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徐绍田 著

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• 技法
• 素描
• 艺术理论

店铺： 韵读图书专营店

出版社： 科学出版社

ISBN：9787030346513

商品编码：29646050638

包装：平装

出版时间：2012-06-01

图书基本信息
图书名称	美术	作者	徐绍田
定价	39.00元	出版社	科学出版社
ISBN	9787030346513	出版日期	2012-06-01
字数		页码	155
版次	2	装帧	平装
开本	16开	商品重量	0.4Kg

内容简介

《高等教育“十二五”规划教材·学前教育专业系列教材：美术（第2版）》共分七章，较详尽地介绍了素描、简笔画、卡通画、中国画、装饰画、色彩与绘画艺术、幼儿园装饰环境创设等基本知识、技法及步骤。《高等教育“十二五”规划教材·学前教育专业系列教材：美术（第2版）》各章节内容由易到难，语言简明，重点突出，并附有大量的插图，便于读者学习使用。 　　《高等教育“十二五”规划教材·学前教育专业系列教材：美术（第2版）》不仅可以作为高等院校学前教育专业的教材，还可以供各幼儿园、少年宫、职业师生和广大业余美术爱好者选用。

作者简介

目录

章 素描 节 素描的概念和基本术语 第二节 石膏几何体写生 第三节 静物素描写生 第四节 石膏像写生 第五节 人物头像写生 第六节 人物速写 第七节 风景写生 第二章 简笔画 节 简笔动物画 第二节 简笔花卉与鸟虫 第三节 简笔人物画 第四节 简笔风景画 第三章 卡通画 节 卡通画的艺术特点 第二节 黑白卡通画 第三节 色彩卡通画的绘制知识与方法 第四章 中国画 节 中国画基本概述 第二节 工笔花鸟画小品基本技法 第三节 写意花鸟基本技法 第五章 装饰画 节 概述 第二节 黑白装饰画制作 第三节 色彩装饰画制作 第四节 装饰画创作 第六章 色彩与绘画艺术 节 色彩基础知识 第二节 水粉画 第三节 水彩画 第四节 装饰彩墨画 第五节 油画棒画 第七章 幼儿园装饰环境创设 节 幼儿园装饰环境的创设原则 第二节 幼儿园装饰环境创设的主要表现形式 主要参考文献

编辑推荐

文摘

序言

章 素描 节 素描的概念和基本术语 第二节 石膏几何体写生 第三节 静物素描写生 第四节 石膏像写生 第五节 人物头像写生 第六节 人物速写 第七节 风景写生 第二章 简笔画 节 简笔动物画 第二节 简笔花卉与鸟虫 第三节 简笔人物画 第四节 简笔风景画 第三章 卡通画 节 卡通画的艺术特点 第二节 黑白卡通画 第三节 色彩卡通画的绘制知识与方法 第四章 中国画 节 中国画基本概述 第二节 工笔花鸟画小品基本技法 第三节 写意花鸟基本技法 第五章 装饰画 节 概述 第二节 黑白装饰画制作 第三节 色彩装饰画制作 第四节 装饰画创作 第六章 色彩与绘画艺术 节 色彩基础知识 第二节 水粉画 第三节 水彩画 第四节 装饰彩墨画 第五节 油画棒画 第七章 幼儿园装饰环境创设 节 幼儿园装饰环境的创设原则 第二节 幼儿园装饰环境创设的主要表现形式 主要参考文献

