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美西瓦克，美西瓦克 摄影，金黎晅 著

图书标签:

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• 绘画技巧
• 儿童艺术
• 美术实验

店铺： 广影图书专营店

出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532293575

商品编码：29648613251

包装：平装-胶订

出版时间：2015-02-01

基本信息

书名:创意美术实验室

定价：56.00元

售价：40.9元,便宜15.1元,折扣73

作者:(美)西瓦克,(美)西瓦克 摄影,金黎晅

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2015-02-01

ISBN：9787532293575

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装-胶订

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

《创意美术实验室》是苏珊继畅销书《创意绘画实验室》后又一部力著，这次她将平面的绘画作品“立”了起来，为大家的艺术创作提供了无限可能。

本书收录了32个有趣的3D艺术课程，涵盖黏土、石膏、纸张、织物、彩珠及更多的混合材料运用，让创意实践更多样、艺术表达更丰富。

● 每个课程的灵感均来自一位杰出艺术家的艺术创作。

● 开放性的课程设置可以让读者反复实践，期待各种不同的效果。

● 本书适合全家人一起阅读，也可以作为美术老师的培训教材。

● 本书中的课程在学校、培训机构中进行了一遍又一遍探索及尝试，极具实用性和可操作性。

● 不同的读者通过同一节课的学习会创作出不同的作品，那么，请跟着本书中详细的步骤图，一起创造属于你的美术作品吧！

内容提要

目录

作者介绍

苏珊·施维克是一位艺术家、艺术教育者以及馆长。她积极地在美国和欧洲的画廊中展示自己的作品，并在网络上和自己名为“艺术潮流”的画廊中出售它们。苏珊参与了若干公共艺术展览，并创造了大型的特定场域艺术作品。她对于教学以及与他人共同进行艺术创作的热爱，源自她四年级时的一个想法。她的工作环境多种多样，包括学校、社区中心、有特殊需求的非盈利组织、夏令营、多年龄层的设施、图书馆和她自己的艺术学校。在过去的20年间，苏珊已经向上百人教授了艺术课程。

她举办了一个性的儿童艺术展览，其中包括100多件由当地儿童创作的作品。这些作品在1997年，为其当地图书馆崭新的儿童室的墙壁添彩，并于2007年更换一新，来庆祝建馆10周年。2000年，她为一个多机构共用的新场地发起了类似的项目，有超过400位不同年龄层的人参与，她通过艺术创作将员工、家庭和客户更加紧密地联系在了一起。她很享受在公立和私立学校的工作时光，其中包括整个学校、有特殊需要的群体和单个班级参与的项目。自从出版她的本书《创意绘画实验室》以来，苏珊在大学、艺术工作室和学校为家长、教师和实习教师举办了数次实践课程。她很享受分享创作方法和学习他人经验的过程。

2005年，苏珊开通了名为“艺术精神”的，在上面她记录和拍摄了她身处的世界。她在中结识了很多全球的新晋艺术家和友人。她是新罕布什尔州“艺术潮流”工作室的合伙人和馆长。她也喜欢将引人注目的现代艺术集体展览引入到她所处的新英格兰地区。她每天欢欣鼓舞地与丈夫一起工作，从事她热爱的事业。

