漏。有几处地方，他引用了老一辈艺术家在排练时的口述记录，那些片段带着一种久远的烟火气，一下子把高高在上的艺术殿堂拉回了人间烟火。我尤其欣赏作者在评述唱腔时所展现出的克制与激情并存的笔调，他没有过度拔高，而是用一种近乎学者的严谨，去还原那个时代戏曲的声学特征和审美趣味。读完这部分的章节，我立刻去搜索了一些老录音来对照，那种“心领神会”的激动，只有沉浸其中才能体会到。这本书的价值，正在于它不仅仅是文献的堆砌，更是一部充满温度的艺术探寻手记。

评分☆☆☆☆☆

在阅读过程中，我发现这本书在结构上极具巧思，它没有采用严格的编年史叙事，而是将谭鑫培的艺术生命线，穿插在不同剧目的分析之中，形成了一种螺旋上升的阅读体验。比如，某个剧目可能被放在三个不同的时间点来讨论，每一次回顾，都会因为前文积累的知识和情感，而产生新的理解层次。这种非线性的叙事手法，恰恰模仿了我们对一位伟大艺术家的记忆方式——不是平铺直叙的流水账，而是特定光芒闪耀的瞬间被反复回味。我特别留意了其中关于“悟道”的部分，那是关于谭先生晚年对角色的终极理解，作者用了一种近乎诗意的语言来描述这种“返璞归真”的境界，不再追求技巧的炫耀，而是让“意境”自然流淌出来。这种对艺术超越技艺层面的探讨，让我深思良久，也让我对京剧艺术所追求的终极美学目标有了更深一层的敬畏。这本书的文字密度很高，需要慢下来，细细品味，它不是供人消遣的快餐读物，而是一本需要用时间去交换的艺术珍宝。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的书，光是捧在手里就能感受到沉甸甸的分量，那种纸张的触感，油墨的味道，都让人有一种踏实感。我一直对传统戏曲抱着一种敬畏之心，尤其京剧，那舞台上的一颦一笑，手眼身段，蕴含着几代艺术家的心血与智慧。这本书的书名本身就极具诱惑力，光是“谭鑫培”三个字，就足以让人联想到那个时代京剧的辉煌，那是怎样一位艺术大家，才能在历史的长河中留下如此深刻的印记。我翻开第一页，首先映入眼帘的不是生平传记，而是对某个特定剧目舞台呈现的细致描摹，那文字仿佛拥有魔力，瞬间将我拉回了喧嚣的戏园子，空气中弥漫着汗水与脂粉混合的味道，耳边是铿锵的锣鼓点和悠扬的板胡声。作者似乎不是在简单地讲述故事，而是在进行一场跨越时空的对话，他用极其考究的语言，剖析着角色的内心挣扎与艺术表现的微妙之处。读着读着，我甚至能想象出谭先生当年扮相的威严，唱腔的醇厚，那种“活在角色里”的境界，非亲历者难以描摹，而这本书做到了，它提供了一个观察大师艺术世界的绝佳窗口，远非那些泛泛而谈的戏曲史能比拟。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的，是作者在分析不同“行头”和脸谱设计时所展现出的文化人类学视角。他不仅仅是描述“这个角色应该画什么”，而是追溯了这些视觉符号在清末民初的社会语境中的演变。比如，某个特定颜色在当时社会阶层中的象征意义，如何被移植到舞台形象中，并最终固化为一种“规范”。这种跨学科的视角，极大地拓展了我对京剧艺术的认知边界，它不再仅仅是“听”和“看”的艺术，而是承载了那个时代社会文化肌理的载体。书中对服装的材质、水袖的长度与表演者体态的关系，都进行了细致入微的考证，让人不得不佩服作者在文献搜集上的广度和深度。读完全书，我最大的感受是，真正的艺术大师，其成就必然是文化、技艺、心性三者合一的产物。这本书成功地将“人”的复杂性与“戏”的精妙完美地融合在一起，读完后，我感觉自己对中国传统美学的理解，又上了一个新的台阶，这种满足感，是其他任何艺术书籍都难以给予的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计也透露出一种沉静的匠心，不是那种花里胡哨的宣传，而是内敛的典雅。打开书页，那些穿插其中的老照片，虽然分辨率受限于年代，但它们本身就承载着历史的厚重感，每一张定格的画面，都像是时间琥珀里封存的瞬间。有一个章节专门讨论了谭鑫培先生与同时期其他流派艺术家的互动与流派间的张力，这部分内容尤为精彩，因为它揭示了艺术生态的复杂性。艺术的成熟往往不是孤立的，而是通过碰撞、学习、甚至竞争而形成的。作者以一种近乎侦探的敏锐，挖掘出了那些被历史略去的小故事，比如某次堂会的幕后争执，或是对某场戏的集体审美讨论。这种对“幕后”的描绘，极大地丰富了我对京剧艺术生命力的理解。它让我明白，台上的完美无瑕，是建立在多少次台下的争论和反复推敲之上的，这种人性化的处理，让原本遥不可及的“大师”，变得立体而真实可感。