好的，这是一本关于中国古代建筑艺术与文化的专业著作的简介，旨在深入探讨中国传统建筑的独特美学、结构智慧及其所承载的深厚历史与文化内涵。 《垣宇千秋：中国古代建筑的形制、精神与传承》 导言：凝固的时间与流动的空间 中国，一个拥有数千年连绵不绝的文明史的国家，其建筑艺术是世界上最古老、最独特且最具生命力的体系之一。不同于西方以石材为核心、强调永恒静止的纪念性结构，中国古代建筑以木构架为骨，以和谐共生为旨，在“天人合一”的哲学思想指导下，创造了独步天下的建筑景观。 本书《垣宇千秋：中国古代建筑的形制、精神与传承》，并非仅仅是对建筑实物的罗列与描摹，而是力求深入肌理，探究中国古代建筑从规划布局、结构逻辑、装饰语汇到社会功能、精神信仰的完整体系，揭示其如何成为中华文明的物质载体和精神象征。 第一篇：形制之源——从选址到部件的精妙构造 本篇聚焦于中国古代建筑最核心的技术与艺术基础——形制。 一、风水与环境的对话：都城、府邸与陵寝的择址之道 建筑的生命始于选址。本书详细剖析了中国古代，尤其是自周代以降，帝王都城规划中“中轴对称、前朝后市、左祖右社”的严格规制，阐释了“形胜”理论在军事防御和生态平衡中的作用。对于民间建筑，则探讨了“藏风聚气”、“依山傍水”的选址原则，展示了古人对自然环境的深刻理解与尊重。 二、木构架的革命：斗栱、抬梁与穿斗的结构智慧 中国古建筑的灵魂在于其独特的木构架体系。本书将建筑的结构拆解为最基本的单元进行阐释： 榫卯的哲学： 详述榫卯结构如何实现力的传递与分散，使建筑具备惊人的抗震柔韧性，这种“柔性连接”体现了东方对刚性对抗的超越。 斗栱的演变与功能： 深入研究斗栱（Dougong）这一核心构件，从早期梁架下的简易托挑，到唐宋时期结构与装饰的完美结合，再到明清时期的程式化和繁复化，追踪其作为重量分散器、抗震缓冲器的关键作用。 等级与模数： 对比“抬梁式”与“穿斗式”两种主要结构体系的适用范围、经济性与艺术性差异，并探讨梁、柱、檩、枋之间的模数关系，揭示中国古代建筑标准化的萌芽。 三、屋顶的仪式感：天际线的艺术 屋顶不仅仅是遮蔽风雨的构件，更是区分建筑等级和表达文化意象的关键元素。本书系统梳理了歇山、庑殿、悬山、硬山等主要屋顶形式的演变谱系，重点解析了“大吻”、“戗脊”、“垂兽”等脊饰所蕴含的象征意义，阐释了为何高耸的鸱吻能成为帝王建筑的标志。 第二篇：符号与意境——装饰语汇中的文化密码 建筑的表皮是文化的载体。本篇将目光投向装饰艺术，解读隐藏在色彩、雕刻和彩绘中的文化密码。 一、色彩的秩序：红墙黄瓦的等级象征 中国古代建筑色彩体系是高度规范化的。本书详细辨析了“五色观”在建筑中的应用，如皇家的“朱红”与“明黄”的至高无上，道观寺庙的“青”与“绿”的自然意象，以及民间建筑中对民间信仰色彩的偏爱。色彩并非随意涂抹，而是社会身份和伦理秩序的直接体现。 二、雕饰的叙事：石雕、木雕与砖雕的“讲故事” 从江南园林的砖雕影壁到宫殿台基的汉白玉石雕，装饰艺术构成了建筑的叙事线索。我们将深入探讨： 神兽的职能： 龙、凤、麒麟、狮子等瑞兽在不同部位（如门墩、栏杆、屋檐）的摆放，并非简单的装饰，而是具有镇宅、祈福、彰显权力的功能。 花卉与吉祥图案的密码学： 莲荷的洁净、牡丹的富贵、蝙蝠的“福”意，以及“福禄寿喜”等组合图案，如何被精妙地融入栏杆、门窗的棂格之中，形成一种无声的文化交流。 三、园林：人造自然的哲学实践 苏州园林等私家园林是人与自然关系处理的极致体现。本章区别于纯粹的园林史研究，重点分析园林如何在有限空间内，通过叠山理水、借景对景、曲径通幽的手法，实现“不出城郭而得山水之趣”的哲学目标，展现了“虽由人作，宛自天开”的审美境界。 第三篇：精神的栖居——信仰、礼制与传承 建筑最终是人类精神需求的物质投射。