文摘

序言

纸上的魔术：探索未知的色彩与形态 《光影的低语：现代摄影的视觉叙事》 本书深入剖析了自胶片时代迈向数字洪流以来，摄影艺术在捕捉光影与构建叙事方面的深刻变革。我们不再仅仅满足于记录瞬间，而是致力于重塑感知，通过镜头语言对现实进行解构与重建。 第一章：媒介的演变与视角的重塑 本章从十九世纪中叶的达盖尔法说起，追溯了感光材料从化学反应到电子传感器的技术飞跃。重点探讨了这一技术演进如何解放了摄影师的创作视野。过去，对清晰度与曝光的极致追求常常束缚了表达的自由；如今，高感光度、慢速快门、以及后期处理软件的普及，使得“不完美”成为一种主动选择的艺术风格。我们研究了那些刻意模糊、噪点斑驳的作品，分析它们如何通过非线性的视觉语言，表达存在的不确定性和时间的流逝感。同时，本书也关注了“纯粹摄影”与“观念摄影”之间的张力，探讨摄影作品在被赋予哲学深度后，其记录功能如何退居其次，成为观念的载体。 第二章：构建场景：布光、构图与心理空间 摄影的本质在于选择。选择拍摄什么、不拍摄什么，以及如何将其置于画面之中，是艺术家进行“筛选”的过程。本章详尽解析了经典布光体系，如伦勃朗光、蝴蝶光、伦勃朗侧光等，并将其置于当代实践中考察。然而，理论的价值在于被打破。我们分析了那些反传统布光的摄影师，他们如何利用极端的逆光制造剪影的神秘感，或使用单一、刺眼的平光来揭示事物的僵硬本质。 在构图方面，本书超越了三分法和黄金分割的传统范式，着重研究了“负空间”的张力。如何利用大面积的留白来引导观众的目光，制造呼吸感，甚至让空白本身成为叙事的一部分。此外，动态构图与静态构图的对比被深入讨论，特别是对高速快门凝固瞬间运动，与长曝光模糊运动轨迹所产生的不同心理暗示进行了细致对比分析。 第三章：纪实的力量与伦理的边界 纪实摄影是争议的焦点，也是最有力量的艺术形式之一。本书拒绝将纪实视为“无干预的客观记录”，而是将其视为一种高度介入的、带有强烈主观色彩的“在场”经验。我们审视了战地摄影、社会人类学摄影中的经典案例，讨论了摄影师在记录痛苦、贫困或重大历史事件时，其“观看”行为本身所携带的权力关系。 一个关键议题是“真实性的幻觉”。通过对比经过严格把关的传统杂志图片与未经修饰的Raw文件，读者将被引导思考：在数字时代，我们应该如何界定“真实”？哪些干预是必要的（如矫正镜头畸变），哪些是带有欺骗性的（如移除关键人物或背景元素）？本书强调，对纪实伦理的深刻理解，是每一位严肃摄影师的必修课。 第四章：后图像时代的叙事碎片化 互联网和社交媒体的兴起，彻底改变了图像的消费模式。图像不再是静止的、被框定的艺术品，而是流动的信息流中的一个瞬间。本章探讨了“拼贴式叙事”的兴起。摄影师们开始像剪辑师一样工作，将看似无关的图像并置，创造出多重、开放式的解读空间。 我们研究了“系列作品”的内在逻辑，比如如何通过十张看似不相关的风景照，来表达对“地方感”的失落；或如何用一组私密的人像，构建一个关于“身份构建”的复杂论述。这种碎片化的叙事要求观众从被动的接受者转变为主动的参与者，通过自身的经验和知识储备，填补图像之间的空白。 第五章：视觉文学：从单张到画册的编排艺术 最好的摄影作品往往不是一张，而是一本书。摄影画册（Photobook）已成为当代摄影表达的终极形态之一。本书用大量的篇幅解析了画册的“节奏感”。如何通过开本大小、纸张质感、图片间的留白、乃至装帧设计，来控制读者的翻阅速度和情绪起伏？ 我们分析了历史上的里程碑式画册，如威廉·克莱因（William Klein）的城市掠影与森山大道（Daido Moriyama）的粗砺颗粒感，是如何通过物理媒介的特性，强化其主题的。从首页的冲击力到封底的余韵，画册的编排是对时间线性体验的一种精妙操纵。 结语：凝视未来——技术与人性的交汇点 展望未来，人工智能图像生成（AIGC）的浪潮正在冲击摄影的定义。本书认为，无论技术如何进步，摄影的核心——即人对世界进行选择、裁剪和赋予意义的过程——将永存。真正的创新不在于模仿真实，而在于通过技术手段，更深刻、更富有洞察力地揭示人类经验的复杂面向。这是一场关于如何“看”与“被看”的持续对话。 目标读者： 摄影专业学生、视觉艺术爱好者、平面设计师、以及所有对图像文化和现代艺术表达方式感兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧非常有质感，纸张的触感也很舒适，拿在手里就能感受到它的分量和用心。我一直认为，一本书的呈现方式，也很大程度上影响着读者的阅读体验，而这本书显然在这方面做得非常出色。我特别欣赏它没有采用过于花哨的排版，而是以一种清晰、简洁的方式呈现内容，这样反而更能让读者专注于文字和图片本身。当我看到书中一些精美的插图和范例时，我真的被深深打动了。它们不仅仅是视觉上的享受，更是作者创意和技巧的完美体现。我能感受到作者在每一个细节上的投入，无论是构图、色彩运用，还是主题的选择，都充满了匠心独运。这种精益求精的态度，也深深地感染了我，让我更加渴望去学习和模仿。我一直在思考，如何才能将理论知识与实践技巧更好地结合起来，而这本书似乎为我提供了一个很好的范本。它不仅仅是展示成品，更是在引导你去思考创作的过程，去理解那些隐藏在艺术背后的逻辑。