本篇探讨了社会结构、宗教信仰如何反作用于建筑形制。 一、礼制对空间的影响：从“中”到“序”的伦理构建 儒家思想对建筑空间的影响至深。本书分析了宗祠、家庙中严格的辈分和嫡庶关系如何体现在面阔、进深、院落的开合与轴线的选择上。无论是皇帝的“居中而治”，还是士大夫的“退一步”原则，都体现了礼制对个体行为的约束与规范。 二、宗教空间的转换：佛塔的力学与密宗的曼陀罗 在佛教建筑中，从印度传入的塔（Stupa）如何被中国化，演变为楼阁式、密檐式等多种形式，并与本土的殿堂结构融合，成为独有的“佛塔”体系。同时，探讨藏传佛教建筑（如宫堡式建筑）中，宏大体量与复杂内部空间对宇宙观和密宗仪轨的支撑作用。 三、活态的遗产：当代语境下的继承与挑战 中国古代建筑是“活的文物”。本篇探讨了当代文物保护、古建修复中所面临的材料学、工艺失传、以及现代城市发展对历史街区挤压等现实问题。作者强调，真正的传承不仅在于对古法的模仿，更在于对古人“因地制宜、顺应自然”的智慧的现代性转化。 结语：走向未来的“东方几何” 《垣宇千秋》旨在为读者提供一把钥匙，去理解中国古代建筑的复杂性、诗意性和逻辑性。它不仅是建筑史的梳理，更是一部关于中国人的空间观、时间观和生命哲学的视觉解读。通过对这些“凝固的历史”的深入探寻，我们可以更好地理解我们民族的文化基因，并在全球化的今天，重新定位属于东方的建筑美学贡献。本书适合建筑学、历史学、艺术史研究者，以及对中国传统文化有深度兴趣的广大读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的笔触，带着一种不动声色的力量，缓缓渗透进我的内心。它没有激昂的口号，也没有炫目的辞藻，却能在字里行间唤醒我对美的深切渴望。我尤其喜欢书中关于艺术家的“匠心”和“创新”的探讨。作者并没有神化艺术家，而是将他们置于具体的创作环境中，去展现他们面对挑战、克服困难、不断突破自我的过程。那些关于艺术家如何从生活中汲取灵感，如何反复试验，如何与材料搏斗的细节，都让我看到了艺术创作背后艰辛而迷人的真实面。书中对不同艺术媒介的介绍也十分丰富，从古老的壁画、雕塑，到后来的油画、版画，再到现代的装置艺术、影像艺术，作者都进行了深入浅出的讲解。我尤其对其中关于材料的讨论印象深刻，它让我们明白，不同的材料会带来怎样的质感、光泽和表现力，以及艺术家如何选择和运用材料来达到自己的艺术追求。这种对艺术制作过程的关注，让我对艺术品的理解更加立体和全面。整本书的风格沉静而内敛，如同品一杯陈年的普洱，越品越有味道。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的惊喜，在于它对艺术品赏析的细致入微。不同于许多只介绍作者和创作背景的书籍，《美术》将焦点放在了“看”这件事情本身。作者引导读者如何去“看”一幅画，如何去“听”一件雕塑，如何去“感受”一座建筑。它提供了一套方法论，让我们不再是被动地接受信息，而是主动地去探索和发现。例如，在分析一幅肖像画时，作者会鼓励我们去关注人物的眼神、手部姿势、服饰细节，并思考这些元素传达出的情感和信息。这种“细嚼慢咽”式的品读方式，让我以前匆匆一瞥的艺术品，如今变得生动而富有层次。书中关于构图的阐述也十分精妙，它用大量生动的例子，揭示了艺术家如何在空间中安排元素，以引导观众的视线，营造氛围，表达主题。我尤其对其中关于“负空间”的讨论印象深刻，作者通过对比不同的作品，让我们理解到“留白”并非空无，而是具有强大表现力的艺术语言。这种对细节的关注，以及对“如何看”的深入讲解，极大地提升了我欣赏艺术的能力。读完之后，再去看一些熟悉的艺术作品，感觉完全不一样了，仿佛开启了新的视角，发现了之前从未留意到的精彩之处。