评分☆☆☆☆☆

对于我来说，选择一本艺术类书籍，最看重的就是它能否真正地“触动”我。而这本书，恰恰做到了这一点。它并没有高高在上地讲授理论，而是以一种非常亲切、平等的方式，把我带入一个充满创意的世界。我喜欢它那种鼓励探索、不怕犯错的氛围。在阅读的过程中，我仿佛能听到作者在耳边低语，鼓励我大胆尝试，去打破思维定势。这种感觉非常难得，因为很多时候，我们都会因为害怕失败而束手束脚，不敢去触碰那些看似“不可能”的创作。这本书就像一个温柔的引导者，它告诉我，创意从来都不是凭空产生的，而是源于我们对生活细致入微的观察，以及对内心世界的真诚表达。我开始重新审视自己周围的世界，发现原来很多我们习以为常的事物，都可以成为艺术的灵感来源。这种视角上的转变，对我来说是弥足珍贵的。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的魅力在于，它没有给出“标准答案”。它更像是一扇敞开的大门，邀请你走进一个无限可能的空间。我喜欢它那种开放式的引导，它提供给你的是“可能性”，而不是“指令”。这意味着，每一个读者都可以根据自己的兴趣和能力，去发掘和创造属于自己的艺术表达。我一直在寻找能够激发我“内驱力”的书籍，而这本书，恰恰点燃了我内心深处的创作火焰。它让我明白，艺术的本质不在于模仿，而在于表达。在于你如何用自己的方式，去解读和呈现这个世界。我非常期待能够将书中的理念融入到我的实际创作中，看看能够激发出怎样的火花。这本书的出现，让我对自己的艺术未来，充满了信心和憧憬。

评分☆☆☆☆☆

刚翻开这本书，就被它充满活力的封面设计吸引住了。那种大胆的色彩碰撞和流动的线条，仿佛在预示着一场色彩的盛宴即将展开。我本身对美术就有着浓厚的兴趣，尤其是那种打破常规、充满想象力的创作方式。看到“创意美术实验室”这个名字，我脑海里立刻浮现出许多新奇的想法。我一直在寻找一本能够激发我灵感、拓宽我视野的书籍，而这本书给我的第一印象，就是它拥有这样的潜力。它不像那些枯燥的艺术史理论书籍，而是更像一个充满可能性的游戏场所，鼓励你去探索，去尝试，去发现属于自己的艺术语言。我迫不及待地想深入其中，看看这个“实验室”里究竟藏着怎样的惊喜。我期望这本书能教会我一些新鲜的技法，或者提供一些独特的视角，让我能够从不同的角度去看待艺术创作。也许是一些意想不到的材料组合，又或者是出人意料的创作主题，都让我充满了好奇。总而言之，这本书的出现，就像在我沉闷的创作生活中注入了一剂强心针，让我对未来的艺术探索充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我一直相信，真正的创意，是能够跨越语言和文化的障碍的。而这本书，似乎正是这样一本能够引起全球共鸣的书籍。我之所以这么说，是因为它所探讨的许多创意理念，都是非常普适的。它没有局限于某个特定的地域或流派，而是从更广阔的视角去审视艺术的本质。我尤其欣赏它在内容上的多样性，从不同的艺术形式到不同的创作媒材，都给予了充分的关注。这让我有机会了解到许多我之前从未接触过的艺术领域，也拓宽了我对艺术的认知边界。我开始思考，如何将这些不同的元素融会贯通，创造出属于我自己的独特风格。这本书不仅仅是一本学习的工具，更像是一位良师益友，它陪伴着我，指引着我，让我能够在艺术的道路上，不断前进，不断成长。