评分☆☆☆☆☆

《美术》这本书，更像是一次跨越时空的艺术之旅，带领我漫游于人类文明的瑰宝之中。作者并非仅仅呈现那些耳熟能详的杰作，而是巧妙地将它们编织进更广阔的历史叙事和文化语境中。我特别欣赏书中对不同文明艺术风格的对比和联系的探讨。它没有将西方艺术视为艺术的唯一标杆，而是平等地展现了东方艺术的独特魅力。比如，在介绍中国山水画时，作者并未将其简单归类为“风景画”，而是深入挖掘了其中蕴含的哲学思想、人与自然的和谐观念，以及独特的笔墨技法。这种跨文化的视角，让我深刻认识到艺术的多元性和普适性，也拓宽了我对“美”的认知边界。书中关于艺术在社会发展中的作用的分析也令人耳目一新，它不仅仅将艺术视为装饰品，而是强调了艺术在记录历史、塑造身份、传播思想、甚至推动社会变革中的重要作用。读到这里，我才意识到，那些看似独立的艺术品，其实是历史洪流中的一个个缩影，它们承载着时代的记忆，也影响着后世的走向。整本书在叙事上张弛有度，既有史诗般的宏大叙事，也有对个体艺术家生命故事的温情描绘。

评分☆☆☆☆☆

这本《美术》就像一位久违的老友，带着浓郁的艺术气息悄然拜访。翻开它的第一页，我就被一种温润而沉静的氛围所笼罩。作者似乎并未急于展示华丽的技巧或晦涩的理论，而是用一种近乎絮语的方式，缓缓铺陈开来。我尤其喜欢其中关于色彩的章节，它不像教科书那样生硬地列举冷暖对比或三原色，而是通过描绘不同艺术家在处理色彩时的心路历程，来展现色彩的魔力。读着那些关于印象派画家如何在光影交织中捕捉瞬间色彩的文字，仿佛能听到画笔在画布上沙沙作响，感受到画家眼中流淌的光线。书中对不同时期艺术思潮的梳理也颇有见地，它不是简单地堆砌时间线，而是通过挖掘不同流派背后的人文关怀和时代背景，让我对艺术的演变有了更深层次的理解。例如，在谈论文艺复兴时，作者没有停留在对达芬奇、米开朗琪罗等大师的赞美，而是深入探讨了当时社会变革、人文主义兴起如何催生了艺术的繁荣，以及这种繁荣又是如何反哺了整个时代。这种宏观与微观的结合，使得阅读体验既充实又富有启发。整本书的语言风格非常亲切，没有丝毫故作高深的学者腔调，读起来轻松自然，就像与一位博学的朋友在咖啡馆里畅谈艺术。

评分☆☆☆☆☆

《美术》这本书，就像一扇窗，让我得以窥见人类精神世界的光辉。它不仅展示了艺术的成果，更重要的是，它引导我思考艺术的本质和价值。作者在书中对“何为美”的探讨，并非给出标准答案，而是通过引述不同哲学家的观点，以及分析不同艺术作品的特质，来激发读者自身的思考。我特别喜欢书中关于艺术与情感的连接的阐述。它告诉我们，艺术不仅仅是视觉的享受，更是情感的共鸣。当我们看到一幅画，听到一段音乐，或者读到一首诗，我们内心的某种情感会被触动，被唤醒，被抚慰。书中通过大量鲜活的例子，展现了艺术如何能够表达喜悦、悲伤、愤怒、爱恋等各种复杂的情感，以及这些情感又是如何通过艺术的形式得以升华和传递。这种对艺术情感维度的深入挖掘，让我更加理解了艺术的普世性和感染力。整本书在结构上颇具匠心，它并非线性地讲述，而是通过主题的反复出现和不同角度的切入，构建了一个有机的整体，让读者在阅读过程中不断产生新的联想和感悟。